Lär dig den fascinerande historien bakom ”Ophelia”, en ikonisk pre-rafaelitmålning

John Everett Millais, ”Ophelia”, ca. 1851 (Foto: Google Art Project )

Inom 1848 slog ett hemligt sällskap av konstnärer rot i det viktorianska England. Medlemmarna i detta brödraskap, känt som pre-rafaeliterna, ansåg att måleriet hade blommat upp före renässansen och angav Rafaels idealistiska inställning till ämnet som den urgamla disciplinens undergång.

För att föra tillbaka måleriet till dess guldålder gick pre-rafaeliterna samman och förenades inte av en specifik stil utan av en önskan att ”ha genuina idéer att uttrycka” – och en drivkraft att ”studera naturen uppmärksamt för att veta hur man ska uttrycka dem”. John Everett Millais, en av rörelsens grundare, förkroppsligade detta tillvägagångssätt med sin Ophelia, en gripande och poetisk pre-rafaelitisk målning.

Sätt scenen

William Holman Hunt, ”Sir John Everett Millais”, 1853 (Foto: Wikimedia Commons )

Den engelske konstnären John Everett Millais (1829-1896) började måla Ophelia 1851 – bara tre år efter det att han, William Holman Hunt och Dante Gabriel Rossetti var med och grundade Pre-Raphaelite Brotherhood.

Från en ung ålder utbildades Millais till traditionell målare. Redan vid elva års ålder blev han den yngsta eleven som antogs till de prestigefyllda skolorna vid Royal Academy. Under de kommande åren skulle han utmärka sig som historisk målare innan han underminerade akademins renässanscentrerade läroplan med avantgardistiska målningar som Ophelia.

Mignon Nevada som ”Ophelia”, glasnegativfotografi, ca. 1910 (Foto: Wikimedia Commons )

Målningen är utförd i olja på en 30 gånger 44 tum stor duk och skildrar Ophelias död, en karaktär i William Shakespeares Hamlet (ca 1599-1601). I pjäsen drivs Ophelia till vansinne och drunknar efter att ha upptäckt att hennes partner, Hamlet, har dödat hennes far. Även om hennes dödsscen inte uttryckligen utspelas i pjäsen, beskrivs den i poetiska detaljer av Hamlets mor, drottning Gertrud, i akt IV, scen vii:

”Det finns en pil som växer vid en bäck,
Den visar sina håra blad i den glasartade strömmen;
Där kom hon med fantastiska kransar
av kråkblommor, nässlor, prästkragar och långa purpurblommor
Den liberala herdar ger ett grövre namn,
Men våra kalla jungfrur kallar dem för döda mäns fingrar:
Där, på de hängande grenarna, hennes krona ogräs
som klättrade för att hänga, bröt en avundsjuk spricka;
När hennes ogräs troféer och hon själv
föll ner i den gråtande bäcken. Hennes kläder bredde ut sig;
Och, som en sjöjungfru, bar de henne en stund upp:
Vid den tiden sjöng hon snuttar av gamla melodier;
Som en som är oförmögen till sin egen nöd,
Och som en varelse som är infödd och indragen
I det elementet: Men det kunde inte dröja länge
tills hennes kläder, tunga av sin dryck,
dragit den stackars stackaren från sin melodiska liggplats
till den leriga döden.”

Millais målning skildrar Ofelia en stund efter att hon ”föll i den gråtande bäcken” medan hon försökte drapera kransar av vilda blommor från ”på de hängande grenarna” av ett träd. Medan hennes ”sjöjungfruliknande” kjolar till en början höll henne flytande blir de snart ”tunga av sin dryck”. Medan hon sjunker sjunger hon tyst för sig själv, tills hon möter sin tragiska ”leriga död”.”

Målningsprocessen

John Everett Millais, Study for ”Ophelia”, 1852 (Foto: Wikimedia Commons )

För att till fullo fånga andan i den ”leriga döden” valde Millais att måla en plein air (”i den fria luften”) – en av de viktigaste pre-rafaelitiska teknikerna. Under fem månader slog han läger längs floden Hogsmill i Surrey i sydöstra England och började dokumentera de lokala växterna i en mödosam och smärtsam process.

”Mitt martyrskap är mer prövande än något som jag hittills har upplevt”, beklagade han. ”Flugorna i Surrey är mer muskulösa och har en ännu större benägenhet att sticka i människokött. . . Jag hotas av en kallelse att infinna mig hos en domare för att ha gjort intrång på en åker och förstört höet… . . jag riskerar också att bli blåst av vinden ner i vattnet och bli förtrogen med Ofelias känslor när den damen sjönk till den leriga döden, tillsammans med det (mindre sannolika) totala försvinnandet, genom flugornas glupskhet.”

Elizabeth Siddal, Millais nittonåriga modell, hade det inte lättare. Siddal, som var konstnär och en favoritmuse bland Millais och hans kolleger bland pre-rafaeliterna (inklusive hennes framtida make Dante Gabriel Rossetti), var bekant med processen att sitta för målningar. Att spela rollen som en drunknande Ofelia visade sig dock vara en särskilt utmanande uppgift. Klädd i vad Millais entusiastiskt beskrev som en ”riktigt praktfull gammal damklänning – alldeles blommig med silverbroderier”, poserade Siddal i ett bad fullt av vatten. Vid ett tillfälle slocknade oljelamporna som skulle hålla vattnet varmt, och Siddal blev svårt sjuk som en följd av detta. (Millais betalade som bekant hennes läkarräkningar på sin fars begäran.)

Efter denna mindre än idealiska kreativa process (”Att måla en tavla under sådana omständigheter skulle säkerligen vara ett större straff för en mördare än att hängas”, påpekade Millais) blev Ophelia färdig 1852 och ställdes ut på Royal Academy of Art samma år.

Blommande arv

Detaljer av ”Ophelia”

Och även om Ophelia till en början möttes av blandade omdömen (en kritiker kallade den för en ”tour de force i detaljerade skildringar”, medan en annan ansåg att den var ”pervers”), så har den sedan dess kommit att beteckna höjdpunkten inom det pre-rafaelitiska måleriet. Förutom att tavlan fångar rörelsens betoning på naturalism, är den också ett exempel på floriografi, eller ”blommornas språk”.

Ofelias svävande flora är ett av målningens mest hyllade motiv, och den är vackert återgiven i en rad olika juveltoner. Dessa detaljerade botaniska växter är dock mer än vad som möter ögat, eftersom var och en av dem fungerar som en symbol. Några av växterna i målningen har nämnts av Shakespeare, som på ett berömt sätt tilldelade blommor betydelser; andra har omsorgsfullt lagts till av Millais, som hade odlat ett intresse för ”blommornas språk” – ett fenomen där flora används för att förmedla kodade budskap.

”Rosorna nära Ofelias kind och klänning, och fältrosen på stranden, kan anspela på att hennes bror Laertes kallade henne för ’majrosen'”, förklarar Tate. ”Pil, nässla och tusensköna förknippas med övergiven kärlek, smärta och oskuld. Sfåglar hänvisar till kärlek förgäves. Violetter, som Ofelia bär i en kedja runt halsen, står för trohet, kyskhet eller den ungas död, vilket alla betydelser skulle kunna gälla här. Vallmo betyder döden. Förgätmigej flyter i vattnet.”

Trots sina rötter i antiken hade denna princip blivit utomordentligt populär i det viktorianska England – och med Ofelias uppskattade blommor i spetsen kommer den utan tvekan att fortsätta att blomma i många år framöver.

Betydelsen av Manets storskaliga mästerverk ”Lunchen på gräset”

Hur denna enda målning utlöste den impressionistiska rörelsen

8 verkliga platser för berömda målningar som du kan besöka idag