7 japanska musiker som påverkat världen

Den japanska musiken har, vare sig resten av världen vet om det eller inte, länge haft ett enormt inflytande på världens musikaliska trender. Från Japans avundsvärda undergroundscen efter kriget till det här århundradets ostoppbara framväxt av J-pop har japanska artister gått i spetsen för rörelser som har utlöst revolutionära chockvågor över hela världen, och 2019 har deras inflytande aldrig varit så brett eller så uppenbart.

Upptäckten av japanska musikers verk har kommit långt sedan John Zorns New Japan-etikett och de beryktade labyrintliknande J-pop-bloggarna från internets tidiga dagar. Under de senaste 20 åren har konsumtionen av japansk musik faktiskt ökat utan motstycke, vilket har revolutionerats av streamingtjänster och samarbetsplattformar på nätet som Reddit och RateYourMusic (RYM).

Att vara inflytelserik är att vara mer än bara populär. Ändå finns det ett oräkneligt antal japanska musiker, populära eller inte, som oåterkalleligt har förändrat banan för ett oräkneligt antal genrer världen över. Det finns ganska uppenbart en skrämmande katalog över artister som uppfyller detta kriterium, en lista som utan tvekan skulle kunna fylla flera volymer (tänk kort på de enorma skillnaderna i stil mellan Yoko Ono och Merzbow, Hikaru Utada och Toru Takemitsu, Boris och Cornelius). Den här listan kommer, utan någon preferensordning, att kondensera det antalet ner till sju favoriter som jag tycker är mest samtida relevanta och representerar bredden av japanska musikers inflytande över olika stilar och genrer.

Boredoms

Beskriven av Bonnie C. Wade som ”maniskt extrem kakofoni”, kan Boredoms album och liveshower bara beskrivas som ”andliga happenings” eller ”kulturella händelser”. De kommer från Osaka och har under de senaste 30 åren producerat album med aggressivt buller, snabb punk, noise rock, krautrock, psykedelisk rock, postrock, turntablism och minimalism (för att nämna några).

Boredoms nuvarande liveshower har varit kända för att kretsa kring extrem abstrakt performancekonst, löjligt många trummisar (vid två tillfällen, 77 och 88) och medryckande andlighet. Det är svårt att tro att de är samma band som turnerade med Sonic Youth och Nirvana i slutet av 90-talet och till och med spelade på huvudscenen på Lollapalooza 1994.

Med tanke på dessa framträdanden är det fortfarande förbryllande att de åtnjöt sådan popularitet. Det är inte så mycket att de inte var bra – Boredoms har faktiskt alltid varit ganska konsekvent otroliga – utan att de knappast var popradiovärdiga. Frontmannen Yamataka Eyes ständiga flirt med galenskap och den mestadels återkommande trummisen Yoshimi P-Wes naiva, improviserade inställning till trummor öppnade dock ögonen för Japanoise för många utanför Japan, särskilt i USA.

Boredoms infiltrerade den amerikanska underjorden och blev inte bara involverade i jättarna Sonic Youth, Nirvana och Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots var uppkallad efter Yoshimi P-We och innehöll hennes bidrag) utan fick ett rykte som vördade, mytiska artister. Album som Super æ (1998) och Vision Creation Newsun (1999) byggde bara på myten, och deras inflytande kan höras i en mängd olika band, från noise- och experimentella rockband som Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles och Black Midi till den psykedeliska popgruppen Animal Collective.

Tyvärr är det nästan ett decennium sedan Boredoms hade sitt största inflytande, men de har dragit nytta av det nya globala fanskapet i de digitala mediernas tidsålder; de hör till de mest imiterade och välkända japanska musikerna.

Fishmans

Samt enkelt uttryckt har det aldrig funnits något annat band som Fishmans. Fishmans bildades 1987 som ett enkelt dubband innan de slutligen förvandlades till titaner av experimentell drömpop och neo-psykedelia, och Fishmans styrdes av Shinji Sato (sång), Kin-Ichi Motegi (trummor) och Yuzuru Kashiwabara (bas).

Få diskografier berättar så tillfredsställande om ett bands historia som Fishmans’, ett faktum som till största delen stämmer på grund av de svindlande höjder som uppnåddes av deras sista fyra skivor. Kūchū Camp, Long Season (båda beskrivna av The Japan Times som ”obestridda landmärken i den japanska rockkanonen”), Uchū Nippon Setagaya och 98.12.28 Otokotachi no Wakare är banbrytande i den bemärkelsen att ingen, varken före eller efter, har låtit något som liknar dem.

Det är ingen överdrift att säga att Fishmans är populärare nu än vad de någonsin var under hela sin livslängd på 90-talet. Ändå, exceptionellt populära som de är på både Reddits /mu/ och RYM, skulle man nästan kunna tro att Fishmans länge varit ett känt namn. Tusentals fans svimmar över Satos charmigt töntiga sång och Kashiwabaras smittsamma basgångar och många kopplar an till den tragiska bakgrunden till Otokotachi no Wakare. För många ändrar tragedin med Satos död i efterhand sättet de lyssnar på skivan, och få diskussioner om de största skivorna i modern musikhistoria utesluter Fishmans. Allt detta trots att Fishmans katalog bara fanns tillgänglig för streamning sedan förra året och att Otokotachi no Wakare – generellt sett deras mest hyllade verk – aldrig fick någon release utanför Japan.

Mer än någon annan artist på den här listan ligger Fishmans inflytande inte så mycket i vad de har inspirerat musikaliskt (eller inte ännu, i alla fall), utan i den utsträckning som de har genomsyrat medvetandet och diskursen hos en hel generation av globala musikfanatiker. Band som Fishmans finns bara en gång i en generation. Tjugo år senare är det tydligt att de äntligen är nära att få det erkännande de förtjänar.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono har varit en av den japanska popmusikens stöttepelare ända sedan hans tidiga dagar i Apryl Fool och Happy End. Hosonos Yellow Magic Orchestra (1978-84), tillsammans med Ryuichi Sakamoto och Yukihiro Takahashi, anses ha uppfunnit techno-kayo och är, tillsammans med Kraftwerk och Giorgio Moroder, regelbundet erkänd som en av den elektroniska popmusikens gudfäder.

Hosono ensam har dock blivit känd för bredden i sina stilistiska experiment, sin omfattande lista över produktionskrediteringar och sitt självorientaliserande, exotiserande soloarbete. Han har lämnat ett outplånligt märke på några av de mest populära popalbumen i modern japansk musikhistoria, och ändå är det först relativt nyligen som hans inflytande har sträckt sig långt bortom hans dagar med YMO. Hosonos distinkt lekfulla, färgglada poplåtar har lagt grunden till att han idoliserats av slacker-indie- och weirdo-popaktörer, varav den mest kända – och mest betydelsefulla – är Mac DeMarco.

Stilistiska likheter åsido har DeMarco offentligt erkänt sin idol och till och med släppt en officiell coverversion av Hosonos ”Honey Moon”. Tidigare i år gick han tillsammans med Hosono på scenen för att framföra den, och erkände också att DeMarcos 2 (2012) var utformad efter Hosonos Hosono House (1973). Hosonos roll i DeMarcos uppstigning skulle vara ovetydig, bara DeMarco är lätt en av de mest imiterade och definierande artisterna inom amerikansk indierock det här decenniet.

Även utanför sitt arbete med YMO, är Hosonos soloarbete och avtryck på skivor av Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki och Pizzicato Five, till stor del genom streaming, på väg att sippra in i en ny generation som är angelägen om att fördjupa sig i hans enorma katalog av utgivningar.

Keiji Haino

Keiji Haino är en mästare i framförande och en av avantgardets mest gåtfulla och rastlöst nyskapande figurer. Keiji Haino förklarar att hans musik är lika kraftfull som psykedeliska droger (som han för övrigt hävdar att han aldrig har tagit). Och med en så kraftfull musik är det inte konstigt att han är en så legendarisk och inflytelserik avantgardemusiker.

Omöjligt att sätta fast i en enda genre är Haino känd för sitt arbete med fri improvisation, minimalism, buller, drönare, poesi och mycket annat både i sitt solospel och i sina många andra musikaliska projekt (särskilt den psykedeliska gruppen Fushitsusha och bullerakten Nijiumu). Trots att han förbjöds från NHK mellan 1973 och 2013 och i allmänhet gjorde skivor på gränsen till vad man vanligtvis skulle kunna betrakta som ”musik” överhuvudtaget, fann Haino en publik i USA genom John Zorns Tzadik-etikett på 90-talet som en mystisk och vild sonisk revolutionär. Haino är en vördad figur bland artister som Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O))))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, producent för Wilco och Stereolab) och Christian Marclay. Hainos inflytande visar sig inte bara i hans samarbetsprojekt med dessa artister, utan även i deras mer allmänna etos.

Dessa efterföljare har fortsatt att skapa några av de viktigaste och mest respekterade tunga och experimentella skivorna utanför Japan (liksom några generationsdefinierande verk inom den mjukare genren); de har förvandlat genrerna genom samma radikala filosofi och gränssättande tillvägagångssätt. Enkelt uttryckt, utan Haino hade skivor som Sun O))))’s Monoliths and Dimensions, Jim O’Rourke’s Insignificance, Sonic Youth’s Murray Street eller Wilco’s Yankee Hotel Foxtrot kanske aldrig låtit som de gör.

Nujabes (Jun Seba)

Aldoliseringen av en artist efter dennes bortgång är knappast något sällsynt fenomen, men sällan har en utbredd postum uppskattning varit så välförtjänt som i fråga om musiken av den instrumentala hiphop-pionjären Nujabes (född Jun Seba). Sedan Nujabes tragiska död i en trafikolycka i februari 2010 har hans arv tyst men exponentiellt vuxit till att förkroppsliga en hiphop-stil som är känd över hela världen. Nujabes’ beatmaking tog jazzrap från amerikanska artister som Pete Rock och A Tribe Called Quest och lade till träblåsare, horn och en intensiv skuld till spirituell jazz.

Med levande instrumentering och samplingar från ett stort antal artister – inklusive Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis och Jean-Michel Jarre bland många andra – överbryggar Nujabes’ beats skickligt oräkneliga genrer. Han är lika känd för sina två studioplattor, Metaphorical Music och Modal Soul, som för sitt arbete med soundtracket till Shinichirō Watanabes anime-serie Samurai Champloo. Nujabes arv, som drivs av den växande efterfrågan inom hiphop på mjukare och jazzigare instrumentalmusik (samt av att Samurai Champloo fick en enorm internationell publik), har bara vuxit efter hans död.

Mer än bara ”Japans J Dilla” (även om han av en slump är född samma dag, den 7 februari 1984), har han erkänts av så olika artister som den polske rapparen Zeus och de amerikanska rapparna SahBabii och Joey Bada$$ som en väsentlig och distinkt föregångare till den samtida hiphopen. Med Lo-fi Hip Hop Radio och olika Nujabes Experience-evenemang över hela världen är det tydligt att effekten av Nujabes instrumentala hiphop bara växer.

Perfume

Sedan de först slog igenom på J-pop-scenen 2008 har det stått klart att Perfume inte är en vanlig idolgrupp. Både deras enorma popularitet och den anmärkningsvärda utsträckning i vilken denna popularitet har översatts så väl utomlands gör det tydligt att de är ett atypiskt och inte enbart japanskt kulturellt fenomen. Om YMO introducerade den första vågen av technopop, så lockade Perfume fram den andra. Producenten Nakata Yasutakas förkärlek för fransk house och bossa nova skapade instrumentalmusik som inte liknar något annat vid den här tiden, medan sången från Kashiyuka, A-chan och Nocchi var onormalt mörk. Monotona och autotunade med en sci-fi, elektronisk kant; alla tre var en stark kontrast till sådana som Ayumi Hamasaki och Hikaru Utada.

Spelade på Texasfestivalen SXSW 2015 och skapade engelskspråkiga fanbaser på sajter som Perfume City, LiveJournal, AllMusic och YouTube, och man skulle kunna se Perfume som Japans motsvarighet till Cool Britannia. Spår från både Game (2008) och Triangle (2009) blev vanliga i indie-DJ-set överallt och fick så småningom stöd av världsturnéer. Naturligtvis ligger Perfumes inflytande till stor del i popmusik och EDM. Madeon och Zedd, två av de mest kända DJ:s inom EDM, har båda erkänt Perfume och Yasutakas inflytande över sitt arbete. Även om Yasutaka fortsatte att producera för Harajukus Kyary Pamyu Pamyu Pamyu, en annan unik och populär J-pop-export, var Perfume de ursprungliga technopop-revivalisterna.

Shiina Ringo

Avant-popdrottningen Shiina Ringo är en av de få verkligt inflytelserika artisterna vars verk klarar av att balansera både stratosfärisk popularitet och otyglad kreativitet. Hon är en av de mest populära artisterna i Japan och dyrkas också av konstpopfans på webbplatser som RateYourMusic. I början av 2000-talet var hennes uppgång ostoppbar; med stöd av sitt stödband Tokyo Jihen kombinerade Ringo mörkare, introspektiva, ofta surrealistiska texter med vild instrumental experimentalism där J-pop smälte samman med inslag av jazz, rock, noise pop, barockpop, enka och electronica.

Kalk Samen Kuri no Hana, albumet som många ser som hennes största konstnärliga uttalande, jämfördes av den asiatiska upplagan av Time med Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Den jämförelsen är helt berättigad: det är ett utstuderat, kaotiskt stycke musik som är fast förankrat inom pop men som också hänsynslöst drar genren framåt. Frekventa jämförelser med Bjork vittnar om hennes konsekvent banbrytande, helt distinkta stil och hennes energirika, ofta provocerande röstleverans; även om Bjork knappast låter som Ringos självutnämnda ”Shinjuku-kei” (en lek med den ikoniska Shibuya-kei indiepop-stilen).

Trots att ett allt större antal utomeuropeiska lyssnare hela tiden hittar Ringos verk, är det få som har invändningar mot dess kritiska status. Bland hennes fans finns Lenny Kravitz, Courtney Love och till och med Perfume’s Nocchi, medan den framväxande Londonbaserade popstjärnan Rina Sawayama nämner henne som ett viktigt inflytande. Den japansk-amerikanska musikern Mitski nämnde henne särskilt som en av de viktigaste influenserna på sitt senaste album, 2018 års kritikerrosade Be the Cowboy. Ringos arbete har utan tvekan banat väg för en bredare internationell publik för andra kvinnoledda, högintensiva japanska akter som Midori, Tricot och Otoboke Beaver, och uppskattningen av hennes inflytande över art pop är obestridlig och växande.