10 konstverk som gjorde folk riktigt galna

Konstnärer genom tiderna har aldrig skyggat för kontroverser – många försöker till och med att skapa sig en skam. (Behöver du bevis? Titta bara på Banksy, den anonyma gatukonstnären som nyligen skapade ett verk som förstörde sig själv i samma ögonblick som det såldes på auktion – för hela 1,37 miljoner dollar). Även om det är upp till kritiker och historiker att diskutera teknik och konstnärligt värde finns det några konstverk som chockade de flesta som såg dem. Från målningar som ansågs vara för oanständiga, för grova eller för blodiga för sin tid till handlingar av så kallad skändning och kraftfulla politiska uttalanden – det här är några av de mest kontroversiella konstverken som någonsin skapats.

1. Michelangelo, ”Den sista domen”, 1536-1541

Ungefär 25 år efter att ha färdigställt taket till Sixtinska kapellet återvände renässanspolymaten Michelangelo till Vatikanen för att arbeta på en freskomålning som skulle komma att debatteras i århundraden. Hans skildring av Kristi återkomst i ”Den sista domen”, som han arbetade med mellan 1536 och 1541, möttes omedelbart av kontroverser från den motreformatoriska katolska kyrkan. Religiösa ämbetsmän uttalade sig mot fresken av flera skäl, bland annat den stil som Michelangelo målade Jesus med (skägglös och i den hedniska mytologins klassiska stil). Men mest chockerande av allt var målningens 300 figurer, mestadels män och mestadels nakna. I en åtgärd som kallades en fikonbladskampanj målades senare bitar av tyg och flora över den stötande anatomin, varav en del senare togs bort som en del av en restaurering på 1900-talet.

2. Caravaggio, ”Matteus och ängeln”, 1602

Barockmålaren Caravaggios liv kan vara mer kontroversiellt än något av hans verk, med tanke på att han dog i exil efter att ha anklagats för mord. Men hans okonventionellt humanistiska inställning till sina religiösa uppdrag höjde definitivt ögonbrynen på sin tid. I den nu försvunna målningen ”Matteus och ängeln”, som skapades för Contarelli-kapellet i Rom, vände Caravaggio på konventionerna genom att använda en fattig bonde som modell för helgonet. Men det som upprörde kritikerna mest var Matteus smutsiga fötter, som på ett illusionistiskt sätt tycktes sticka ut från duken (ett återkommande visuellt trick för konstnären), och det sätt på vilket bilden antydde att han var analfabet, som om han blev uppläst av en ängel. Verket förkastades slutligen och ersattes med ”The Inspiration of St. Matthew”, en liknande men mer standardiserad skildring av scenen.

3. Thomas Eakins, ”The Gross Clinic”, 1875

Denna ikon inom den amerikanska konsten skapades inför nationens 100-årsjubileum, då målaren Thomas Eakins var angelägen om att visa upp både sin talang och de vetenskapliga framstegen vid Jefferson Medical College i Philadelphia. Den realistiska målningen placerar betraktaren i mitten av en kirurgisk amfiteater, där läkaren dr Samuel Gross föreläser för studenter som opererar en patient. Men dess sakliga skildring av kirurgi ansågs för grafisk, och målningen förkastades av Philadelphia Centenary Exhibition (vissa skyller på läkarens blodiga händer, andra hävdar att det var den kvinnliga figuren som skyddar ögonen som fick den att gå över gränsen). Ett sekel senare har målningen dock äntligen erkänts som ett av sin tids stora mästerverk på grund av både dess konstnärliga och vetenskapliga förtjänster.

4. Marcel Duchamp ”Fountain”, 1917

När ikonoklastikern Marcel Duchamp anonymt skickade in en porslinsurinal signerad ”R. Mutt 1917” som en ”readymade”-skulptur till Society of Independent Artists, en grupp som var känd för att acceptera alla konstnärer som kunde betala en avgift, hände det otänkbara: verket nekades, trots att Duchamp själv var medgrundare och styrelseledamot i gruppen. Vissa undrade till och med om verket var en bluff, men Dada-tidskriften The Blind Man försvarade urinalen som konst eftersom konstnären hade valt den. Verket markerade ett skifte från vad Duchamp kallade ”retinal”, eller rent visuell, konst till ett mer konceptuellt uttryckssätt – och startade en dialog som fortsätter än i dag om vad som egentligen utgör ett konstverk. Även om allt som återstår av originalet är ett fotografi av Alfred Stieglitz (som slängde verket) som togs för tidningen, finns flera auktoriserade reproduktioner från 1960-talet i stora samlingar runt om i världen.

5. Robert Rauschenberg, ”Erased De Kooning”, 1953

På sätt och vis förebådade Robert Rauschenbergs ”Erased De Kooning” Banksys självförstörande målning. Men i fallet med teckningen från 1953 bestämde sig konstnären för att det ursprungliga konstverket måste vara viktigt i sig självt. ”När jag bara raderade mina egna teckningar var det inte konst ännu”, berättade Rauschenberg för SFMoMA 1999. Så han kallade på den tidens mest vördade moderna konstnär, den skiftande abstrakta expressionisten Willem de Kooning, som efter viss övertalning gav den yngre konstnären en teckning med en blandning av fettpennakonst och träkol som det tog Rauschenberg två månader att sudda ut. Det tog ungefär ett decennium innan ryktet om verket spreds, då det möttes av en blandning av förundran (Var detta ett ungt geni som usurperade mästaren?) och avsky (Är det vandalism?). En person som inte var särskilt imponerad var de Kooning själv, som senare berättade för en reporter att han till en början tyckte att idén var ”töntig”, och som vissa säger att han ogillade att en sådan intim interaktion mellan konstnärer hade delats med allmänheten.

6. Yoko Ono, ”Cut Piece”, 1964 / Marina Abramovic, ”Rhythm 0”, 1974

När performancekonsten växte fram som konstnärlig praktik under efterkrigsåren drev konstformen ofta mot provokation och till och med fara. I Yoko Onos ”Cut Piece”, en performance från 1964, uppmanade konstnären publiken att ta en sax och klippa av en bit av hennes kläder medan hon satt orörlig och tyst. ”Folk var så chockade att de inte pratade om det”, mindes hon senare.

Tio år senare tog Marina Abramovic omedvetet upp konceptet på nytt med ”Rhythm 0”, där konstnären försåg publiken med 72 föremål för att de skulle kunna göra vad de ”önskade”. Tillsammans med en sax erbjöd Abramovic en rad olika verktyg: en ros, en fjäder, en piska, en skalpell, en pistol, en kula, en bit chokladkaka. Under den sex timmar långa föreställningen blev publiken mer och mer våldsam, en av dem tog blod från hennes hals (”Jag har fortfarande ärren”, har hon sagt) och en annan höll pistolen mot hennes huvud, vilket utlöste ett slagsmål till och med i galleriet (”Jag var redo att dö”). Publiken bröt ut i ett slagsmål om hur långt man skulle gå, och i samma ögonblick som föreställningen avslutades, minns Abramovic, sprang alla iväg för att undvika att konfrontera vad som hade hänt. Sedan dess har Abramovic kallats performancekonstens gudmor, och hennes ofta fysiskt extrema verk fortsätter att polarisera både tittare och kritiker.

7. Judy Chicago, ”The Dinner Party”, 1974-79

Med sin ”Dinner Party” satte Judy Chicago igång att förespråka erkännandet av kvinnor genom hela historien – och det slutade med att hon själv skrev konsthistoria. Verket, som är en komplex installation med hundratals komponenter, är en tänkt bankett med 39 kvinnor från hela mytologin och historien – bland annat Sojourner Truth, Sacajawea och Margaret Sanger – som var och en är representerad vid bordet med en dukning, varav nästan alla föreställer stiliserade vulvor. Med sin blandning av anatomiska bilder och hantverkstekniker kallades verket vulgärt och kitschigt av kritikerna, och det blev snabbt satiriserat av en motutställning som hedrade kvinnor av ”tvivelaktig status”. Men trots kritikerna ses verket nu som en milstolpe inom den feministiska konsten och visas permanent på Brooklyn Museum.

8. Maya Lin, ”Vietnam Veterans Memorial”, färdigställd 1982

Maya Lin var bara 21 år gammal när hon vann uppdraget som skulle starta hennes karriär – och en nationell debatt. Hennes design för Vietnam Veterans Memorial valdes av en blind jury, som inte hade någon aning om att den vinnande designern var en arkitektstudent. Den föreslagna designen uppfyllde alla krav, bland annat att den skulle innehålla 58 000 namn på soldater som aldrig återvände från kriget, men dess minimalistiska och diskreta form – två svarta granitplattor som reser sig ur jorden i ett ”V”, som ett ”sår som är stängt och läker”, som Lin har sagt – blev omedelbart föremål för politisk debatt av dem som ansåg att den inte på rätt sätt hyllade de soldater som den hedrar. En veteran kallade designen för ett ”skamens svarta sår” och 27 republikanska kongressledamöter skrev till president Ronald Reagan och krävde att designen inte skulle byggas. Men Lin förespråkade sin vision och vittnade inför kongressen om avsikten bakom verket. I slutändan blev det en kompromiss, då ett andrahandsbidrag i tävlingen med tre soldater lades till i närheten för att fullborda hyllningen (en flagga och ett kvinnominnesmärke lades också till senare). I takt med att avståndet till kriget har ökat har kritiken mot minnesmärket avtagit.

9. Ai Weiwei, ”Dropping a Han Dynasty Urn”, 1995

Den kinesiske konstnären och aktivisten Ai Weiwei är en av konstens mest provocerande figurer, och hans praktik ifrågasätter ofta idéer om värde och konsumtion. År 1995 nickade konstnären till Duchamp med ”Dropping a Han Dynasty Urn”, ett verk som han kallade en ”kulturell readymade”. Som titeln antyder bestod verket av att släppa, och därmed förstöra, en 2 000 år gammal ceremoniell urna. Kärlet hade inte bara ett betydande monetärt värde (Ai ska ha betalat flera hundra tusen dollar för det), utan det var också en kraftfull symbol för den kinesiska historien. Den avsiktliga skändningen av en historisk artefakt ansågs av vissa vara oetisk, vilket konstnären svarade med att citera Mao Zedong: ”Det enda sättet att bygga en ny värld är att förstöra den gamla”. Det är en idé som Ai återkommer till och målar ett liknande kärl med Coca Colas logotyp eller i ljusa godisfärger när folk diskuterar om han använder äkta antikviteter eller förfalskningar. Hur som helst har hans provokativa verk inspirerat till andra förstörelsehandlingar – som när en besökare till en utställning i Miami med Ai:s verk slog sönder ett målat kärl i en olaglig protesthandling som speglade Ai:s egen.

10. Chris Ofili, ”The Holy Virgin Mary”, 1996

Det är knappast chockerande att en utställning med namnet ”Sensation” väckte uppståndelse, men det var precis vad som hände när den öppnade i London 1997 med ett antal kontroversiella verk av de så kallade Young British Artists: Marcus Harveys målning av mördaren Myra Hindley, Damien Hirsts skulptur av en haj i formaldehyd, en installation av Tracey Emin med titeln ”Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995)” och Marc Quinns självporträttskulptur gjord av blod. När utställningen två år senare visades på Brooklyn Museum var det ”The Holy Virgin Mary”, en madonna av Chris Ofili, som väckte mest förakt. Det glittrande collaget innehöll pornografiska tidningsurklipp och klyftor av hartsbelagd elefantdynga, som medierna felaktigt rapporterade var ”stänkta” över hela verket. New Yorks borgmästare Rudy Giuliani hotade med att dra in stadens bidrag på 7 miljoner dollar till utställningen och kallade utställningen för ”sjuka grejer”, medan religiösa ledare och kändisar anslöt sig till protesterna på olika sidor. Två decennier senare har Ofilis kontroversiella målning fått en plats i konsthistoriens båge – och i den permanenta samlingen på Museum of Modern Art.