7 muzicieni japonezi care au influențat lumea

Muzica japoneză, fie că restul lumii știe sau nu, a avut de mult timp o influență extraordinară asupra tendințelor muzicale mondiale. De la scena underground de invidiat a Japoniei postbelice până la ascensiunea de neoprit a J-pop-ului din acest secol, artiștii japonezi au fost vârful de lance al unor mișcări care au declanșat unde de șoc revoluționare în întreaga lume și, în 2019, influența lor nu a fost niciodată atât de amplă sau atât de evidentă.

Descoperirea operei muzicienilor japonezi a parcurs un drum lung de pe vremea casei de discuri New Japan a lui John Zorn și a acelor infame bloguri labirintice de J-pop din primele zile ale internetului. De fapt, în ultimii 20 de ani s-a înregistrat o creștere fără precedent a consumului de muzică japoneză, revoluționată de serviciile de streaming și de platformele online colaborative precum Reddit și RateYourMusic (RYM).

Să fii influent înseamnă să fii mai mult decât doar popular. Și totuși, există un număr nenumărat de muzicieni japonezi, populari sau nu, care au modificat ireversibil traiectoria unui număr incalculabil de genuri la nivel mondial. Există, în mod destul de evident, un catalog descurajant de artiști care îndeplinesc acest criteriu, o listă care ar putea, fără îndoială, să umple mai multe volume (gândiți-vă pe scurt la divergențele vaste de stil dintre Yoko Ono și Merzbow, Hikaru Utada și Toru Takemitsu, Boris și Cornelius). Această listă, fără nicio ordine de preferințe, va condensa acest număr la șapte favoriți pe care îi consider cei mai relevanți în contemporaneitate și care reprezintă amploarea influenței muzicienilor japonezi asupra unor stiluri și genuri diferite.

Boredoms

Descrise de Bonnie C. Wade ca fiind „cacofonie maniacală extremă”, albumele și spectacolele live ale trupei Boredoms pot fi descrise doar ca fiind „întâmplări spirituale” sau „evenimente culturale”. Originari din Osaka, în ultimii 30 de ani au produs albume de noise agresiv, fast punk, noise rock, krautrock, rock psihedelic, post rock, turntablism și minimalism (pentru a numi doar câteva).

Show-urile live actuale ale Boredoms sunt cunoscute pentru că se învârt în jurul artei abstracte extreme a performance-ului, a numărului ridicol de toboșari (în două ocazii, 77 și 88) și a spiritualității fermecătoare. Este greu de crezut că este aceeași trupă care a fost în turneu cu Sonic Youth și Nirvana la sfârșitul anilor ’90 și chiar a cântat pe scena principală a Lollapalooza în 1994.

Cu o privire retrospectivă asupra acelor spectacole, este încă derutant faptul că s-au bucurat de o asemenea popularitate. Nu este vorba atât de mult de faptul că nu erau bune – într-adevăr, Boredoms au fost întotdeauna destul de constant incredibile – ci de faptul că nu erau deloc demne de un radio pop. Cu toate acestea, flirtul constant al liderului Yamataka Eye cu nebunia și abordarea naivă și improvizată a toboșarului Yoshimi P-We, în mare parte recurentă, au deschis ochii multor persoane din afara Japoniei, în special din SUA, către Japanoise.

Boredoms s-a infiltrat în underground-ul american, nu numai că s-a implicat cu giganții Sonic Youth, Nirvana și Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots a fost numit după Yoshimi P-We și a inclus contribuțiile ei), dar și-a câștigat o reputație de artiști venerabili, mitici. Albume precum Super æ (1998) și Vision Creation Newsun (1999) nu au făcut decât să alimenteze mitul, iar influența lor poate fi auzită în activitatea unei serii de trupe diferite, de la formații de noise și rock experimental precum Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles și Black Midi până la formația de pop psihedelic Animal Collective.

Deși a trecut aproape un deceniu de la cea mai îndepărtată influență a Boredoms, ei au beneficiat de noul fandom global al erei mediilor digitale; sunt printre cei mai imitați și cunoscuți muzicieni japonezi.

Fishmans

Simplu, nu a mai existat niciodată o altă trupă ca Fishmans. Formată în 1987 ca o trupă de dub pur și simplu, înainte de a se transforma în cele din urmă în titani ai dream pop-ului experimental și ai neo-psihedeliei, Fishmans a fost condusă de Shinji Sato (voce), Kin-Ichi Motegi (tobe) și Yuzuru Kashiwabara (bas).

Puține discografii povestesc atât de satisfăcător povestea unei trupe ca cea a Fishmans, fapt adevărat mai ales datorită înălțimilor amețitoare atinse de ultimele lor patru înregistrări. Kūchū Camp, Long Season (ambele descrise de The Japan Times ca fiind „repere incontestabile în canonul rock-ului japonez”), Uchū Nippon Setagaya și 98.12.28 Otokotachi no Wakare sunt revoluționare în sensul că nimeni, înainte sau după, nu a mai sunat ca ele.

Nu este exagerat să spunem că Fishmans sunt mai populari acum decât au fost vreodată pe toată durata lor de viață din anii ’90. Cu toate acestea, excepțional de populari așa cum sunt atât pe /mu/ cât și pe RYM de pe Reddit, aproape că s-ar putea crede că Fishmans sunt de mult timp un nume cunoscut. Mii de fani se îndrăgostesc de vocea fermecător de tocilară a lui Sato și de liniile de bas contagioase ale lui Kashiwabara, iar mulți se conectează cu fundalul tragic al piesei Otokotachi no Wakare. Pentru mulți, tragedia morții lui Sato modifică retrospectiv modul în care ascultă discul, iar puține discuții referitoare la cele mai mari discuri din istoria muzicii moderne îi exclud pe Fishmans. Toate acestea în ciuda faptului că catalogul Fishmans este disponibil pentru streaming doar de anul trecut, iar Otokotachi no Wakare – în general, cea mai aclamată lucrare a lor – nu a văzut niciodată o lansare în afara Japoniei.

Mai mult decât oricare alt artist de pe această listă, influența Fishmans nu constă atât de mult în ceea ce au inspirat muzical (sau nu încă, oricum), ci în măsura în care au pătruns în conștiința și discursul unei întregi generații de fanatici ai muzicii globale. Trupe ca Fishmans apar doar o dată la o generație. Douăzeci de ani mai târziu, este clar că, în sfârșit, sunt aproape de a primi recunoașterea pe care o merită.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono a fost un pivot al muzicii pop japoneze încă de la începuturile sale în Apryl Fool și Happy End. Yellow Magic Orchestra (1978-84) a lui Hosono, alături de Ryuichi Sakamoto și Yukihiro Takahashi, este creditată ca fiind cea care a inventat techno-kayo și, alături de artiști precum Kraftwerk și Giorgio Moroder, este recunoscută în mod regulat ca fiind unul dintre nașii muzicii pop electronice.

Hosono singur, însă, a devenit renumit pentru amploarea experimentelor sale stilistice, pentru lista sa extinsă de credite de producție și pentru activitatea sa solo auto-orientalizantă și exotică. A lăsat o amprentă de neșters asupra unora dintre cele mai populare albume pop din istoria modernă a muzicii japoneze și, cu toate acestea, doar relativ recent influența sa s-a extins ferm dincolo de zilele petrecute cu YMO. Melodiile pop distincte, jucăușe și pline de culoare ale lui Hosono au pus bazele idolatrizării sale de către trupele slacker indie și weirdo pop, cel mai faimos – și cel mai semnificativ – fiind Mac DeMarco.

Similitudinile stilistice lăsând la o parte asemănările stilistice, DeMarco și-a recunoscut public idolul și chiar a lansat o versiune oficială de cover a piesei „Honey Moon” a lui Hosono. La începutul acestui an i s-a alăturat lui Hosono pe scenă pentru a o interpreta, recunoscând, de asemenea, că albumul 2 (2012) al lui DeMarco a fost stilizat după Hosono House (1973) al lui Hosono. Rolul lui Hosono în ascensiunea lui DeMarco ar fi ignorabil, numai că DeMarco este cu ușurință unul dintre cei mai imitați și definitorii artiști din indie rock-ul american din acest deceniu.

Inclusiv în afara activității sale cu YMO, munca solo a lui Hosono și amprenta pe discurile lui Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki și Pizzicato Five se infiltrează, în mare parte prin streaming, într-o nouă generație dornică să aprofundeze vastul său catalog de lansări.

Keiji Haino

Un maestru al interpretării și una dintre cele mai enigmatice și neliniștitor de inovatoare figuri ale avangardei, Keiji Haino declară că muzica sa este la fel de puternică precum drogurile psihedelice (pe care, de altfel, este ferm convins că nu le-a luat niciodată). Și cu o muzică de o asemenea putere, nu e de mirare că este un muzician de avangardă atât de legendar și influent.

Imposibil de încadrat într-un singur gen, Haino este cunoscut pentru munca sa cu improvizația liberă, minimalismul, zgomotul, drone-ul, poezia și multe altele, atât în activitatea sa solo, cât și în multitudinea de alte proiecte muzicale (în special grupul psihedelic Fushitsusha și grupul de zgomot Nijiumu). În ciuda faptului că i s-a interzis accesul la NHK între 1973 și 2013 și că, în general, a făcut înregistrări la limita a ceea ce se poate considera de obicei „muzică”, Haino și-a găsit un public în SUA prin intermediul casei de discuri Tzadik a lui John Zorn în anii ’90, ca un revoluționar mistic și sălbatic al sunetului. Croindu-și o figură venerată în rândul unor artiști precum Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O)))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, producător pentru Wilco și Stereolab) și Christian Marclay, influența lui Haino nu se manifestă doar în proiectele sale de colaborare cu acești artiști, ci și în ethosul lor mai larg.

Acești adepți au continuat să creeze unele dintre cele mai importante și mai respectate înregistrări heavy și experimentale din afara Japoniei (precum și unele lucrări care definesc generații din genuri mai soft); transformând genurile prin aceeași filozofie radicală și aceeași abordare de depășire a limitelor. Pur și simplu, fără Haino, discuri precum „Monoliths and Dimensions” al lui Sun O)))), „Insignificance” al lui Jim O’Rourke, „Murray Street” al lui Sonic Youth sau „Yankee Hotel Foxtrot” al lui Wilco poate că nu ar fi sunat niciodată așa cum o fac.

Nujabes (Jun Seba)

Idolatrizarea unui artist după dispariția acestuia nu este un fenomen rar, dar rareori aprecierea postumă pe scară largă a fost atât de bine meritată ca în cazul muzicii pionierului hip-hop instrumental Nujabes (născut Jun Seba). De la moartea tragică a lui Nujabes într-o coliziune în trafic în februarie 2010, moștenirea sa a crescut discret și exponențial, întruchipând un stil de hip hop cunoscut în întreaga lume. Beatmaking-ul lui Nujabes a preluat rap-ul de jazz al unor artiști americani precum Pete Rock și A Tribe Called Quest și a adăugat suflători de lemn, coarne și o îndatorire intensă față de jazzul spiritual.

Fuzând instrumentația live cu mostre de la o gamă largă de artiști – inclusiv Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis și Jean-Michel Jarre, printre mulți alții – beat-urile lui Nujabes fac o punte abilă între nenumărate genuri. Este la fel de cunoscut atât pentru cele două înregistrări de studio ale sale, Metaphorical Music și Modal Soul, cât și pentru munca sa care a asigurat coloana sonoră a seriei anime Samurai Champloo a lui Shinichirō Watanabe. Moștenirea lui Nujabes, determinată de cererea din ce în ce mai mare în hip-hop pentru instrumente mai suave și mai jazzistice (precum și de faptul că Samurai Champloo a câștigat o imensă audiență internațională), nu a făcut decât să crească de la moartea sa.

Mai mult decât „J Dilla al Japoniei” (deși, întâmplător, s-a născut în aceeași zi, 7 februarie 1984), a fost recunoscut de artiști atât de diferiți precum rapperul polonez Zeus și rapperii americani SahBabii și Joey Bada$$ ca fiind un precursor esențial și distinct al hip hop-ului contemporan. Odată cu apariția în continuare a postului Lo-fi Hip Hop Radio și a diverselor evenimente Nujabes Experience care au apărut pe tot globul, este clar că impactul brandului de hip hop instrumental al lui Nujabes nu face decât să crească.

Perfume

De când au debutat pe scena J-pop în 2008, a fost clar că Perfume nu este un grup idol obișnuit. Atât popularitatea lor imensă, cât și măsura remarcabilă în care această popularitate s-a tradus atât de bine peste hotare arată clar că sunt un fenomen cultural atipic și nu pur japonez. Dacă YMO a introdus primul val de tehnopop, Perfume a făcut apel la al doilea. Predilecția producătorului Nakata Yasutaka pentru house-ul francez și bossa nova a creat instrumente care nu seamănă cu nimic altceva la acea vreme, în timp ce vocile lui Kashiyuka, A-chan și Nocchi erau anormal de întunecate. Monotone și autotuned cu o margine științifico-fantastică, electronică; toate trei erau un contrast puternic cu cele ca Ayumi Hamasaki și Hikaru Utada.

Playând la festivalul texan SXSW în 2015 și generând baze de fani în limba engleză pe site-uri precum Perfume City, LiveJournal, AllMusic și YouTube, s-ar putea vedea Perfume ca fiind echivalentul japonez al Cool Britannia. Piesele atât din Game (2008), cât și din Triangle (2009) au devenit banale în seturile DJ-urilor indie de pretutindeni și au fost în cele din urmă susținute de turnee mondiale. În mod firesc, influența Perfume se află în mare parte în muzica pop și EDM. Madeon și Zedd, doi dintre cei mai faimoși DJ din EDM, au recunoscut amândoi influența Perfume și a lui Yasutaka asupra muncii lor. Deși Yasutaka a continuat să producă pentru Kyary Pamyu Pamyu din Harajuku, un alt export J-pop unic și popular, Perfume au fost primii revizioniști technopop.

Shiina Ringo

Regina avangardistă a pop-ului, Shiina Ringo, este unul dintre puținii artiști cu adevărat influenți, a cărui operă reușește să se plieze atât pe o popularitate stratosferică, cât și pe o creativitate nebănuită. Una dintre cele mai populare artiste din Japonia, ea este, de asemenea, venerată de fanii art-pop de-a lungul site-urilor precum RateYourMusic. La începutul anilor 2000, ascensiunea ei a fost de neoprit; susținută de trupa ei Tokyo Jihen, Ringo a combinat versuri mai întunecate, introspective, adesea suprarealiste, cu un experimentalism instrumental sălbatic, care a îmbinat J-pop cu elemente de jazz, rock, noise pop, pop baroc, enka și electronica.

Kalk Samen Kuri no Hana, albumul pe care mulți îl consideră cea mai mare declarație artistică a artistei, a fost comparat de ediția asiatică a Time cu Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Această comparație este pe deplin justificată: este o piesă muzicală extravagantă și haotică, ferm înscrisă în pop, dar care, în același timp, trage fără grijă genul în față. Frecventele comparații cu Bjork sunt o mărturie a stilului său inovator și constant, cu totul deosebit, precum și a energiei sale înalte, adesea provocatoare; deși Bjork nu prea seamănă deloc cu stilul autointitulat „Shinjuku-kei” al lui Ringo (un joc de cuvinte cu iconicul stil indie pop Shibuya-kei).

În ciuda numărului din ce în ce mai mare de ascultători de peste hotare care descoperă în mod constant opera lui Ringo, puțini se opun statutului său critic. Printre fanii ei se numără Lenny Kravitz, Courtney Love și chiar Nocchi de la Perfume, în timp ce vedete pop în plină ascensiune din Londra, precum Rina Sawayama, o enumeră ca fiind o influență esențială. Muzicianul american de origine japoneză Mitski a enumerat-o, în special, ca fiind una dintre cele mai importante influențe pe cel mai recent album al său, Be the Cowboy din 2018, aplaudat de critică. Munca lui Ringo a deschis, fără îndoială, calea către o audiență internațională mai largă pentru alte trupe japoneze conduse de femei, de mare intensitate, precum Midori, Tricot și Otoboke Beaver, iar aprecierea influenței sale asupra art pop este de netăgăduit și în creștere.

.