10 opere de artă care i-au înnebunit pe oameni

Artiștii de-a lungul istoriei nu s-au ferit niciodată de controverse – de fapt, mulți chiar încearcă să curteze infamia. (Aveți nevoie de o dovadă? Uitați-vă doar la Banksy, artistul stradal anonim care a creat recent o lucrare care s-a autodistrus în momentul în care a fost vândută la licitație – pentru suma uriașă de 1,37 milioane de dolari). Deși depinde de critici și istorici să dezbată tehnica și meritele artistice, există unele opere de artă care au șocat majoritatea oamenilor care le-au văzut. De la picturi considerate prea lascive, prea grosolane sau prea sângeroase pentru epoca lor până la acte de așa-zisă profanare și declarații politice puternice, acestea sunt unele dintre cele mai controversate opere de artă create vreodată.

1. Michelangelo, „Judecata de Apoi”, 1536-1541

La aproximativ 25 de ani după ce a finalizat tavanul Capelei Sixtine, polimatul renascentist Michelangelo s-a întors la Vatican pentru a lucra la o frescă care va fi dezbătută timp de secole. Reprezentarea sa a celei de-a doua veniri a lui Hristos în „Judecata de Apoi”, la care a lucrat între 1536 și 1541, a fost întâmpinată imediat cu controverse din partea bisericii catolice din Contrareforma. Oficialii religioși s-au pronunțat împotriva frescei, din mai multe motive, inclusiv stilul cu care Michelangelo l-a pictat pe Iisus (fără barbă și în stilul clasic al mitologiei păgâne). Dar cel mai șocant dintre toate au fost cele 300 de figuri ale picturii, majoritatea bărbați și majoritatea nuduri. Într-o mișcare numită „campanie a frunzelor de smochin”, bucăți de țesătură și de floră au fost pictate ulterior peste anatomia ofensatoare, unele dintre acestea fiind ulterior îndepărtate ca parte a unei restaurări din secolul al XX-lea.

2. Caravaggio, „Sfântul Matei și îngerul”, 1602

Viața pictorului baroc Caravaggio poate fi mai controversată decât oricare dintre lucrările sale, dat fiind faptul că a murit în exil după ce a fost acuzat de crimă. Dar abordarea sa umanistă neconvențională față de comisiile sale religioase a ridicat cu siguranță sprâncene în vremea sa. În tabloul astăzi pierdut „Sfântul Matei și îngerul”, creat pentru Capela Contarelli din Roma, Caravaggio a răsturnat convenția, folosind un țăran sărac ca model pentru sfânt. Dar ceea ce i-a supărat cel mai mult pe critici au fost picioarele murdare ale Sfântului Matei, care păreau în mod iluzoriu să iasă din pânză (un truc vizual recurent al artistului), precum și modul în care imaginea dădea de înțeles că este analfabet, ca și cum un înger i-ar fi citit o carte. Lucrarea a fost în cele din urmă respinsă și înlocuită cu „The Inspiration of St. Matthew”, o reprezentare similară, dar mai standard, a scenei.

3. Thomas Eakins, „The Gross Clinic”, 1875

Această icoană a artei americane a fost creată în anticiparea centenarului națiunii, când pictorul Thomas Eakins era nerăbdător să își arate atât talentul, cât și progresele științifice ale Jefferson Medical College din Philadelphia. Pictura realistă plasează privitorul în centrul unui amfiteatru chirurgical, unde medicul Dr. Samuel Gross ține prelegeri studenților care operează un pacient. Dar reprezentarea sa plină de naturalețe a unei intervenții chirurgicale a fost considerată prea grafică, iar tabloul a fost respins de Expoziția Centenară din Philadelphia (unii dau vina pe mâinile însângerate ale medicului, alții susțin că figura feminină care își protejează ochii a fost cea care l-a făcut să fie respins). Cu toate acestea, un secol mai târziu, pictura a fost în cele din urmă recunoscută ca fiind una dintre marile capodopere ale timpului său, atât pentru meritele sale artistice, cât și pentru cele științifice.

4. Marcel Duchamp „Fântână”, 1917

Când iconoclastul Marcel Duchamp a trimis anonim un urinar de porțelan semnat „R. Mutt 1917” ca sculptură „readymade” la Societatea Artiștilor Independenți, un grup cunoscut pentru faptul că accepta orice artist care reușea să facă rost de taxă’, s-a întâmplat inimaginabilul: piesa a fost refuzată, chiar dacă Duchamp însuși era cofondator și membru al consiliului de administrație al grupului. Unii s-au întrebat chiar dacă nu cumva piesa a fost o farsă, dar revista Dada The Blind Man a apărat urinarul ca fiind artă, deoarece artistul l-a ales. Piesa a marcat o trecere de la ceea ce Duchamp numea artă „retiniană”, sau pur vizuală, la un mod de exprimare mai conceptual – declanșând un dialog care continuă până în prezent cu privire la ceea ce constituie de fapt o operă de artă. Deși tot ce a mai rămas din original este o fotografie realizată de Alfred Stieglitz (care a aruncat piesa) pentru revistă, multiple reproduceri autorizate din anii 1960 se află în colecții importante din întreaga lume.

5. Robert Rauschenberg, „Erased De Kooning”, 1953

Într-un fel, lucrarea „Erased De Kooning” a lui Robert Rauschenberg a prezis pictura autodistructivă a lui Banksy. Dar, în cazul desenului din 1953, artistul a decis că opera de artă originală trebuie să fie importantă de una singură. „Când mi-am șters doar propriile desene, nu era încă artă”, a declarat Rauschenberg pentru SFMoMA în 1999. Așa că a apelat la cel mai venerat artist modern al vremii, mercurialul expresionist abstract Willem de Kooning, care, după ce l-a convins, i-a dat tânărului artist un desen cu un amestec de creion de artă grasă și cărbune care i-a luat lui Rauschenberg două luni pentru a-l șterge. A fost nevoie de aproximativ un deceniu pentru ca vestea despre lucrare să se răspândească, când aceasta a fost întâmpinată cu un amestec de uimire (Să fi fost un tânăr geniu care îl uzurpa pe maestru?) și dezgust (Este vandalism?). O persoană care nu a fost deosebit de impresionată a fost chiar de Kooning însuși, care mai târziu a declarat unui reporter că inițial a găsit ideea „banală” și despre care unii spun că s-a resimțit că o interacțiune atât de intimă între artiști a fost împărtășită publicului.

6. Yoko Ono, „Cut Piece”, 1964 / Marina Abramovic, „Rhythm 0”, 1974

Pe măsură ce arta performance-ului a apărut ca practică artistică în anii postbelici, forma de artă a împins adesea spre provocare și chiar pericol. În „Cut Piece” al lui Yoko Ono, un performance din 1964, artista a invitat publicul să ia o foarfecă și să taie o bucată din hainele sale în timp ce ea stătea nemișcată și tăcută. „Oamenii au fost atât de șocați încât nu au vorbit despre asta”, și-a amintit ea mai târziu.

Dece ani mai târziu, Marina Abramovic a revizitat, fără să știe, conceptul cu „Rhythm 0”, în care artista a pus la dispoziția publicului 72 de obiecte pentru ca acesta să facă ceea ce „dorea”. Alături de foarfece, Abramovic a oferit o serie de instrumente: un trandafir, o pană, un bici, un bisturiu, un pistol, un glonț, o felie de tort de ciocolată. Pe parcursul celor șase ore de spectacol, spectatorii au devenit din ce în ce mai violenți, unul dintre ei scoțându-și sânge din gât („Încă mai am cicatricile”, a spus ea), iar altul ținându-i pistolul la cap, declanșând o bătaie chiar și în cadrul galeriei („Eram gata să mor”). Publicul a izbucnit într-o bătaie despre cât de departe să ducă lucrurile, iar în momentul în care spectacolul s-a încheiat, și-a amintit Abramovic, toată lumea a fugit pentru a evita să se confrunte cu ceea ce se întâmplase. De atunci, Abramovic a fost numită nașa artei performative, lucrările sale adesea extreme din punct de vedere fizic continuând să polarizeze spectatorii și criticii deopotrivă.

7. Judy Chicago, „The Dinner Party”, 1974-79

Cu lucrarea sa „Dinner Party”, Judy Chicago și-a propus să pledeze pentru recunoașterea femeilor de-a lungul istoriei – și a sfârșit prin a intra ea însăși în istoria artei. O instalație complexă, cu sute de componente, piesa este un banchet imaginat care prezintă 39 de femei din întreaga mitologie și istorie – printre care Sojourner Truth, Sacajawea și Margaret Sanger -, fiecare fiind reprezentată la masă cu un tacâm, aproape toate reprezentând vulve stilizate. Cu amestecul său de imagini anatomice și tehnici meșteșugărești, lucrarea a fost calificată de critici ca fiind vulgară și kitsch și a fost rapid satirizată de o contra-expoziție care a onorat femei de „distincție dubioasă”. Dar, în ciuda detractorilor, piesa este considerată în prezent un punct de reper în arta feministă, fiind expusă permanent la Muzeul Brooklyn.

8. Maya Lin, „Memorialul veteranilor din Vietnam”, finalizat în 1982

Maya Lin avea doar 21 de ani când a câștigat comanda care avea să-i lanseze cariera – și o dezbatere națională. Proiectul ei pentru Memorialul Veteranilor din Vietnam a fost ales de un juriu orb, care habar nu avea că designerul câștigător era un student la arhitectură. Deși proiectul propus îndeplinea toate cerințele, inclusiv încorporarea a 58.000 de nume de soldați care nu s-au mai întors niciodată din război, forma sa minimalistă și discretă – două plăci de granit negru care se ridică din pământ în formă de „V”, ca o „rană care se închide și se vindecă”, a spus Lin – a făcut imediat obiectul unei dezbateri politice din partea celor care au considerat că nu îi eroizează corespunzător pe soldații pe care îi onorează. Un veteran a numit proiectul o „tăietură neagră a rușinii”, iar 27 de congresmeni republicani i-au scris președintelui Ronald Reagan cerând ca proiectul să nu fie construit. Dar Lin și-a susținut viziunea, depunând mărturie în fața Congresului cu privire la intenția din spatele lucrării. În cele din urmă, s-a ajuns la un compromis, atunci când o lucrare clasată pe locul al doilea în competiție, cu trei soldați, a fost adăugată în apropiere pentru a completa omagiul (un steag și Memorialul Femeilor au fost, de asemenea, adăugate ulterior). Pe măsură ce distanța față de război a crescut, criticile la adresa memorialului au dispărut.

9. Ai Weiwei, „Dropping a Han Dynasty Urn”, 1995

Artistul și activistul chinez Ai Weiwei este una dintre cele mai provocatoare figuri ale artei, iar practica sa pune adesea sub semnul întrebării ideile de valoare și consum. În 1995, artistul i-a făcut un semn din cap lui Duchamp cu „Dropping a Han Dynasty Urn”, o piesă pe care a numit-o un „readymade cultural”. După cum sugerează și titlul, lucrarea a constat în aruncarea, și deci distrugerea, unei urne ceremoniale vechi de 2.000 de ani. Nu numai că recipientul avea o valoare monetară considerabilă (Ai ar fi plătit câteva sute de mii de dolari pentru el), dar era, de asemenea, un simbol puternic al istoriei chineze. Profanarea intenționată a unui artefact istoric a fost criticată de unii ca fiind lipsită de etică, la care artistul a răspuns citându-l pe Mao Zedong: „singura modalitate de a construi o lume nouă este să o distrugi pe cea veche”. Este o idee la care Ai revine, pictând un vas similar cu logo-ul Coca Cola sau cu culori strălucitoare de bomboane, în timp ce oamenii dezbat dacă folosește antichități autentice sau falsuri. În orice caz, ansamblul său provocator de lucrări a inspirat și alte acte de distrugere – cum ar fi atunci când un vizitator al unei expoziții din Miami a lucrărilor lui Ai a distrus un vas pictat într-un act ilegal de protest care a fost o oglindă a celui al lui Ai.

10. Chris Ofili, „The Holy Virgin Mary” (Sfânta Fecioară Maria), 1996

Nu este deloc șocant că o expoziție numită „Sensation” a provocat agitație, dar exact asta s-a întâmplat atunci când a fost deschisă la Londra în 1997 cu o serie de lucrări controversate ale așa-numiților Young British Artists: Marcus Harvey a pictat-o pe ucigașa Myra Hindley, Damien Hirst a pictat un rechin în formaldehidă, Tracey Emin a realizat o instalație intitulată „Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995)” (Toți cei cu care m-am culcat (1963-1995)” și Marc Quinn a realizat un autoportret din sânge. Când expoziția a ajuns la Brooklyn Museum, doi ani mai târziu, „Sfânta Fecioară Maria”, o Madonă realizată de Chris Ofili, a fost cea care a stârnit cele mai multe disprețuri. Colajul strălucitor conținea decupaje din reviste pornografice și bucăți de balegă de elefant acoperită cu rășină, despre care presa a relatat în mod eronat că a fost „împroșcată” pe piesă. Primarul New York-ului, Rudy Giuliani, a amenințat că va retrage subvenția de 7 milioane de dolari acordată de municipalitate pentru această expoziție, numind expoziția „chestii bolnave”, în timp ce lideri religioși și celebrități s-au alăturat protestelor de părți opuse. Două decenii mai târziu, controversata pictură a lui Ofili și-a câștigat un loc în arcul istoriei artei – și în colecția permanentă a Muzeului de Artă Modernă.