7 Japońscy muzycy, którzy wpłynęli na świat

Japońska muzyka, czy reszta świata o tym wie, czy nie, od dawna ma ogromny wpływ na światowe trendy muzyczne. Od godnej pozazdroszczenia powojennej japońskiej sceny undergroundowej do obecnego stulecia niepowstrzymanego wzrostu J-popu, japońscy artyści stali na czele ruchów, które uwolniły rewolucyjne fale uderzeniowe na całym świecie, a w 2019 roku ich wpływ nigdy nie był tak szeroki lub tak oczywisty.

Odkrywanie prac japońskich muzyków przeszło długą drogę od czasów wytwórni New Japan Johna Zorna i tych niesławnych labiryntowych blogów J-popowych z wczesnych dni Internetu. W rzeczywistości, w ciągu ostatnich 20 lat nastąpił bezprecedensowy wzrost konsumpcji japońskiej muzyki, zrewolucjonizowany przez serwisy streamingowe i platformy współpracy online, takie jak Reddit i RateYourMusic (RYM).

Być wpływowym to być kimś więcej niż tylko popularnym. A jednak, istnieje niezliczona liczba japońskich muzyków, popularnych i nie, którzy nieodwracalnie zmienili trajektorię niezliczonej liczby gatunków na całym świecie. Istnieje dość oczywisty katalog artystów, którzy spełniają te kryteria, lista, która bez wątpienia mogłaby wypełnić kilka tomów (rozważmy pokrótce ogromne rozbieżności stylistyczne między Yoko Ono i Merzbow, Hikaru Utadą i Toru Takemitsu, Borisem i Corneliusem). Ta lista, bez względu na preferencje, zawęża tę liczbę do siedmiu faworytów, którzy moim zdaniem są najbardziej współcześni i reprezentują szeroki zakres wpływu japońskich muzyków na różne style i gatunki.

Boredoms

Opisane przez Bonnie C. Wade jako „maniakalnie ekstremalna kakofonia”, albumy i występy Boredoms można opisać jedynie jako „duchowe wydarzenia” lub „wydarzenia kulturalne”. Pochodzący z Osaki, w ciągu ostatnich 30 lat wyprodukowali albumy z agresywnym hałasem, szybkim punkiem, noise rockiem, krautrockiem, rockiem psychodelicznym, post rockiem, turntablismem i minimalizmem (by wymienić tylko kilka).

Dzisiejsze występy Boredoms na żywo znane są z tego, że obracają się wokół ekstremalnej abstrakcyjnej sztuki performance, absurdalnej liczby perkusistów (w dwóch przypadkach, 77 i 88) i zachwycającej duchowości. Trudno uwierzyć, że to ten sam zespół, który koncertował z Sonic Youth i Nirvaną w późnych latach 90-tych, a nawet zagrał na głównej scenie Lollapalooza w 1994 roku.

Patrząc wstecz na te występy, wciąż zadziwiające jest to, że cieszyli się taką popularnością. Nie chodzi o to, że nie byli dobrzy – w rzeczy samej, Boredoms zawsze byli raczej konsekwentnie niesamowici – ale o to, że byli ledwie godni popowego radia. Jednak ciągły flirt frontmana Yamataka Eye z szaleństwem i w większości powtarzające się podejście perkusisty Yoshimi P-We do naiwnego, improwizowanego bębnienia otworzyły oczy wielu osobom spoza Japonii, zwłaszcza w USA, na Japanoise.

Boredoms przeniknęli do amerykańskiego undergroundu, nie tylko wiążąc się z gigantami Sonic Youth, Nirvaną i Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots został nazwany na cześć Yoshimi P-We i zawierał jej wkład), ale zdobywając reputację czczonych, mitycznych wykonawców. Albumy takie jak Super æ (1998) i Vision Creation Newsun (1999) tylko zbudował do mitu, a ich wpływ można usłyszeć w pracy wielu różnych zespołów z noise i eksperymentalnych aktów rockowych, takich jak Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles i Black Midi do psychodelicznego popu Animal Collective.

Chociaż minęła prawie dekada od najdalszych wpływów Boredoms, skorzystali oni z nowego globalnego fandomu ery mediów cyfrowych; są jednymi z najbardziej naśladowanych i znanych japońskich muzyków.

Fishmans

Po prostu, nigdy nie było drugiego takiego zespołu jak Fishmans. Założony w 1987 roku jako prosty zespół dubowy, zanim ostatecznie przekształcił się w tytanów eksperymentalnego dream popu i neo-psychodelii, Fishmans był prowadzony przez Shinji Sato (wokal), Kin-Ichi Motegi (perkusja) i Yuzuru Kashiwabara (bas).

Niewiele dyskografii tak satysfakcjonująco opowiada historię zespołu jak Fishmans, fakt ten jest głównie prawdziwy ze względu na zawrotne wyżyny osiągnięte przez ich ostatnie cztery płyty. Kūchū Camp, Long Season (obie opisane przez The Japan Times jako „niekwestionowane punkty orientacyjne w kanonie japońskiego rocka”), Uchū Nippon Setagaya i 98.12.28 Otokotachi no Wakare są przełomowe w tym sensie, że nikt, ani przedtem, ani potem, nie brzmiał tak jak one.

Nie jest przesadą stwierdzenie, że Fishmans są teraz bardziej popularni niż kiedykolwiek byli przez cały okres swojej działalności w latach 90-tych. Mimo to, wyjątkowo popularne na Reddit’s /mu/ i RYM, można by pomyśleć, że Fishmany już od dawna są nazwą domową. Tysiące fanów podkochuje się w uroczo głupkowatym wokalu Sato i zaraźliwych liniach basu Kashiwabary, a wielu łączy się z tragicznym tłem Otokotachi no Wakare. Dla wielu tragedia śmierci Sato retrospektywnie zmienia sposób, w jaki słucha się tej płyty i niewiele dyskusji na temat największych płyt w historii muzyki współczesnej pomija Fishmansa. To wszystko pomimo tego, że katalog Fishmans jest dostępny do streamingu dopiero od zeszłego roku, a Otokotachi no Wakare – ogólnie rzecz biorąc ich najbardziej uznane dzieło – nigdy nie doczekało się wydania poza Japonią.

Więcej niż jakikolwiek inny artysta na tej liście, wpływ Fishmans leży nie tyle w tym, co zainspirowali muzycznie (lub jeszcze nie, w każdym razie), ale w stopniu, w jakim przeniknęli do świadomości i dyskursu całego pokolenia globalnych fanatyków muzyki. Zespoły takie jak Fishmans pojawiają się tylko raz na pokolenie. Dwadzieścia lat później jest jasne, że w końcu są bliscy uznania, na jakie zasługują.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono był filarem japońskiej muzyki pop od swoich wczesnych dni w Apryl Fool i Happy End. Hosono’s Yellow Magic Orchestra (1978-84), z Ryuichi Sakamoto i Yukihiro Takahashi, jest uważana za wynalazcę techno-kayo i, wśród takich jak Kraftwerk i Giorgio Moroder, jest regularnie uznawana za jednego z ojców chrzestnych elektronicznej muzyki pop.

Hosono sam, jednak, stał się sławny ze względu na rozległość jego stylistycznych eksperymentów, jego obszerną listę kredytów produkcyjnych i jego samo-orientalizującej, egzotycznej twórczości solowej. Odcisnął niezatarte piętno na niektórych z najpopularniejszych albumów pop w historii współczesnej muzyki japońskiej, a jednak dopiero od niedawna jego wpływ mocno wykracza poza czasy współpracy z YMO. Wyraźnie zabawne, kolorowe popowe melodie Hosono położyły podwaliny pod jego idolizację przez slacker indie i dziwaków popowych, z których najsłynniejszym – i najbardziej znaczącym – jest Mac DeMarco.

Pomijając podobieństwa stylistyczne, DeMarco publicznie uznał swojego idola, a nawet wydał oficjalną wersję coveru „Honey Moon” Hosono. Na początku tego roku dołączył do Hosono na scenie, aby ją wykonać, przyznając również, że DeMarco’s 2 (2012) był stylizowany na Hosono’s Hosono House (1973). Rola Hosono we wzniesieniu się DeMarco byłaby nie do przecenienia, gdyż DeMarco jest z łatwością jednym z najbardziej naśladowanych i definiujących artystów amerykańskiego indie rocka tej dekady.

Nawet poza pracą z YMO, solowa praca Hosono i jego wpływ na płyty Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki i Pizzicato Five, w dużej mierze dzięki streamingowi, przenikają do nowego pokolenia chętnego do zagłębienia się w jego rozległy katalog wydawnictw.

Keiji Haino

Mistrz performance’u i jedna z najbardziej enigmatycznych i niespokojnie innowacyjnych postaci awangardy, Keiji Haino deklaruje, że jego muzyka jest tak potężna jak narkotyki psychodeliczne (których, nawiasem mówiąc, nigdy nie brał). Z muzyką o takiej mocy, nic dziwnego, że jest tak legendarnym i wpływowym muzykiem awangardowym.

Nie da się go przypisać do jednego gatunku, Haino jest znany ze swojej pracy z wolną improwizacją, minimalizmem, hałasem, dronem, poezją i wieloma innymi gatunkami, zarówno w swojej solowej twórczości, jak i w wielu innych projektach muzycznych (zwłaszcza psychodelicznym Fushitsusha i noise’owym Nijiumu). Pomimo zakazu wstępu do NHK w latach 1973-2013 i generalnie tworzenia płyt na granicy tego, co zwykle można uznać za „muzykę”, Haino znalazł publiczność w USA dzięki wytwórni Tzadik Johna Zorna w latach 90. jako mistyczny i dziki dźwiękowy rewolucjonista. Stając się postacią szanowaną wśród takich artystów jak Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O)))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, producent Wilco i Stereolab) i Christian Marclay, wpływ Haino przejawia się nie tylko w jego wspólnych projektach z tymi artystami, ale także w ich szerszym etosie.

Ci naśladowcy poszli dalej, aby stworzyć niektóre z najważniejszych i najbardziej szanowanych ciężkich i eksperymentalnych nagrań poza Japonią (jak również kilka definiujących pokolenie delikatniejszych dzieł); przekształcając gatunki poprzez tę samą radykalną filozofię i przekraczanie granic. Mówiąc wprost, bez Haino, płyty takie jak „Monoliths and Dimensions” Sun O))), „Insignificance” Jima O’Rourke’a, „Murray Street” Sonic Youth czy „Yankee Hotel Foxtrot” Wilco mogłyby nigdy nie brzmieć tak, jak brzmią.

Nujabes (Jun Seba)

Uwielbienie artysty po jego odejściu nie jest rzadkim zjawiskiem, ale rzadko kiedy powszechne pośmiertne uznanie było tak zasłużone, jak w przypadku muzyki pioniera instrumentalnego hip hopu, Nujabesa (urodzonego jako Jun Seba). Od czasu tragicznej śmierci Nujabesa w kolizji drogowej w lutym 2010 roku, jego spuścizna po cichu, w ekspresowym tempie urosła do rangi ucieleśnienia stylu hip hopu znanego na całym świecie. Beatmaking Nujabesa wziął jazzowy rap amerykańskich artystów takich jak Pete Rock i A Tribe Called Quest i dodał dęte drewniane, rogi i intensywne zadłużenie do duchowego jazzu.

Łącząc żywe instrumentarium z samplami od szerokiej gamy artystów – w tym Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis i Jean-Michel Jarre wśród wielu innych – bity Nujabesa zręcznie łączą niezliczone gatunki. Jest równie dobrze znany ze swoich dwóch płyt studyjnych, Metaphorical Music i Modal Soul, jak i z pracy nad ścieżką dźwiękową do serii anime Samurai Champloo Shinichirō Watanabe. Spuścizna Nujabesa, napędzana przez rosnące zapotrzebowanie hip hopu na gładsze i bardziej jazzowe instrumentale (a także przez Samurai Champloo, które zyskało ogromną międzynarodową publiczność), po jego śmierci tylko się powiększyła.

Więcej niż tylko „J Dilla z Japonii” (chociaż, przypadkowo, urodził się tego samego dnia, 7 lutego 1984 roku), został uznany przez artystów tak różnych jak polski raper Zeus i amerykańscy raperzy SahBabii i Joey Bada$$ za istotnego i wyraźnego ojca współczesnego hip hopu. Wraz z dalszą eminencją Lo-fi Hip Hop Radio i różnymi wydarzeniami Nujabes Experience, które pojawiają się na całym świecie, jasne jest, że wpływ marki instrumentalnego hip hopu Nujabes tylko rośnie.

Perfume

Odkąd po raz pierwszy pojawili się na scenie J-pop w 2008 roku, stało się jasne, że Perfume nie jest twoją przeciętną grupą idoli. Zarówno ich ogromna popularność, jak i niezwykły stopień, w jakim ta popularność przełożyła się tak dobrze na zagranicę, jasno pokazują, że są nietypowym, a nie czysto japońskim fenomenem kulturowym. Jeśli YMO wprowadziło pierwszą falę technopopu, to Perfume wywołało drugą. Zamiłowanie producenta Nakaty Yasutaki do francuskiego house’u i bossa novy sprawiło, że instrumentale nie przypominały niczego innego w tamtym okresie, a wokale Kashiyuki, A-chan i Nocchi były nienaturalnie mroczne. Monotonny i autotuned z sci-fi, elektroniczna krawędź; wszystkie trzy były wyraźny kontrast do takich jak Ayumi Hamasaki i Hikaru Utada.

Grając Texas festiwal SXSW w 2015 roku i rodząc anglojęzyczne fanbase na stronach takich jak Perfume City, LiveJournal, AllMusic i YouTube, można zobaczyć Perfume jako japoński odpowiednik Cool Britannia. Utwory z „Game” (2008) i „Triangle” (2009) stały się powszechne w setach DJ-ów indie wszędzie i ostatecznie zostały poparte światowymi trasami koncertowymi. Naturalnie, wpływ Perfume leży w dużej mierze w muzyce pop i EDM. Madeon i Zedd, dwaj najbardziej znani DJ-e EDM, przyznali się do wpływu Perfume i Yasutaki na ich twórczość. Chociaż Yasutaka produkował dla Kyary Pamyu Pamyu z Harajuku, innego unikalnego i popularnego eksportu J-popu, Perfume były oryginalnymi odnowicielami technopopu.

Shiina Ringo

Królowa awangardy Shiina Ringo jest jedną z niewielu prawdziwie wpływowych artystek, których twórczość jest w stanie sprostać zarówno stratosferycznej popularności, jak i niepohamowanej kreatywności. Jest jedną z najpopularniejszych artystek w Japonii, wielbią ją również fani art popu na stronach takich jak RateYourMusic. We wczesnych latach 2000 jej wzrost był nie do zatrzymania; wspierana przez jej zespół Tokyo Jihen, Ringo połączyła mroczne, introspektywne, często surrealistyczne teksty z dzikim instrumentalnym eksperymentalizmem, który połączył J-pop z elementami jazzu, rocka, noise popu, barokowego popu, enki i electronica.

Kalk Samen Kuri no Hana, album, który wielu uważa za jej największą wypowiedź artystyczną, został porównany przez azjatyckie wydanie Time do Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Porównanie to jest w pełni uzasadnione: jest to odbiegający od normy, chaotyczny kawałek muzyki, mocno zakorzeniony w popie, a jednocześnie bezmyślnie ciągnący ten gatunek do przodu. Częste porównania do Bjork świadczą o jej konsekwentnie przełomowym, całkowicie charakterystycznym stylu oraz pełnym energii, często prowokacyjnym wokalu, choć Bjork w niczym nie przypomina samookreślenia Ringo jako „Shinjuku-kei” (gra z kultowym stylem indie popu Shibuya-kei).

Mimo że coraz więcej zagranicznych słuchaczy wciąż odnajduje twórczość Ringo, niewielu sprzeciwia się jej krytycznemu statusowi. Do jej fanów należą Lenny Kravitz, Courtney Love, a nawet Nocchi z Perfume, zaś wschodząca gwiazda londyńskiego popu, Rina Sawayama, wymienia ją jako jeden z najważniejszych wpływów. Japońsko-amerykańska muzyk Mitski wymieniła ją jako jeden z najważniejszych wpływów na swoim ostatnim albumie, Be the Cowboy z 2018 roku, który zdobył uznanie krytyków. Praca Ringo prawdopodobnie utorowała drogę do szerszej międzynarodowej publiczności dla innych kierowanych przez kobiety, intensywnych japońskich aktów, takich jak Midori, Tricot i Otoboke Beaver, a uznanie jej wpływu na art pop jest niezaprzeczalne i rośnie.

.