10 dzieł sztuki, które doprowadziły ludzi do szaleństwa

Artyści w historii nigdy nie stronili od kontrowersji – wielu z nich stara się nawet o infamię. (Potrzebujesz dowodu? Wystarczy spojrzeć na Banksy’ego, anonimowego artystę ulicznego, który niedawno stworzył dzieło, które uległo samozniszczeniu w momencie sprzedaży na aukcji za niebotyczną sumę 1,37 miliona dolarów). Chociaż krytycy i historycy mogą dyskutować nad techniką i walorami artystycznymi, istnieją dzieła sztuki, które zaszokowały większość ludzi, którzy je widzieli. Od obrazów uznanych za zbyt lubieżne, zbyt ordynarne lub zbyt krwawe jak na swoje czasy, po akty tak zwanego zbezczeszczenia i mocne oświadczenia polityczne, oto niektóre z najbardziej kontrowersyjnych dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek powstały.

1. Michał Anioł, „Sąd Ostateczny”, 1536-1541

Jakieś 25 lat po ukończeniu sufitu w Kaplicy Sykstyńskiej, renesansowy polimat Michał Anioł powrócił do Watykanu, by pracować nad freskiem, który będzie dyskutowany przez wieki. Jego wyobrażenie Drugiego Przyjścia Chrystusa w „Sądzie Ostatecznym”, nad którym pracował od 1536 do 1541 roku, spotkało się z natychmiastową kontrowersją ze strony kontrreformacyjnego kościoła katolickiego. Urzędnicy religijni wypowiedzieli się przeciwko freskowi z wielu powodów, m.in. z powodu stylu, w jakim Michał Anioł namalował Jezusa (bez brody i w klasycznym stylu pogańskiej mitologii). Jednak najbardziej szokujące było 300 postaci na obrazie, w większości męskich i w większości nagich. W ramach akcji zwanej listkiem figowym, kawałki tkanin i roślinności zostały później zamalowane na obraźliwej anatomii, a niektóre z nich zostały później usunięte w ramach XX-wiecznej renowacji.

2. Caravaggio, „Święty Mateusz i anioł”, 1602

Życie barokowego malarza Caravaggia może być bardziej kontrowersyjne niż jakiekolwiek z jego dzieł, biorąc pod uwagę fakt, że zmarł na wygnaniu po oskarżeniu o morderstwo. Jednak jego niekonwencjonalnie humanistyczne podejście do zleceń religijnych z pewnością wzbudzało w jego czasach kontrowersje. W zaginionym obecnie obrazie „Święty Mateusz z aniołem”, stworzonym dla kaplicy Contarelli w Rzymie, Caravaggio odwrócił konwencję, wykorzystując ubogiego chłopa jako modela świętego. Jednak tym, co najbardziej zdenerwowało krytyków, były brudne stopy świętego Mateusza, które iluzjonistycznie zdawały się wystawać z płótna (powtarzająca się sztuczka wizualna artysty), oraz sposób, w jaki obraz sugerował, że jest on analfabetą, jakby czytał mu anioł. Dzieło zostało ostatecznie odrzucone i zastąpione „Inspiracją św. Mateusza”, podobnym, ale bardziej standardowym przedstawieniem tej sceny.

3. Thomas Eakins, „The Gross Clinic”, 1875

Ta ikona amerykańskiej sztuki powstała w oczekiwaniu na stulecie narodu, kiedy malarz Thomas Eakins chciał pochwalić się zarówno swoim talentem, jak i naukowymi osiągnięciami filadelfijskiego Jefferson Medical College. Realistyczny obraz umieszcza widza w centrum chirurgicznego amfiteatru, gdzie lekarz dr Samuel Gross prowadzi wykłady dla studentów operujących pacjenta. Jednak rzeczowe przedstawienie chirurgii zostało uznane za zbyt drastyczne i obraz został odrzucony na Filadelfijskiej Wystawie Stulecia (niektórzy obwiniają zakrwawione ręce lekarza, inni twierdzą, że to kobieca postać zasłaniająca oczy przesądziła o odrzuceniu obrazu). Jednak sto lat później obraz ten został w końcu uznany za jedno z największych arcydzieł swoich czasów, zarówno ze względów artystycznych, jak i naukowych.

4. Marcel Duchamp „Fontanna”, 1917

Kiedy obrazoburca Marcel Duchamp anonimowo zgłosił porcelanowy pisuar podpisany „R. Mutt 1917” jako rzeźbę „readymade” do Society of Independent Artists, grupy znanej z przyjmowania każdego artysty, który jest w stanie uiścić opłatę”, stało się coś niewyobrażalnego: praca została odrzucona, mimo że Duchamp był współzałożycielem i członkiem zarządu grupy. Niektórzy zastanawiali się nawet, czy praca była oszustwem, ale pismo Dada The Blind Man broniło pisuaru jako sztuki, ponieważ artysta sam go wybrał. Praca zapoczątkowała przejście od tego, co Duchamp nazywał „sztuką siatkówkową” lub czysto wizualną, do bardziej konceptualnego sposobu wyrażania się – zapoczątkowując dialog, który trwa do dziś na temat tego, co właściwie stanowi dzieło sztuki. Choć z oryginału pozostała jedynie fotografia Alfreda Stieglitza (który wyrzucił dzieło) wykonana dla magazynu, wiele autoryzowanych reprodukcji z lat 60. znajduje się w głównych kolekcjach na całym świecie.

5. Robert Rauschenberg, „Erased De Kooning,” 1953

W pewnym sensie „Erased De Kooning” Roberta Rauschenberga zapowiadało samozniszczający się obraz Banksy’ego. Jednak w przypadku rysunku z 1953 roku artysta uznał, że oryginalne dzieło sztuki musi być ważne samo w sobie. „Kiedy wymazywałem swoje własne rysunki, to jeszcze nie była sztuka” – powiedział Rauschenberg w 1999 roku w SFMoMA. Zwrócił się więc do najbardziej szanowanego współczesnego artysty, rtęciowego abstrakcyjnego ekspresjonisty Willema de Kooninga, który po kilku namowach dał młodszemu artyście rysunek będący mieszanką ołówka i węgla drzewnego, którego wymazanie zajęło Rauschenbergowi dwa miesiące. Dopiero po około dekadzie rozeszła się wieść o tym dziele, które spotkało się z mieszanką zdziwienia (Czy to młody geniusz uzurpujący sobie prawo do mistrza?) i obrzydzenia (Czy to wandalizm?). Jedną z osób, która nie była pod szczególnym wrażeniem, był sam de Kooning, który później powiedział reporterowi, że początkowo uważał ten pomysł za „ckliwy”, i który, jak twierdzą niektórzy, miał za złe, że tak intymna interakcja między artystami została udostępniona opinii publicznej.

6. Yoko Ono, „Cut Piece,” 1964 / Marina Abramovic, „Rhythm 0,” 1974

Jak sztuka performance wyłoniła się jako praktyka artystyczna w latach powojennych, forma sztuki często zmierzała w kierunku prowokacji, a nawet niebezpieczeństwa. W „Cut Piece” Yoko Ono, performance z 1964 roku, artystka zaprosiła publiczność do wzięcia nożyczek i odcięcia kawałka jej ubrania, podczas gdy ona siedziała nieruchomo i w milczeniu. „Ludzie byli tak zszokowani, że nie rozmawiali o tym” – wspominała później.

Dziesięć lat później Marina Abramovic nieświadomie powróciła do tego pomysłu z „Rytmem 0”, w którym artystka dostarczyła publiczności 72 przedmioty, z którymi mogła zrobić to, co „chciała”. Obok nożyczek, Abramovic zaoferowała całą gamę narzędzi: różę, pióro, bicz, skalpel, pistolet, kulę, kawałek ciasta czekoladowego. W trakcie sześciogodzinnego spektaklu publiczność stawała się coraz bardziej agresywna, jeden z widzów ściągnął jej krew z szyi („Wciąż mam blizny” – mówiła), inny przyłożył jej pistolet do głowy, co wywołało bójkę nawet w galerii („Byłam gotowa umrzeć”). Publiczność wdała się w bójkę o to, jak daleko należy się posunąć, a w momencie zakończenia performance’u, jak wspomina Abramovic, wszyscy uciekli, aby uniknąć konfrontacji z tym, co się stało. Od tego czasu Abramovic nazywana jest matką chrzestną sztuki performance, a jej często fizycznie ekstremalne prace nadal polaryzują widzów i krytyków.

7. Judy Chicago, „The Dinner Party”, 1974-79

W swoim „Dinner Party” Judy Chicago postanowiła opowiedzieć się za uznaniem kobiet w całej historii – i w końcu sama stworzyła historię sztuki. Złożona instalacja, składająca się z setek elementów, jest wyobrażonym bankietem, na którym pojawia się 39 kobiet z całej mitologii i historii – między innymi Sojourner Truth, Sacajawea i Margaret Sanger – każda z nich reprezentowana przy stole z nakryciem, z których prawie wszystkie przedstawiają stylizowane sromy. Dzięki mieszance anatomicznych obrazów i technik rzemieślniczych, praca została uznana przez krytyków za wulgarną i kiczowatą, i szybko została wyszydzona przez kontr-wystawę honorującą kobiety o „wątpliwym wyróżnieniu”. Jednak pomimo krytyki, dzieło jest obecnie postrzegane jako kamień milowy w sztuce feministycznej i znajduje się w stałej ekspozycji w Brooklyn Museum.

8. Maya Lin, „Vietnam Veterans Memorial”, ukończona 1982

Maya Lin miała zaledwie 21 lat, gdy wygrała zamówienie, które zapoczątkowało jej karierę – i narodową debatę. Jej projekt pomnika Weteranów Wietnamu został wybrany przez ślepe jury, które nie miało pojęcia, że zwycięski projektant jest studentem architektury. Chociaż zaproponowany projekt spełniał wszystkie wymagania, łącznie z umieszczeniem 58 000 nazwisk żołnierzy, którzy nigdy nie powrócili z wojny, jego minimalistyczna, niedopowiedziana forma – dwie czarne granitowe płyty, które wyrastają z ziemi w kształcie litery „V”, jak „zamknięta i gojąca się rana”, jak powiedziała Lin – natychmiast stała się przedmiotem debaty politycznej ze strony tych, którzy uważali, że nie oddaje on w odpowiedni sposób bohaterstwa żołnierzy, których honoruje. Jeden z weteranów nazwał projekt „czarną szparą wstydu”, a 27 republikańskich kongresmenów napisało do prezydenta Ronalda Reagana z żądaniem, aby projekt nie został zbudowany. Lin broniła jednak swojej wizji, zeznając przed Kongresem o intencjach stojących za tym dziełem. Ostatecznie doszło do kompromisu, kiedy to w pobliżu dodano zwycięską pracę konkursową przedstawiającą trzech żołnierzy, aby dopełnić hołd (flaga i pomnik kobiet zostały dodane później). W miarę jak rosła odległość od wojny, krytyka pomnika słabła.

9. Ai Weiwei, „Dropping a Han Dynasty Urn,” 1995

Chiński artysta i aktywista Ai Weiwei jest jedną z najbardziej prowokacyjnych postaci w sztuce, a jego praktyka często kwestionuje idee wartości i konsumpcji. W 1995 roku artysta wykonał ukłon w stronę Duchampa za pomocą „Dropping a Han Dynasty Urn”, pracy, którą nazwał „kulturowym readymade”. Jak sugeruje tytuł, praca polegała na upuszczeniu, a tym samym zniszczeniu, liczącej 2000 lat urny ceremonialnej. Naczynie to miało nie tylko znaczną wartość pieniężną (Ai zapłacił za nie podobno kilkaset tysięcy dolarów), ale było również silnym symbolem chińskiej historii. Świadoma profanacja historycznego artefaktu została przez niektórych uznana za nieetyczną, na co artystka odpowiedziała cytatem z Mao Zedonga: „Jedynym sposobem na zbudowanie nowego świata jest zniszczenie starego”. Ai powraca do tego pomysłu, malując podobne naczynia z logo Coca Coli lub w jaskrawych, cukierkowych kolorach, gdy ludzie debatują, czy używa on prawdziwych antyków, czy podróbek. Tak czy inaczej, jego prowokacyjne prace zainspirowały inne akty zniszczenia – jak wtedy, gdy zwiedzający wystawę prac Ai w Miami rozbił namalowane naczynie w nielegalnym akcie protestu, który był odzwierciedleniem protestu Ai.

10. Chris Ofili, „The Holy Virgin Mary,” 1996

Trudno się dziwić, że wystawa zatytułowana „Sensation” wywołała poruszenie, ale tak właśnie się stało, gdy w 1997 roku w Londynie otwarto ją z wieloma kontrowersyjnymi pracami tak zwanych Młodych Artystów Brytyjskich: obraz Marcusa Harveya przedstawiający zabójczynię Myrę Hindley, rzeźba Damiena Hirsta „Rekin w formaldehydzie”, instalacja Tracey Emin zatytułowana „Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995)” oraz rzeźba Marca Quinna „Autoportret” wykonana z krwi. Kiedy dwa lata później wystawa trafiła do Brooklyn Museum, to właśnie „The Holy Virgin Mary”, Madonna autorstwa Chrisa Ofili, wzbudziła największe zgorszenie. Błyszczący kolaż zawierał wycinki z pornograficznych magazynów i kawałki pokrytego żywicą słoniowego łajna, które, jak błędnie podawały media, zostało „rozpryśnięte” po całym dziele. Burmistrz Nowego Jorku Rudy Giuliani zagroził, że cofnie miejską dotację w wysokości 7 milionów dolarów na wystawę, nazywając ją „chorą”, a przywódcy religijni i celebryci przyłączyli się do protestów po przeciwnych stronach. Dwie dekady później kontrowersyjny obraz Ofili zasłużył sobie na miejsce w arkana historii sztuki i w stałej kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej.