7 Japanse muzikanten die de wereld hebben beïnvloed

Japanse muziek heeft, of de rest van de wereld het nu weet of niet, lange tijd een enorme invloed gehad op wereldwijde muziektrends. Van de benijdenswaardige naoorlogse undergroundscene in Japan tot de onstuitbare opkomst van J-pop deze eeuw: Japanse artiesten hebben aan het hoofd gestaan van bewegingen die revolutionaire schokken over de hele wereld hebben ontketend en anno 2019 is hun invloed nog nooit zo groot of zo duidelijk geweest.

De ontdekking van het werk van Japanse muzikanten heeft een lange weg afgelegd sinds de dagen van John Zorn’s New Japan-label en die beruchte labyrintische J-popblogs uit de begindagen van het internet. De afgelopen 20 jaar heeft de consumptie van Japanse muziek een ongekende vlucht genomen, dankzij streamingdiensten en online samenwerkingsplatforms als Reddit en RateYourMusic (RYM).

Invloedrijk zijn, betekent meer zijn dan alleen populair. En toch zijn er ontelbare aantallen Japanse muzikanten, populair of niet, die het traject van een onnoemelijk aantal genres wereldwijd onomkeerbaar hebben veranderd. Het is duidelijk dat er een ontzagwekkende catalogus is van artiesten die aan dit criterium voldoen, een lijst die ongetwijfeld meerdere boekdelen zou kunnen vullen (denk in het kort aan de enorme stijlverschillen tussen Yoko Ono en Merzbow, Hikaru Utada en Toru Takemitsu, Boris en Cornelius). Deze lijst zal, in geen enkele volgorde van voorkeur, dat aantal terugbrengen tot zeven favorieten waarvan ik denk dat ze het meest actueel relevant zijn en de breedte van de invloed van Japanse musici in verschillende stijlen en genres vertegenwoordigen.

Boredoms

Door Bonnie C. Wade omschreven als “maniakaal extreme kakofonie,” kunnen de albums en liveshows van Boredoms alleen worden omschreven als “spirituele happenings” of “culturele evenementen.” Afkomstig uit Osaka, hebben ze in de afgelopen 30 jaar albums geproduceerd met agressieve noise, snelle punk, noise rock, krautrock, psychedelische rock, post rock, turntablism en minimalisme (om er een paar te noemen).

Boredoms’ huidige live shows staan bekend om hun extreem abstracte performance kunst, belachelijke aantallen drummers (bij twee gelegenheden, 77 en 88) en meeslepende spiritualiteit. Het is moeilijk te geloven dat ze dezelfde band zijn die eind jaren ’90 toerde met Sonic Youth en Nirvana en in 1994 zelfs het hoofdpodium van Lollapalooza bespeelde.

Terugkijkend op die optredens, is het nog steeds verbijsterend dat ze zo’n populariteit genoten. Het is niet zozeer dat ze niet goed waren – inderdaad, Boredoms zijn altijd vrij consistent ongelooflijk geweest – maar dat ze nauwelijks pop-radio-waardig waren. Maar frontman Yamataka Eye’s constante flirt met waanzin en de meestal terugkerende drummer Yoshimi P-We’s naïeve, geïmproviseerde aanpak van het drummen openden de ogen van velen buiten Japan, vooral in de VS, voor Japanoise.

Boredoms infiltreerde in de Amerikaanse underground, en raakte niet alleen betrokken bij giganten Sonic Youth, Nirvana en de Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots was vernoemd naar Yoshimi P-We en bevatte haar bijdragen), maar verdiende ook een reputatie als vereerde, mythische performers. Albums als Super æ (1998) en Vision Creation Newsun (1999) bouwden alleen maar verder aan de mythe, en hun invloed is te horen in het werk van een groot aantal verschillende bands, van noise en experimentele rock acts als Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles en Black Midi tot psychedelische pop outfit Animal Collective.

Hoewel het bijna een decennium geleden is dat Boredoms hun verste invloedssfeer bereikten, hebben ze geprofiteerd van de nieuwe wereldwijde fandom in het tijdperk van digitale media; ze behoren tot de meest geïmiteerde en bekende Japanse muzikanten.

Fishmans

Er is eenvoudigweg nooit een andere band als Fishmans geweest. Opgericht in 1987 als een rechttoe rechtaan dub band voordat ze uiteindelijk transformeerden in titanen van experimentele droom pop en neo-psychedelia, werden Fishmans geleid door Shinji Sato (zang), Kin-Ichi Motegi (drums) en Yuzuru Kashiwabara (bas).

Weinig discografieën vertellen zo bevredigend het verhaal van een band als die van Fishmans, een feit dat vooral waar is door de duizelingwekkende hoogten bereikt door hun laatste vier platen. Kūchū Camp, Long Season (beide door The Japan Times omschreven als “onbetwiste mijlpalen in de Japanse rockcanon”), Uchū Nippon Setagaya en 98.12.28 Otokotachi no Wakare zijn baanbrekend in de zin dat niemand, ervoor of erna, ook maar iets als hen heeft geklonken.

Het is niet overdreven om te zeggen dat Fishmans nu populairder zijn dan ze ooit tijdens hun hele bestaan in de jaren ’90 zijn geweest. Toch, uitzonderlijk populair als ze zijn op zowel Reddit’s /mu/ en RYM, zou je bijna denken dat Fishmans al lang een begrip waren. Duizenden fans zwijmelen bij Sato’s charmante, sullige zang en Kashiwabara’s aanstekelijke baslijnen en velen voelen zich verbonden met de tragische achtergrond van Otokotachi no Wakare. Voor velen verandert de tragedie van Sato’s dood met terugwerkende kracht de manier waarop ze naar de plaat luisteren, en in weinig discussies over de grootste platen in de moderne muziekgeschiedenis wordt Fishmans buiten beschouwing gelaten. Dit alles ondanks het feit dat Fishmans’ catalogus pas sinds vorig jaar beschikbaar is om te streamen en Otokotachi no Wakare – over het algemeen hun meest geprezen werk – nooit een release buiten Japan heeft gezien.

Meer dan enige andere artiest op deze lijst, ligt de invloed van Fishmans niet zozeer in wat ze muzikaal hebben geïnspireerd (of nog niet, hoe dan ook), maar de mate waarin ze het bewustzijn en discours van een hele generatie wereldwijde muziekfanaten hebben doordrongen. Bands als Fishmans komen maar eens in een generatie voor. Twintig jaar later is het duidelijk dat ze eindelijk dicht bij de erkenning zijn die ze verdienen.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono is een spil van de Japanse popmuziek sinds zijn begindagen in Apryl Fool en Happy End. Hosono’s Yellow Magic Orchestra (1978-84), met Ryuichi Sakamoto en Yukihiro Takahashi, wordt beschouwd als de uitvinder van techno-kayo en wordt, naast Kraftwerk en Giorgio Moroder, regelmatig erkend als een van de peetvaders van de elektronische popmuziek.

Hosono alleen is echter bekend geworden door de breedte van zijn stilistische experimenten, zijn uitgebreide lijst van productiecredits en zijn zelf-oriëntaliserende, exotische solowerk. Hij heeft een onuitwisbare stempel gedrukt op enkele van de populairste popalbums in de moderne Japanse muziekgeschiedenis, en toch is het pas relatief recent dat zijn invloed zich tot ver buiten zijn dagen bij YMO heeft uitgebreid. Hosono’s kenmerkend speelse, kleurrijke popdeuntjes hebben de basis gelegd voor zijn idolisatie door slacker indie en weirdo pop acts, waarvan de bekendste – en meest significante – Mac DeMarco is.

Stylistische gelijkenissen daargelaten, heeft DeMarco zijn idool publiekelijk erkend en zelfs een officiële coverversie van Hosono’s “Honey Moon” uitgebracht. Eerder dit jaar stond hij samen met Hosono op het podium om het uit te voeren, waarbij hij ook toegaf dat DeMarco’s 2 (2012) was gestileerd naar Hosono’s Hosono House (1973). Hosono’s rol in de opkomst van DeMarco zou te verwaarlozen zijn, alleen DeMarco is met gemak een van de meest geïmiteerde en bepalende artiesten in de Amerikaanse indierock dit decennium.

Zelfs buiten zijn werk met YMO, Hosono’s solowerk en de afdruk op platen van Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki en Pizzicato Five zijn, grotendeels door streaming, sijpelen in een nieuwe generatie die staat te popelen om zich te verdiepen in zijn enorme catalogus van releases.

Keiji Haino

Een meester in performance en een van de meest raadselachtige en rusteloos vernieuwende figuren van de avant-garde, verklaart Keiji Haino dat zijn muziek net zo krachtig is als psychedelische drugs (die hij overigens zelf nooit heeft genomen). En met muziek van een dergelijke kracht, is het geen wonder dat hij zo’n legendarische en invloedrijke avant-garde muzikant is.

Onmogelijk vast te pinnen op een enkel genre, is Haino bekend om zijn werk met vrije improvisatie, minimalisme, noise, drone, poëzie en nog veel meer in zowel zijn solowerk als zijn overvloed aan andere muzikale projecten (met name psychedelische outfit Fushitsusha en noise act Nijiumu). Ondanks het feit dat hij tussen 1973 en 2013 werd verbannen uit de NHK en hij over het algemeen platen maakte op het randje van wat je normaal gesproken als “muziek” zou kunnen beschouwen, vond Haino in de jaren ’90 via John Zorn’s Tzadik label een publiek in de VS als een mystieke en wilde sonische revolutionair. Haino’s invloed blijkt niet alleen uit de samenwerking met Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O))))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, producer voor Wilco en Stereolab) en Christian Marclay, maar ook uit de bredere ethiek van deze artiesten.

Deze volgelingen zijn doorgegaan met het maken van enkele van de meest belangrijke en gerespecteerde heavy en experimentele platen buiten Japan (evenals enkele generatie bepalende zachtere-genre werken); het transformeren van genres door zijn zelfde radicale filosofie en grensverleggende aanpak. Simpel gezegd: zonder Haino zouden platen als Sun O))’s Monoliths and Dimensions, Jim O’Rourke’s Insignificance, Sonic Youth’s Murray Street of Wilco’s Yankee Hotel Foxtrot misschien nooit zo hebben geklonken als ze nu doen.

Nujabes (Jun Seba)

De verafgoding van een artiest na zijn overlijden is geen zeldzaam verschijnsel, maar zelden is de wijdverbreide postume waardering zo zwaar verdiend als bij de muziek van instrumentaal hiphop pionier Nujabes (geboren Jun Seba). Sinds Nujabes’ tragische dood bij een verkeersongeluk in februari 2010, is zijn nalatenschap stilletjes, exponentieel gegroeid tot de belichaming van een hiphopstijl die over de hele wereld bekend is. Nujabes’ beatmaking nam de jazz rap van Amerikaanse artiesten als Pete Rock en A Tribe Called Quest en voegde daar houtblazers, blazers en een intense schatplichtigheid aan spirituele jazz aan toe.

Het samenvoegen van live instrumentatie met samples van een breed scala aan artiesten – waaronder Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis en Jean-Michel Jarre – slaan Nujabes’ beats behendig een brug tussen talloze genres. Hij is net zo bekend om zijn twee studioplaten, Metaphorical Music en Modal Soul, als om zijn werk als soundtrack voor Shinichirō Watanabe’s Samurai Champloo anime-serie. De nalatenschap van Nujabes, gedreven door de groeiende vraag in de hip hop naar gladdere en jazzier instrumentals (en ook doordat Samurai Champloo een enorm internationaal publiek heeft gekregen), is alleen maar gegroeid sinds zijn dood.

Meer dan alleen de “J Dilla van Japan” (hoewel, toevallig, geboren op dezelfde dag, 7 februari 1984), is hij erkend door artiesten zo divers als de Poolse rapper Zeus en de Amerikaanse rappers SahBabii en Joey Bada$$ als een essentiële en duidelijke voorvader van de hedendaagse hiphop. Met de verdere eminentie van Lo-fi Hip Hop Radio en diverse Nujabes Experience evenementen over de hele wereld, is het duidelijk dat de impact van Nujabes’ merk van instrumentale hip hop alleen maar groeit.

Perfume

Sinds hun eerste doorbraak op de J-pop scene in 2008, is het duidelijk dat Perfume geen doorsnee idool groep is. Zowel hun immense populariteit als de opmerkelijke mate waarin die populariteit zich in het buitenland heeft vertaald, maken duidelijk dat ze een atypisch en niet louter Japans cultureel fenomeen zijn. Als YMO de eerste golf van technopop introduceerde, dan wenkte Perfume de tweede. Producer Nakata Yasutaka’s voorliefde voor Franse house en bossa nova creëerde instrumentale stukken die in die tijd hun gelijke niet kenden, terwijl de vocalen van Kashiyuka, A-chan en Nocchi abnormaal donker waren. Monotoon en geautotuned met een sci-fi, elektronisch randje; alle drie vormden ze een schril contrast met mensen als Ayumi Hamasaki en Hikaru Utada.

Speelden in 2015 op het Texaanse festival SXSW en brachten Engelstalige fanbases voort op sites als Perfume City, LiveJournal, AllMusic en YouTube, je zou Perfume kunnen zien als Japans equivalent van Cool Britannia. Tracks van zowel Game (2008) als Triangle (2009) werden gemeengoed in indie DJ sets overal ter wereld en werden uiteindelijk ondersteund door wereldtournees. Natuurlijk ligt de invloed van Perfume grotendeels in de popmuziek en EDM. Madeon en Zedd, twee van de beroemdste DJ’s in EDM, hebben beiden de invloed van Perfume en Yasutaka op hun werk erkend. Hoewel Yasutaka ging produceren voor Harajuku’s Kyary Pamyu Pamyu, een andere unieke en populaire J-pop export, waren Perfume de oorspronkelijke technopop revivalisten.

Shiina Ringo

Avant-pop koningin Shiina Ringo is een van de weinige echt invloedrijke artiesten wier werk erin slaagt om zowel stratosferische populariteit als ongebreidelde creativiteit te omzeilen. Ze is een van de populairste artiesten in Japan en wordt ook aanbeden door kunstpopfans op sites als RateYourMusic. In het begin van de jaren 2000 was haar opkomst niet te stoppen; gesteund door haar begeleidingsband Tokyo Jihen, combineerde Ringo donkere, introspectieve, vaak surrealistische teksten met wild instrumentaal experimentalisme dat J-pop samensmolt met elementen van jazz, rock, noise pop, barokpop, enka en elektronica.

Kalk Samen Kuri no Hana, het album dat velen zien als haar grootste artistieke statement, werd door de Aziatische editie van Time vergeleken met Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Die vergelijking is volkomen terecht: het is een bizar, chaotisch muziekstuk dat stevig verankerd is in de popmuziek, maar dat het genre ook ongenadig naar voren sleurt. Veelvuldige vergelijkingen met Bjork zijn een bewijs van haar consequent baanbrekende, geheel eigen stijl en haar energieke, vaak provocerende zang; hoewel Bjork nauwelijks klinkt als Ringo’s zelfbenoemde “Shinjuku-kei” (een woordspeling op de iconische Shibuya-kei indiepopstijl).

Ondanks het feit dat steeds grotere aantallen overzeese luisteraars Ringo’s werk voortdurend vinden, maken maar weinigen bezwaar tegen haar kritische status. Onder haar fans bevinden zich Lenny Kravitz, Courtney Love en zelfs Perfume’s Nocchi, terwijl opkomende popster Rina Sawayama uit Londen haar als een essentiële invloed beschouwt. De Japans-Amerikaanse muzikante Mitski noemde haar met name als een van de belangrijkste invloeden op haar meest recente album, het door critici bejubelde Be the Cowboy uit 2018. Ringo’s werk heeft aantoonbaar de weg vrijgemaakt voor een breder internationaal publiek voor andere door vrouwen geleide, high-intensity Japanse acts zoals Midori, Tricot en Otoboke Beaver, en de waardering voor haar invloed op kunstpop is onmiskenbaar en groeit.