10 Works of Art That Made People Really Mad

Press Association/AP Photo

歴史を通してアーティストたちは論争から決して逃れようとはしませんでした-実際、多くは悪評に訴えようとしてさえいるのです。 (その証拠に その証拠に、匿名のストリートアーティストであるバンクシーの作品は、オークションで137万ドルという破格の値段で落札された瞬間に自爆しました)。 技術や芸術的な価値を論じるのは批評家や歴史家の役目ですが、見た人のほとんどがショックを受けた芸術作品がいくつかあります。 当時としては、あまりにも淫らで、あまりにも無礼で、あまりにも血生臭い絵画から、いわゆる冒涜的な行為や強力な政治的主張まで、これまでに作られた中で最も議論を呼んだ芸術作品のいくつかをご紹介します。 ミケランジェロ「最後の審判」 1536-1541

システィーナ礼拝堂の天井画を完成させてから約25年後、ルネサンス期の巨匠ミケランジェロはバチカンに戻り、数世紀にわたって議論されることになるフレスコ画に取り掛かりました。 1536年から1541年にかけて制作された「最後の審判」は、キリストの再臨を描いたもので、反宗教改革派のカトリック教会からすぐに論争が起こった。 ミケランジェロが描いたイエスのスタイル（髭のない、異教徒神話の古典的スタイル）など、さまざまな理由から、宗教関係者はこのフレスコ画に反対を表明した。 しかし、最も衝撃的だったのは、この絵に描かれている300人の人物像で、ほとんどが男性であり、ほとんどが裸体であったことだ。 イチジクの葉作戦と呼ばれる動きで、後に布や植物のかけらが問題となる解剖学的構造の上に描かれ、その一部は20世紀の修復の一環として後に取り除かれた。

2. カラヴァッジョ「聖マタイと天使」1602

バロック画家のカラヴァッジョは殺人容疑をかけられ、流刑の身で亡くなったことから、どの作品よりも生涯が物議をかもしているかも知れませんね。 しかし、彼の宗教的な依頼に対する型破りで人間的なアプローチは、当時は確かに眉唾物でした。 ローマのコンタレッリ礼拝堂のために制作され、現在は失われている《聖マタイと天使》では、貧しい農民を聖人のモデルにして、慣習を覆しているのである。 しかし、批評家たちを最も怒らせたのは、聖マタイの汚い足がキャンバスから突き出ているように見えること（これは画家が繰り返し行ってきた視覚的トリック）、そして、まるで天使に読み聞かせてもらっているかのように、文盲であることを暗示している点であった。 この作品は最終的に不採用となり、「聖マタイの霊感」という、より標準的でありながら類似した描写の作品に置き換えられた。

3. Thomas Eakins, “The Gross Clinic,” 1875

このアメリカ美術のアイコンは、国家100周年を前に、画家のThomas Eakinsが自分の才能とフィラデルフィアのジェファーソン・医科大学の科学の進歩とを見せびらかそうと熱心に制作したものだそうです。 このリアリズム絵画は、外科手術用の円形劇場の中央に置かれ、医師サミュエル・グロス博士が患者を手術する学生たちに講義しているところである。 しかし、その淡々とした手術描写が生々しすぎると判断され、フィラデルフィア百年祭では不採用となった（医師の血まみれの手を非難する声もあれば、目をかばう女性像のせいで不採用になったという意見もある）。 しかし、一世紀を経て、この絵はようやく芸術的、科学的な長所から、当時の偉大な傑作の一つとして認められるようになったのである。

4.Marcel Duchamp “Fountain”, 1917

象徴的なマルセル・デュシャンが匿名で「R」と署名した磁器の小便器を提出すると、「R. Mutt 1917 “と署名した磁器製の便器を「レディメイド」彫刻として独立芸術家協会に提出したところ、デュシャン自身が協会の共同設立者であり理事であったにもかかわらず、その作品は拒否されるという考えられない事態が起こりました。 しかし、ダダの機関誌『盲人』は、小便器は芸術家が選んだものであり、芸術であると擁護した。 この作品は、デュシャンが「網膜芸術」と呼んだ純粋な視覚芸術から、より概念的な表現方法への移行を示すもので、実際に芸術作品を構成するものについて今日まで続く対話の火付け役となったのです。 オリジナルは、雑誌のために撮影されたアルフレッド・スティーグリッツの写真しか残っていませんが、1960年代に制作された複数の複製品が、世界中の主要なコレクションに収められています。 ロバート・ラウシェンバーグ「消されたデ・クーニング」1953年

ある意味でロバート・ラウシェンバーグの「消されたデ・クーニング」は、バンクシーの自壊する絵画を予見していたのです。 しかし、1953年のドローイングの場合、作家は原画がそれ自体で重要でなければならないと考えた。 ラウシェンバーグは1999年、SFMoMAに「自分の絵を消しただけでは、それはまだアートではない」と語っている。 そこで彼は、当時最も尊敬されていた現代美術家、気まぐれな抽象表現主義のウィレム・デ・クーニングに声をかけ、説得の末、ラウシェンバーグが2カ月かけて消したグリースペンシル・アートと木炭を混ぜた絵を若いアーティストに贈った。 この作品は、「若き天才が巨匠を簒奪したのか」という驚きと「破壊行為だ」という嫌悪が入り交じり、その噂が広まるまでに10年ほどかかりました。 特に感心しなかったのはデ・クーニング自身で、彼は後に記者にこのアイデアを「くだらない」と言い、芸術家同士の親密な交流が一般に公開されたことに腹を立てたとも言われています。

6. オノ・ヨーコ「カットピース」1964年／マリーナ・アブラモヴィッチ「リズム0」1974年 戦後の芸術活動としてパフォーマンス芸術が出てくると、芸術形式がしばしば刺激や危険にさえ向かっていくことがあります。 オノ・ヨーコが1964年に発表した「カット・ピース」では、観客にハサミを持たせ、無言で座っている彼女の服を切り落とさせるというパフォーマンスを行った。 「人々はショックを受け、それについて話すことはありませんでした」と彼女は後に振り返っています。

10年後、マリナ・アブラモヴィッチは「リズム0」でこのコンセプトを無意識に再訪し、アーティストは観客が「望む」ことを行うために72個の物を提供したのでした。 ハサミのほか、バラ、羽、ムチ、メス、銃、弾丸、チョコレートケーキなど、さまざまな道具が提供された。 6時間の公演の間、観客はますます暴力的になり、ある者は彼女の首から血を抜き（「私にはまだ傷がある」と彼女は言っている）、別の者は銃を彼女の頭に突きつけ、ギャラリー内でも喧嘩が始まった（「私は死ぬ覚悟をした」）。 観客はどこまでやるかで喧嘩になり、公演が終わった瞬間、みんな何が起こったのかを直視しないように逃げ出したとアブラモビッチは回想している。 それ以来、アブラモヴィッチはパフォーマンス・アートのゴッドマザーと呼ばれ、彼女のしばしば身体的に過激な作品は、見る人と批評家の両極を占め続けている。

7. Judy Chicago, “The Dinner Party”, 1974-79

Judy Chicagoは「ディナーパーティー」で歴史を通して女性の認識を主張し、結局は自ら芸術史を作ってしまうことになった。 神話や歴史に登場する39人の女性たち（ソジャーナー・トゥルース、サカジャウィア、マーガレット・サンガーなど）が、テーブルの上に置かれたテーブルセッティングで表現され、そのほとんどに定型の外陰部が描かれているのである。 解剖学的イメージと工芸技術が混在するこの作品は、批評家から低俗でキッチュだと言われ、「怪しげな女性」を称える反対展覧会によってすぐに風刺された。 しかし、そのような批判にもかかわらず、この作品は現在、フェミニスト芸術におけるランドマークとみなされ、ブルックリン美術館に常設展示されています。

8. Maya Lin, “Vietnam Veterans Memorial”, completed 1982

Maya Linがわずか21歳のときに、彼女のキャリアと国民的議論を始めるとなる仕事を獲得したのです。 ベトナム帰還兵メモリアルのデザインは、盲目の審査員によって選ばれましたが、審査員は受賞者が建築の学生であることを知りませんでした。 しかし、そのミニマルで控えめな形は、2枚の黒い花崗岩の板が地面から「V字型」に突き出ており、まるで「傷口が閉じて癒える」ようだとリンは言っています。 ある退役軍人はこのデザインを「恥ずべき黒い傷」と呼び、共和党の下院議員27人は、このデザインを建設しないようロナルド・レーガン大統領に要求する手紙を書きました。 しかし、リンは自分のビジョンを主張し、作品の背後にある意図について議会で証言した。 最終的には妥協して、コンペの次点作品である3人の兵士をモチーフにしたものを近くに追加し、オマージュを完成させた（旗と女性記念碑も後に追加された）。 戦争から遠ざかるにつれ、記念館への批判は薄れていった。

9. アイ・ウェイウェイ《漢代の壷を落とす》1995年

中国のアーティストで活動家のアイ・ウェイウェイは、アート界で最も挑発的な人物のひとりであり、彼の活動はしばしば価値や消費についての考え方に疑問を投げかけるものです。 1995年、彼はデュシャンの作品「Dropping a Han Dynasty Urn」を「文化的レディメイド」と呼び、それに倣った。 そのタイトルが示すように、この作品は2000年前の儀式用骨壷を落とし、破壊するものである。 この骨壺は金銭的な価値があるだけでなく（アイは数十万ドルを支払ったとも言われている）、中国の歴史を象徴するものでもある。 歴史的な芸術品を故意に冒涜することは、倫理に反すると批判されましたが、アーティストは毛沢東の言葉を引用し、「新しい世界を築く唯一の方法は、古い世界を破壊することである」と答えました。 アイはこの考えに立ち返り、コカ・コーラのロゴや明るいキャンディーカラーで同じような器を描き、人々が彼が本物の古美術品を使用しているのか偽物なのかを議論しています。 いずれにせよ、彼の挑発的な作品群は、他の破壊行為にも影響を与えている。例えば、マイアミで開催されたアイの展覧会に訪れた人が、アイ自身の作品と同じように、違法な抗議行為として描かれた器を壊してしまったことがある。

10. クリス・オフィリ「聖母マリア」1996年

「センセーション」という展覧会が波紋を呼ぶのは、1997年にロンドンで開かれた、いわゆるイギリスの若手芸術家たちによる数々の問題作があったからにほかならない。 マーカス・ハーヴェイの殺人鬼マイラ・ヒンドリーの絵、ダミアン・ハーストのサメをホルマリン漬けにした彫刻、トレーシー・エミンの「Everyone I Have Ever Slept With（1963-1995）」と題したインスタレーション、マーク・クインの血でできた自画像の彫刻などである。 2年後、ブルックリン美術館でこの展覧会が開催されたとき、最も非難を浴びたのはクリス・オフィリのマドンナ「The Holy Virgin Mary」だった。 このきらびやかなコラージュ作品には、ポルノ雑誌の切り抜きや樹脂でコーティングされた象の糞の塊が含まれており、メディアはこれを作品全体に「飛び散った」と誤って報道したのである。 ニューヨーク市長のルディ・ジュリアーニは、この展覧会を「病的なもの」と呼び、市からの700万ドルの助成金を取り上げると脅迫し、宗教指導者や有名人も反対側の抗議に参加しました。 20年後、物議を醸したオフィリの絵は、美術史の弧を描き、近代美術館の永久所蔵品となった。