Scopri l’affascinante storia dietro “Ophelia”, un iconico dipinto preraffaellita

John Everett Millais, “Ophelia”, 1851 circa (Foto: Google Art Project )

Nel 1848, una società segreta di artisti mise radici nell’Inghilterra vittoriana. Conosciuti come i Preraffaelliti, i membri di questa confraternita credevano che la pittura fosse sbocciata prima del Rinascimento, citando l’approccio idealista di Raffaello alla materia come la rovina della disciplina secolare.

Per riportare la pittura alla sua età dell’oro, i preraffaelliti si riunirono, uniti non da uno stile specifico, ma dal desiderio di “avere idee genuine da esprimere” e dalla volontà di “studiare attentamente la natura, in modo da sapere come esprimerle”. John Everett Millais, uno dei fondatori del movimento, incarnò questo approccio con la sua Ofelia, un dipinto preraffaellita struggente e poetico.

Setting the Scene

William Holman Hunt, “Sir John Everett Millais,” 1853 (Foto: Wikimedia Commons )

L’artista inglese John Everett Millais (1829-1896) iniziò a dipingere Ofelia nel 1851, solo tre anni dopo che lui, William Holman Hunt e Dante Gabriel Rossetti avevano co-fondato la Confraternita Preraffaellita.

Fin dalla giovane età, Millais fu formato come un pittore tradizionale. A soli undici anni, divenne il più giovane studente ammesso alla prestigiosa Royal Academy Schools. Negli anni successivi, eccellerà come pittore storico prima di sovvertire il curriculum rinascimentale dell’accademia con dipinti d’avanguardia come Ophelia.

Mignon Nevada come “Ophelia”, fotografia in negativo su vetro, ca. 1910 (Foto: Wikimedia Commons)

Renderizzato ad olio su una tela di 30 per 44 pollici, il dipinto raffigura la morte di Ofelia, un personaggio dell’Amleto di William Shakespeare (1599-1601 circa). Nell’opera, Ofelia viene fatta impazzire e annega dopo aver scoperto che il suo compagno, Amleto, ha ucciso suo padre. Mentre la scena della sua morte non è esplicitamente recitata nell’opera, è descritta in dettaglio poetico dalla madre di Amleto, la regina Gertrude, nell’atto IV, scena vii:

“C’è un salice che cresce a cavallo di un ruscello,
che mostra le sue foglie rugginose nella corrente vitrea;
Lì è venuta con fantastiche ghirlande
di fiori di corvo, ortiche, margherite, e lunghe porpore
che i pastori liberali danno un nome più volgare,
ma le nostre fredde ancelle le chiamano dita di uomini morti:
Lì, sui rami pendenti la sua coroncina di erbacce
che si arrampicava per appendere, una scheggia invidiosa si ruppe;
quando i suoi trofei erbosi e lei stessa
caddero nel ruscello piangente. Le sue vesti si spalancarono;
e, come una sirena, per un po’ la portarono su:
quando lei cantava frammenti di vecchie melodie;
come una incapace della sua stessa angoscia,
o come una creatura originaria e indotta
in quell’elemento: Ma non poté durare a lungo
fino a quando le sue vesti, appesantite dalla loro bevanda,
trascinarono la povera disgraziata dal suo melodioso letto
alla fangosa morte.”

Il dipinto di Millais ritrae Ofelia pochi istanti dopo che è “caduta nel ruscello piangente” mentre cerca di drappeggiare ghirlande di fiori di campo “sui rami pendenti” di un albero. Mentre le sue gonne “da sirena” inizialmente la tenevano a galla, presto diventano “pesanti con la loro bevanda”. Mentre affonda, canta dolcemente a se stessa, finché non incontra la sua tragica “morte fangosa”.”

Il processo pittorico

John Everett Millais, Studio per “Ofelia”, 1852 (Foto: Wikimedia Commons)

Per catturare pienamente lo spirito di questa “morte fangosa”, Millais scelse di dipingere en plein air (“all’aria aperta”) – una tecnica preraffaellita fondamentale. Per cinque mesi, si accampò lungo le rive del fiume Hogsmill nel Surrey, nel sud-est dell’Inghilterra, e si mise al lavoro per documentare le piante locali in un processo minuzioso e doloroso.

“Il mio martirio è più provante di qualsiasi altro che ho sperimentato fino ad allora”, si lamentava. “Le mosche del Surrey sono più muscolose e hanno una propensione ancora maggiore a sondare la carne umana. . . Sono minacciato con un avviso di comparizione davanti a un magistrato per aver sconfinato in un campo e aver distrutto il fieno. . sono anche in pericolo di essere soffiato dal vento nell’acqua, e diventare intimo con i sentimenti di Ofelia quando quella Signora affondò in una morte fangosa, insieme alla (meno probabile) totale scomparsa, attraverso la voracità delle mosche.”

Elizabeth Siddal, la modella diciannovenne di Millais, non ebbe vita facile. Artista e musa preferita di Millais e dei suoi compagni preraffaelliti (compreso il suo futuro marito, Dante Gabriel Rossetti), Siddal conosceva bene il processo di posare per i dipinti. Interpretare la parte di un’Ofelia che annega, tuttavia, si rivelò un compito particolarmente impegnativo. Vestita con quello che Millais descrisse entusiasticamente come un “abito antico di una signora davvero splendida, tutto fiorito con ricami d’argento”, Siddal posò in una vasca piena d’acqua. Durante una seduta, le lampade a olio responsabili di mantenere l’acqua calda si spensero, e Siddal si ammalò gravemente come risultato. (Millais notoriamente pagò le sue spese mediche su richiesta del padre.)

Dopo questo processo creativo non proprio ideale (“Certamente la pittura di un quadro in tali circostanze sarebbe una punizione maggiore per un assassino che l’impiccagione”, osservò Millais), Ophelia fu completata nel 1852 ed esposta alla Royal Academy of Art lo stesso anno.

Eredità in fiore

Dettaglio di ‘Ophelia’

Mentre Ophelia fu inizialmente accolta da recensioni contrastanti (un critico la definì un “tour de force di rappresentazione dettagliata”, mentre un altro la giudicò “perversa”), da allora è arrivata a significare il culmine della pittura preraffaellita. Oltre a catturare l’enfasi del movimento sul naturalismo, il dipinto incarna anche la floriografia, o il “linguaggio dei fiori”

Delicatamente reso in una gamma di toni gioiello, la flora fluttuante di Ofelia è tra i motivi più celebri del dipinto. Questi botanici dettagliati, tuttavia, sono più che soddisfano l’occhio, in quanto ognuno serve come simbolo. Alcune delle piante presenti nel dipinto sono menzionate da Shakespeare, che notoriamente assegnava significati ai fiori; altre sono state aggiunte con cura da Millais, che aveva coltivato un interesse per il “linguaggio dei fiori” – un fenomeno in cui la flora è usata per comunicare messaggi in codice.

“Le rose vicino alla guancia e al vestito di Ofelia, e la rosa di campo sulla riva, possono alludere a suo fratello Laerte che la chiama “rosa di maggio””, spiega Tate. “Il salice, l’ortica e la margherita sono associati all’amore abbandonato, al dolore e all’innocenza. Le viole del pensiero si riferiscono all’amore invano. Le viole, che Ofelia porta in una catena intorno al collo, rappresentano la fedeltà, la castità o la morte dei giovani, ognuno dei quali significati potrebbe essere applicato qui. Il papavero significa la morte. I non-ti-scordar-di-me galleggiano nell’acqua.”

Anche se radicato nei tempi antichi, questo principio era diventato eccezionalmente popolare nell’Inghilterra vittoriana e, con i preziosi fiori di Ofelia in primo piano, continuerà senza dubbio a fiorire negli anni a venire.

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