How Americana Went Mainstream in the 2010s

Solo pochi anni dopo la fondazione dell’Americana Music Association, il formato radiofonico hobbistico ha vissuto un improbabile rinascimento con il successo travolgente di O Brother, Where Art Thou? del 2001, che presentava pionieri delle radici come Ralph Stanley e John Hartford accanto ai loro eredi moderni come Gillian Welch e Alison Krauss. Alla fine degli anni ’80, la rinascita del folk-rock di artisti come Welch, Avett Brothers, Kathleen Edwards, Old Crow Medicine Show, Conor Oberst e i Felice Brothers ha contribuito ad aumentare la visibilità critica e lo slancio popolare di questa musica.

Ma il termine Americana non era mai stato associato a un artista nel mainstream pop fino a quando i Mumford & Sons sono stati introdotti in massa negli States nel 2010. È stata una tempesta perfetta per il genere: due settimane prima che Sigh No More uscisse negli Stati Uniti, i Grammy hanno assegnato il primo premio in assoluto per il miglior album Americana (a Electric Dirt di Levon Helm). L’anno seguente, il Merriam-Webster ha aggiunto il termine musicale “Americana” (accanto a parole come “Tweet”) al suo dizionario, definendolo, per quanto accuratamente, come “un genere di musica americana che ha radici nel primo folk e nella musica country.”

Chiamatelo Genericana (come fece una volta Jason Isbell) se volete. Ma nell’ultimo decennio, l’eternamente difficile da definire comunità della roots-music è esplosa in un genere pop a basso costo e commercialmente praticabile. Ha iniziato gli anni 2010 come un angolo ancora di nicchia dell’industria musicale di Nashville prima di trasformarsi in una vera forza mainstream che avrebbe pesantemente influenzato la Top 40 pop e country, da hitmakers dance-pop come Avicii e Kesha ai juggernauts country Chris Stapleton e Zac Brown Band. Nel frattempo, l’ultimo decennio dell’Americana è servito come terreno fertile per la collaborazione tra generazioni, uno spazio per dialoghi di passaggio di fiaccole tra leggende come John Prine, Loretta Lynn, Mavis Staples e artisti – Kacey Musgraves, Margo Price, Rhiannon Giddens e Brandi Carlile – che sono abbastanza giovani da essere loro nipoti.

Il successo inaspettato di gruppi come i Mumford & Sons e i loro compatrioti, i Lumineers e gli Avett Brothers, ha mostrato al resto dell’industria musicale che c’era un grande pubblico per la musica pop presentata con banjo, grancassa e chitarre acustiche rapidamente suonate, e l’industria Americana ha risposto in natura. Nel 2010, gli artisti emergenti dell’anno nominati agli annuali Americana Honors & Awards erano piccoli trovatori country/folk come Corb Lund, Joe Pug e Sarah Jarosz; nel 2011, gli artisti emergenti dell’anno nominati i Civil Wars e i Mumford & Sons hanno venduto più di due milioni di album insieme.

Il racconto del decennio del boom dell’Americana ha anche rispecchiato l’esplosione della gentrificazione nella città di Nashville, che ha goduto di un massiccio periodo di crescita nella sua economia, sviluppo e turismo negli ultimi 10 anni. Nel 2015, artisti come Aaron Lee Tasjan stavano già parodiando la scena inflazionata: “Americana bands and crack cocaine”, cantava su “E.N.S.A.A.T.”, “Move out to East Nashville/And write a song about a train.”

Ma prima che venisse parodiata nelle canzoni, i primi anni del decennio hanno prodotto una fioritura artistica fondamentale a East Nashville, con superbi dischi di artisti locali come Caitlin Rose, Andrew Combs, Jonny Fritz e la leggenda del quartiere Todd Snider, tutti usciti a pochi mesi di distanza l’uno dall’altro. Nel 2019, tutti questi artisti hanno lasciato il quartiere, sono fuggiti dalla città, hanno messo in pausa la loro carriera musicale o sono diventati agenti immobiliari a Los Angeles.

Mumford &L’ondata di successo dei Top 40 Sons non ha mai prodotto il tipo di frenesia di alimentazione del banjo delle grandi etichette che ha avuto luogo durante gli anni Novanta del grunge post-Nirvana, secondo John P. Strohm, il capo dell’etichetta roots di Nashville Rounder Records; le etichette dell’era post-pirateria, pre-streaming della recessione, semplicemente non avevano i soldi. Ma il suono stomp-and-holler di Mumford ha aperto la strada all’Americana come pop-adiacente, o almeno mainstream-friendly. Nel dicembre del 2012, gli unici artisti con canzoni più in alto nella Hot 100 rispetto ai Lumineers (che hanno ottenuto un successo con “Ho Hey”) erano Rihanna e Bruno Mars. Entro un paio d’anni dall’arrivo dei Mumford, titani della Top 40 come gli Imagine Dragons stavano estraendo il loro modello sonoro, Kesha e Pitbull stavano contrabbandando un riff di armonica blues-rock in cima alle classifiche, e Avicii stava arruolando il pilastro di Oh Brother, Where Art Thou? Dan Tyminski per cantare nei suoi dischi EDM.

Il successo della musica pop-roots ha anche aiutato a solidificare l’estetica folk-strumming come una miniera d’oro per sincronizzazioni e pubblicità e ha mostrato a istituzioni come l’Americana Music Association, il cui obiettivo dichiarato è quello di promuovere la vitalità della musica roots, che il loro progetto stava funzionando.

Marcus Mumford ha anche avuto un ruolo centrale in Inside Llewyn Davis, il film del 2012 che è servito a T Bone Burnett come reboot della roots music Oh Brother, Where Art Thou? con i fratelli Coen. Il film, e il relativo film-concerto Another Day, Another Time, hanno utilizzato star del calibro di Justin Timberlake, Oscar Isaac, Jack White e Mumford per mettere in luce una serie di stelle americane emergenti del decennio successivo, come i Punch Brothers e Rhiannon Giddens (il concerto alla Town Hall è servito da trampolino di lancio per la carriera solista di quest’ultima).

Ma dopo l’effimero boom della Top 40 dal 2011 al 2014, a metà del decennio l’Americana si era in gran parte riorientata verso cantautori dalle radici profonde come Shakey Graves, Sarah Jarosz, Sturgill Simpson e Jason Isbell, che GQ ha coniato come “The King of Americana” nel 2016. Allo stesso tempo, l’Americana ha cercato di allargare i suoi confini, incorporando rootsy up-and-comers come Leon Bridges e Alabama Shakes mentre il genere rivendicava sempre più lignaggi come il blues e l’R&B nella sua definizione in continua espansione. “Se riesci a sentire il sapore della terra attraverso le orecchie, questa è Americana”, ha detto il presidente dell’AMA Jed Hilly, in un commento tanto conveniente dal punto di vista commerciale quanto privo di significato, nel 2016.

Forse nessun momento degli ultimi 10 anni ha illustrato meglio la sempre più spinosa politica razziale e di genere dell’Americana della performance virale dei CMA Awards 2015 della stella emergente del country Chris Stapleton con l’influencer Americana segreto degli anni 2010 Justin Timberlake. In una dose concentrata di interpolazione Americana dagli occhi blu delle tradizioni musicali nere che potrebbe lanciare una dozzina di dissertazioni di American Studies, il duo ha eseguito l’interpretazione del primo di “Tennessee Whiskey” di George Jones su una melodia di Etta James prima di passare alla resa pop di Memphis soul di Timberlake di 20/20 Experience. L’anno seguente, dopo aver portato il suo country-rock-soul anni Settanta in cima alle classifiche country, Chris Stapleton fu nominato artista dell’anno agli Americana Music Awards.

Il battesimo di Stapleton come superstar ibrida della musica Americana/country coincise con una più ampia rinascita e rinascita dei suoni country anni Settanta a metà del decennio. Gli stilisti retrò Margo Price e Sturgill Simpson furono spinti simultaneamente sotto i riflettori nazionali, con ciascun erede dell’honky-tonk che debuttò al Saturday Night Live in meno di un anno l’uno dall’altro. Artisti come Simpson e la sua controparte del Kentucky, Tyler Childers, entrambi stalloni dell’Americana che sicuramente rifiuterebbero questa designazione, si sono guadagnati accordi con grandi etichette grazie al successo del passaparola dei loro dischi country della vecchia scuola. Album come Traveller di Stapleton e Metamodern Sounds in Country Music di Simpson hanno fornito all’industria un inaspettato successo a fuoco lento, vendendo centinaia di migliaia di copie.

Nel 2018, Hollywood ha rivolto gli occhi all’Americana per il blockbuster di Lady Gaga A Star Is Born. Bradley Cooper ha interpretato un appassito trovatore roots-rock la cui sigla è stata scritta da Isbell, mentre Brandi Carlile e Lukas Nelson sono entrambi apparsi nel film. La mente musicale dietro la creazione di questi mondi è stata Dave Cobb, che è stato il consulente musicale del film e il produttore della colonna sonora dopo essere diventato il produttore Americana più richiesto del decennio grazie al suo successo con Isbell e Stapleton.

Lo stesso anno, Kacey Musgraves, due volte candidata all’Americana Award e adoratrice di John Prine, irruppe nel mainstream con Golden Hour, guadagnandosi una grande fanbase pop e vincendo l’album dell’anno ai Grammy. Nonostante la maggiore praticabilità mainstream dell’Americana, nel 2018 Musgraves era solo il più alto profilo di un’intera legione di cantautori country/folk-rooted che cercavano di allontanarsi da quelli che percepivano essere i confini ideologici troppo rigidi del genere. “Anche se amo l’Americana e la musica delle radici, sembra che a volte ci sia una gara a quanto country o tradizionalista tu possa dimostrare di essere”, ha detto nel 2018.

Parlate con la maggior parte dei cantautori di Nashville che hanno fatto dischi “Americana” ispirati al country all’inizio di questo decennio, e probabilmente vi diranno qualcosa di simile: Gli stretti confini dell’Americana sono diventati troppo limitanti; vestire i panni di un cowboy troubadour ha cominciato a sembrare un espediente; gli artisti hanno sentito un crescente desiderio di esplorare l’intera gamma delle loro influenze artistiche. Artisti come John Moreland e Dawes cominciarono a sperimentare trame sonore più varie; altri, come Caroline Rose, Brittany Howard e Leon Bridges, si rivolsero a generi completamente diversi (rispettivamente synth-pop, rock ispirato a Prince e R&B contemporaneo).

Cosa potrebbe portare il 2020 all’Americana? Nonostante i suoi artisti disertori e scettici, la comunità ha concluso il decennio con una nota fiorente, con superstar appena nominate come Brandi Carlile che ha fatto il tutto esaurito al Madison Square Garden giorni dopo essere diventata l’artista dell’anno 2019 agli Americana Honors. Nel frattempo, artisti in rapida ascesa come Yola e J.S. Ondara continuano a mostrare un percorso fresco, musicalmente e rappresentativamente più vario per la comunità. La prima ha ottenuto una nomination come miglior nuovo artista ai Grammy grazie alla forza del suo idiosincratico pastiche pop-roots al debutto Walk Through Fire; il secondo porta una prospettiva intangibilmente globale al suo coffeehouse folk.

Nel 2017, diversi anni prima che diventasse uno dei più brillanti nuovi arrivati del genere, Yola ha parlato della diversità di espressione sonora come chiave per la sostenibilità a lungo termine del genere. “La cosa più facile sarebbe che la gente reagisse al successo di un certo artista e dicesse: possiamo fare quello che stanno facendo loro; riproduciamo questi artisti 50.000 volte”, ha detto a Rolling Stone. “Per quanto Chris Stapleton sia fantastico, avere la differenza è importante. Questa è la forza del genere, è il grande senso di variazione degli stili”.

La “grazia salvifica” dell’Americana, ha continuato, è “non trasformarsi in un unico genere in cui si indossa il plaid e si suona la musica con la chitarra, che è fondamentalmente indie rock con una pedal steel. Strade polverose e treni, si tratta sempre di quei treni”, ha detto ridendo, ricordando un decennio di imitazioni di Mumford vestiti come polverosi attori dell’epoca della Depressione che cantavano del salto dei treni merci. “I treni, ragazzi, rilassatevi sui treni!”

Mumford & Sons hanno lottato essi stessi con il loro rapporto con la musica sulle proverbiali strade polverose e treni. Nel 2015, la band è diventata elettrica, cercando di fare del proprio meglio per suonare come i National su Wilder Mind, una mossa che ha guadagnato una risposta tiepida (e ha portato all’esclusione del gruppo dalla classifica emergente British Americana). Quando i Mumford sono tornati a un approccio leggermente più roots-friendly su Delta del 2018 (un disco che hanno promosso tornando a roccaforti dell’Americana come l’Americana Honors e il Newport Folk Festival), il momento musicale e il movimento li avevano per lo più superati: Ad oggi, il disco più recente del quartetto è la loro unica uscita a non essere certificata Oro negli Stati Uniti. Come ha concluso il decennio la band che ha iniziato il decennio avviando la commercializzazione pop dell’Americana? Suonando al concerto per le vacanze di una stazione radiofonica alt-rock insieme a Cage the Elephant e Jimmy Eat World.

Ma poco prima, il gruppo ha dato ai fan un ultimo cenno del 2010 al loro passato di boots-and-banjo, pubblicando lo scorso ottobre Sigh No More Sessions, un EP di cinque canzoni che commemora il decimo anniversario dell’uscita dell’album in Inghilterra.

“Guardando indietro e vedendo cosa indossavamo in realtà… l’intera cosa era un po’ uno scherzo per noi”, ha detto Mumford dell’estetica folk/americana pesantemente marchiata della band. “Nessuno di noi pensava che questo sarebbe andato molto lontano, ci stavamo solo facendo una risata”

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