Come nascono i videogiochi: il processo di sviluppo del gioco

Vuoi sapere come nascono i videogiochi? Questo articolo illustra il processo di sviluppo dei videogiochi, e in particolare la ‘pipeline’ – un termine dell’industria che si riferisce al processo di creazione di un videogioco da zero.

Grand Theft Auto V è costato 137 milioni di dollari per la realizzazione e 128 milioni di dollari per la commercializzazione (fonte: The Gamer)

Cos’è la pipeline di sviluppo dei giochi?

La pipeline di sviluppo dei giochi è il processo di costruzione di un videogioco dal concetto al completamento.

Più o meno come una linea di produzione, la game development pipeline aiuta a organizzare il flusso di lavoro in modo che ognuno sappia cosa deve consegnare e quando.

La pipeline aiuta anche a gestire la timeline di sviluppo del gioco e il budget, riducendo inefficienze e colli di bottiglia.

Mentre le pipeline variano a seconda dei progetti e degli studi, il processo è abbastanza simile sia che si stia lavorando a un gioco AAA, indie o mobile.

Un gioco è in continua evoluzione, e le cose che sembravano ottime in teoria potrebbero non funzionare così bene nella realtà. Pertanto, la pipeline non è necessariamente un processo lineare. Il lavoro deve essere inviato per le approvazioni creative e spesso può essere rimandato indietro per le revisioni. Le pipeline devono essere abbastanza flessibili da tenere conto delle revisioni e dei cambiamenti di rotta.

Le 3 fasi dello sviluppo del gioco

Lo sviluppo dei videogiochi è tipicamente diviso in 3 fasi: pre-produzione, produzione e post-produzione.

1. Pre-produzione

Questo è il punto di partenza di ogni progetto. Essenzialmente, la pre-produzione definisce di cosa tratta il gioco, perché dovrebbe essere fatto e cosa serve per realizzarlo.

Potresti avere una grande idea per un tipo di gioco, una storia che vuoi portare in vita, o potresti volerne costruire uno che sfrutti un certo tipo di tecnologia (es.Ad esempio la VR, un nuovo controller o una console).

Nella pre-produzione, troverai risposte a domande come:

• Di cosa tratta il gioco?
• Chi è il pubblico?
• C’è un mercato per il gioco? Com’è la concorrenza?
• Su quale piattaforma sarà pubblicato?
• Come sarà monetizzato? Sarà venduto su una piattaforma o sarà free to play con acquisti in-game?
• Quanto tempo ci vorrà per svilupparlo?
• Quale personale e quali risorse richiederà?
• Qual è il budget stimato?

Questa fase può durare da una settimana a un anno, a seconda del tipo di progetto, delle risorse e delle finanze disponibili, e in genere richiede fino al 20% del tempo totale di produzione.

A questo punto, il team è abbastanza piccolo. Ci possono essere un produttore, uno o più programmatori, un concept artist (o se sei una persona sola, sarai tu a fare la maggior parte del lavoro!).

Un produttore di videogiochi gestisce l’aspetto commerciale del progetto, in particolare quello finanziario. Gestiscono il budget e sviluppano strategie di marketing per vendere il prodotto.

Un concept artist stabilisce il tono del progetto all’inizio, sviluppando disegni e schizzi. Queste prime immagini contribuiscono a formare il linguaggio del gioco, dando a tutti coloro che lavorano al progetto una guida visiva per il look and feel generale.

Concept Art da Starcraft 2: Wings of Liberty, del mentore di CG Spectrum Brian Huang, Blizzard Entertainment. Altre letture: Intervista con Brian e Com’è essere un concept artist.

Le informazioni raccolte durante questa fase di pre-produzione costituiscono la base del documento di Game Design.

Il documento di Game Design (GDD)

Un documento di Game Design (GDD) è essenzialmente la stella polare del gioco. È un documento vivente che aiuta tutti a capire e ad essere d’accordo con la visione più grande del progetto.

Il GDD include cose come:

• L’idea o concetto
• Genere
• Storia e personaggi
• Meccanica di base del gioco
• Gameplay
• Design dei livelli e del mondo
• Arte e/o schizzi
• Strategia di monetizzazione

Come documento vivente, il GDD è continuamente aggiornato e raffinato durante la produzione. Questo potrebbe essere dovuto a vincoli tecnici o finanziari, o semplicemente rendersi conto che le cose non sembrano, suonano o funzionano bene come si sperava inizialmente.

Molte persone, specialmente i piccoli sviluppatori, amano usare tecniche di sviluppo più agili, che riguardano meno il processo e la documentazione e più la semplice costruzione delle cose. Tuttavia, gli studi più grandi preferiscono un approccio diverso.

EA, Microsoft, Sony, Ubisoft e altre grandi compagnie di videogiochi sono altamente orientate al processo e richiedono una documentazione pesante. È una grande parte di come hanno raggiunto il successo più e più volte.

Un GDD vi tiene organizzati, vi aiuta a identificare i potenziali rischi e vi permette di vedere in anticipo chi potreste aver bisogno di assumere/assumere per dare vita al vostro progetto. La vostra idea di gioco può sembrare abbastanza semplice, ma una volta che la esponete in un GDD, potreste presto rendervi conto di quanto il vostro progetto sia grande e pieno di risorse.

I progetti senza un piano hanno molte più probabilità di sforare il tempo e il budget.

Un’altra ragione per avere un GDD è per aiutare a lanciare e finanziare il vostro gioco. I potenziali investitori vorranno vedere un piano solido prima di investire.

Infine, il GDD vi aiuterà a commercializzare il vostro prodotto una volta che sarà pronto per essere rilasciato.

Prototipazione

Un prototipo di videogioco è un test grezzo che controlla funzionalità, esperienza utente, gameplay, meccaniche e direzione artistica.

La prototipazione avviene nella pre-produzione per testare se l’idea di gioco funzionerà o meno, e se vale la pena perseguirla. Molte idee non superano questa fase.

Il team spesso inizia con progetti su carta per testare le teorie ed elaborare molte delle sfumature di un gioco o di una serie di sistemi in modo rapido, facile ed economico.

Mentre le idee, la psicologia, le teorie e altre metafore del pensiero profondo sono importanti, si può progettare solo fino a un certo punto nella propria testa o sulla carta. La maggior parte delle idee di gioco ha bisogno di essere toccata, sentita, giocata e testata il prima possibile.

Lo scopo è quello di avere un prototipo attivo e funzionante il prima possibile per testare se le tue idee funzionano davvero e se il gioco è divertente come avevi sperato. La prototipazione può anche rivelare sfide inaspettate, che potrebbero potenzialmente cambiare l’intero corso del vostro progetto. È importante che anche altri testino il vostro prototipo, perché le cose che sono ovvie per voi, potrebbero non esserlo per altri.

Le risorse segnaposto sono usate per risparmiare tempo e denaro. Queste risorse di bassa qualità sostituiscono cose come armi e oggetti di scena durante la fase iniziale di test e, se approvate, vengono sostituite con versioni finali di alta qualità in seguito.

Le risorse segnaposto possono essere acquistate o trovate gratuitamente online nei software di sviluppo dei giochi. In genere sono forme piuttosto basilari, ma possono anche essere un po’ più avanzate, per esempio questo pacchetto di risorse Soul: Cave di Epic Games per Unreal Engine 4:

Soul: Cave placeholder asset pack di Epic Games per UE4

2. Produzione

La produzione è la fase più lunga della pipeline, ed è tutta da fare.

Va da 1 a 4 anni, la produzione è dove il gioco comincia davvero a prendere forma. La storia viene raffinata, vengono creati gli asset (personaggi, creature, oggetti di scena e ambienti), vengono stabilite le regole del gioco, vengono costruiti livelli e mondi, viene scritto il codice e molto altro ancora!

Pressoché tutto in un videogioco è una decisione consapevole. Questo include ogni personaggio, ambiente, oggetto, così come l’aspetto, i colori, i suoni, il livello di difficoltà, le regole e il sistema di punteggio.

Tuttavia, le idee iniziali non sempre si traducono così bene nella realtà, quindi mentre si lavora, il gioco viene continuamente testato e raffinato.

Diamo un’occhiata alle principali pietre miliari della produzione di un gioco e ad alcuni dei principali lavori di sviluppo di videogiochi, tenendo presente che i team più piccoli saranno chiamati a svolgere più ruoli, mentre uno studio più grande avrà più personale, molti dei quali specializzati in un particolare aspetto della produzione.

Con i giocatori che si aspettano una grafica di qualità cinematografica, il 75-90% del budget del gioco va alla grafica, secondo il veterano dell’industria Troy Dunniway, che ha creato il diploma di Game Design di CG Spectrum (immagine: Assassin’s Creed Odyssey, Ubisoft)

Pietre miliari della produzione

Ci sono una serie di pietre miliari da raggiungere durante il processo di sviluppo del gioco.

Prototipo: Questo è il test iniziale del gioco (che avviene nella pre-produzione ed è descritto in dettaglio sopra). Alcuni giochi potrebbero non superare mai questa fase.

Prima giocabilità: Il primo giocabile dà un’idea molto migliore dell’aspetto e del gameplay. Sebbene sia ancora lontano dalla fase finale, i segnaposto vengono sostituiti con risorse di qualità superiore e viene aggiunto l’artwork.

Vertical slice: Una slice verticale è un campione completamente giocabile che può essere usato per presentare il tuo gioco a studi o investitori. Può durare da pochi minuti fino a mezz’ora, un vertical slice fornisce un’esperienza di prima mano del tuo gioco.

Pre-alpha: La maggior parte del contenuto è sviluppato nella fase pre-alpha. A questo punto dello sviluppo del gioco, alcune grandi decisioni dovranno essere prese. Il contenuto potrebbe essere tagliato, o nuovi elementi dovranno essere aggiunti per migliorare il gameplay.

Alpha: Il gioco è “completo”, il che significa che le caratteristiche principali sono state tutte aggiunte e il gioco è completamente giocabile dall’inizio alla fine. Alcuni elementi, come le risorse artistiche, potrebbero avere ancora bisogno di essere aggiunti, ma i controlli e le funzionalità dovrebbero funzionare correttamente. I tester QA si assicureranno che tutto funzioni perfettamente e riporteranno gli errori al team.

Beta: A questo punto, tutti i contenuti e le risorse sono integrati, e il team dovrebbe concentrarsi sull’ottimizzazione piuttosto che sull’aggiunta di nuove funzioni o caratteristiche.

Gold master: Il gioco è definitivo e pronto per essere inviato alla casa editrice e rilasciato al pubblico.

Uno dei giochi più venduti di tutti i tempi, Minecraft ha oltre 100 milioni di giocatori attivi al mese

Ruolo chiave dello sviluppo del gioco

I ruoli dei game dev variano a seconda delle dimensioni e del tipo di studio. Queste sono alcune delle posizioni comuni che troverete.

Project manager

Il project manager si assicura che il processo di sviluppo del gioco vada liscio, che le pietre miliari siano rispettate, che i rischi siano anticipati/mitigati e che i membri del team facciano quello che devono fare. Sono spesso il centro della comunicazione tra i team di sviluppo e progettazione e i dirigenti. I project manager sono eccezionalmente organizzati e devono avere eccellenti capacità di comunicazione e di relazione.

Sviluppatori di giochi / programmatori

I programmatori di giochi aiutano a sviluppare giochi trasformando i concetti di progettazione in codice per creare giochi completamente giocabili. (Leggi di più: Come diventare un programmatore di giochi o la differenza tra programmazione e sviluppo di giochi.)

I programmatori sono spesso ingegneri del software o informatici con un forte background di programmazione, più una combinazione di creatività, abilità matematiche e pazienza per codificare con successo le idee in immagini e suoni interattivi. Si assicurano che il gioco funzioni senza problemi.

Ci sono molti aspetti diversi della programmazione, tra cui:

• Costruire un motore di base personalizzato per il gioco
• Scrivere funzioni, eventi, interazioni
• Creare la fisica (per esempio differenze di gravità in un gioco ambientato nello spazio)
• Sviluppare e modificare i rendering grafici 3D
• Simulare l’intelligenza artificiale negli avversari
• Aggiungere effetti sonori, musica e voci fuori campo
• Implementare la logica e la meccanica di gioco
• Creare l’interfaccia utente
• Scrivere codice specifico per tastiera, mouse, o joystick
• Rendere possibile ai giocatori di competere o cooperare via LAN o internet
• Sviluppare strumenti personalizzati
• Portando il codice tra piattaforme
• Implementare algoritmi, affrontare i requisiti di memoria e i problemi di caching
• Identificare e correggere i bug

Negli studi più grandi, troverete specialisti dedicati solo alla programmazione AI per il gioco, o impiegati che lavorano solo sull’interfaccia utente. (Leggi l’intervista a Firas Hosn, programmatore di giochi AI di Ubisoft.)

Il programmatore medio guadagna 59.010 dollari all’anno, tuttavia un programmatore senior o principale può guadagnare oltre 100.000 dollari all’anno. Un corso di programmazione di giochi può fornirvi le competenze per ottenere il vostro primo lavoro di programmazione di giochi nel settore.

Game designer

Un Game designer è il driver creativo del gioco, e generalmente un incrocio tra uno scrittore e un artista, con qualche conoscenza di programmazione.

La sezione della pipeline di produzione del game design comporta la creazione di storie avvincenti, personaggi, obiettivi, regole e sfide che guidano le interazioni con altri personaggi, utenti o oggetti. (Impara la differenza tra game design e programmazione.)

I progettisti possono essere responsabili di:

• Sviluppare la trama, le storie dei personaggi e il dialogo
• Sviluppare il gameplay, le regole e il sistema di punteggio
• Determinare il livello di difficoltà
• Costruire ambienti, sporgenze, ostacoli e oggetti
• Design del livello e del mondo
• Programmazione/scripting
• Montaggio digitale

Se si lavora per un’azienda più grande, questi compiti potrebbero assomigliare a ruoli individuali, di cui parleremo dopo.

Secondo Payscale, lo stipendio medio di un game designer è di 63.838 dollari, mentre un lead può arrivare a 93.926 dollari (a seconda dell’esperienza, della posizione, delle dimensioni dello studio e del settore). I designer senior e tecnici possono superare questo range. Dai un’occhiata al Diploma in Game Design per avere un’idea delle competenze necessarie per un lavoro nel game design. (Per saperne di più: Cos’è il game design?)

Level designer

Un level designer di videogiochi è responsabile della creazione di livelli interessanti e divertenti. Il loro lavoro è quello di mantenere il giocatore concentrato a muoversi nel gioco e a raggiungere il suo obiettivo o missione, riducendo il potenziale di confusione.

Perché i giochi sono molto più complessi di una volta, è comune nei grandi studi trovare game designer dedicati solo al level design.

I level designer prendono ispirazione dalla concept art, dalle foto di riferimento e dal GDD per abbozzare mappe credibili e creare modelli fisici dei livelli.

A seconda del tipo di gioco e se è basato su eventi reali (come una battaglia della seconda guerra mondiale), potrebbero aver bisogno di imparare tutto su un particolare periodo storico e ricercare luoghi reali per assicurare che il livello sia realistico e credibile. Se il gioco è adattato da un libro o un film, avranno bisogno di leggere/guardare l’originale e cercare indizi. Se il mondo è interamente fittizio, dovranno usare la loro creatività e trarre ispirazione dal concept art fornito.

Poi, usando un editor di livelli (software usato per progettare livelli e mappe), costruiscono i livelli, le fasi o le missioni. Il loro lavoro può anche includere cose come la pianificazione dei luoghi di partenza e di uscita, determinare dove saranno i tunnel e i passaggi nascosti, i luoghi dove avverranno le interazioni o i dialoghi, i punti di deposizione dei mostri, i punti di attivazione dove avverranno determinate azioni, e molto altro ancora.

I level designer sono responsabili dell’identificazione e della correzione dei bug, come i giocatori che cadono fuori dai limiti o che rimangono bloccati e non riescono a uscire. La sfida con i videogiochi è che una volta che il gioco viene rilasciato, è fuori dal controllo del designer. Il giocatore può interagire con i mondi in modi inaspettati, portando alla luce bug che erano passati inosservati durante lo sviluppo.

Il livello vedrà probabilmente diverse versioni prima di diventare definitivo.

Un level designer può guadagnare in media USD 56.884 a seconda dello studio e della posizione. I designer più anziani o più esperti possono richiedere uno stipendio molto più alto.

Se sei interessato a diventare un level designer, il Diploma in Game Design insegna il processo di trasformazione dei concetti in prototipi, come rendere un livello divertente, assicurare che il tuo livello sia visivamente interessante, incorporare la narrazione, e costruire e scrivere il tuo livello in un motore di gioco.

Game Artists

Game artists possono includere concept artists, animatori, modellatori 3D e FX Artists.

Questo gruppo è responsabile di portare colore, movimento e vita al gioco.

Mentre un concept artist è attivo per lo più durante la pre-produzione quando sta progettando l’aspetto iniziale (tipicamente in 2D), può essere coinvolto di nuovo più avanti nel processo di sviluppo del gioco se vengono aggiunti nuovi elementi o il gioco cambia rotta.

Un concept artist 3D (che potrebbe essere lo stesso artista) usa software di scultura digitale come ZBrush, Maya e Photoshop per creare oggetti di scena 3D, risorse e ambienti. Aggiungeranno anche texture e dettagli.

Concept art 3D di Krzysztof Luzny

Modellisti 3D

I modellatori 3D creano modelli di persone, oggetti, oggetti di scena, armi e ambienti che possono poi essere texturizzati e animati come necessario. I modellatori devono saper raccogliere e usare materiali di riferimento di alta qualità, specialmente se stanno replicando oggetti reali (per esempio un AK-47, un elicottero d’attacco Buzzard, la Torre Eiffel ecc.).

I modellatori possono usare foto degli oggetti che stanno creando, o droni se l’oggetto è molto più grande e hanno bisogno di una vista aerea. Se il gioco è tutto fantasy, dovranno fare riferimento alla concept art e usare la loro immaginazione per creare qualcosa di nuovo e unico. (Per saperne di più: Cos’è la modellazione 3D?)

Modello 3D di Victoria Passariello

Game Animators

Game animators aggiungono profondità e realismo aggiungendo movimenti credibili a personaggi, oggetti e ambienti. Creano storyboard e tracciano le scene chiave dell’animazione che si allineano con la trama del gioco.

Gli animatori hanno spesso bisogno di condurre molte ricerche (ad esempio, osservando come gli animali si comportano e interagiscono con gli altri se si lavora su un gioco basato sugli animali). I dati di motion capture possono anche essere usati per aiutare a creare animazioni più realistiche.

CG Spectrum alumnus Kyle Dahl (ora è un Senior Animator alla Electronic Arts)

FX artists

Gli artisti degli effetti speciali danno ai giocatori un’esperienza più coinvolgente e divertente aggiungendo effetti sorprendenti come esplosioni, fumo, fuoco e simulazioni di liquidi, ed eventi atmosferici come pioggia, fulmini, bufere ecc.

Gli artisti di Game FX tendono ad usare software come Houdini FX o Maya, ma dovrebbero anche avere esperienza con motori di gioco come Unity o Unreal Engine 4.

Cinematic VFX Reel from CG Spectrum mentor Gregory Hird-Rutter

Audio engineers /sounddesigners / compositori

Gli esperti del suono sviluppano effetti sonori realistici, registrano voci fuori campo/dialoghi tra personaggi, e creano colonne sonore che creano l’atmosfera per i giocatori, aggiungendo suspense o spunti audio (ad esempio musica di apertura, musica di pausa dei menu, che segna una vittoria ecc).

QA (assicurazione qualità) / tester di videogiochi

I tester di videogiochi sono essenziali nel processo di sviluppo dei giochi! Queste persone testano i giochi, cercano i bug e si assicurano che il gioco funzioni bene e che le istruzioni siano chiare per i giocatori. Segnalano gli errori al team di sviluppo in quello che a volte è conosciuto come un foglio di bug.

Ruoli aggiuntivi

Oltre ai ruoli di sviluppo del gioco menzionati sopra, gli studi più grandi possono avere la capacità di assumere una serie di specialisti aggiuntivi, come:

• Quest designer
• Combat designer
• Scrittori
• Interpreti e traduttori

In seguito, nel processo di sviluppo del gioco, il team di prodotto gioca un ruolo più importante, aiutando a gestire il marketing e la distribuzione del gioco.

3. Post-produzione

Una volta che la produzione è completa e il gioco è stato spedito, il processo di sviluppo del gioco continua con alcuni membri del team che vengono relegati alla manutenzione (correggere i bug, creare patch) o creare contenuti bonus o scaricabili (DLC). Altri possono passare al sequel o al progetto successivo.

Si può tenere un post mortem o un debrief per discutere cosa ha funzionato/non ha funzionato e determinare cosa potrebbe essere fatto meglio la prossima volta. Tutti i documenti di progettazione, le risorse e il codice sono finalizzati, raccolti e conservati, nel caso in cui siano necessari in futuro.

Risorse aggiuntive per lo sviluppo del gioco:

Se vuoi creare videogiochi, capire il processo di sviluppo del gioco è essenziale.

A prescindere dal tuo ruolo all’interno della pipeline, conoscere lo scopo e l’ordine di ogni reparto ti aiuterà a lavorare in modo efficiente e a ridurre problemi costosi lungo il percorso.

Non hai bisogno di sapere come fare il lavoro di tutti, ma dovrai sapere come il tuo lavoro influenza il loro e come passare il lavoro utilizzabile alla fase successiva della produzione. Una comprensione del processo ti renderà anche più impiegabile, dato che ogni studio importante usa un programma di produzione di videogiochi.

Ecco qualche altra lettura per aiutarti nella tua ricerca:

• Che cos’è il game design?
• 5 consigli per ottenere un lavoro di game design
• Cosa fa un grande gioco: intervista con Troy Dunniway (Microsoft, EA)
• Cos’è la programmazione dei giochi?
• Intervista a Firas Hosn, programmatore di giochi AI di Ubisoft

Immagine principale: Mortal Kombat 11 © 2019 Warner Bros. Entertainment Inc. Sviluppato da NetherRealm Studios

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