7 musicisti giapponesi che hanno influenzato il mondo

La musica giapponese, che il resto del mondo lo sappia o no, ha da tempo un’enorme influenza sulle tendenze musicali mondiali. Dall’invidiabile scena underground giapponese del dopoguerra all’inarrestabile ascesa del J-pop in questo secolo, gli artisti giapponesi hanno guidato movimenti che hanno scatenato onde d’urto rivoluzionarie in tutto il mondo e, nel 2019, la loro influenza non è mai stata così ampia o così ovvia.

La scoperta del lavoro dei musicisti giapponesi ha fatto molta strada dai tempi dell’etichetta New Japan di John Zorn e da quei famigerati blog J-pop labirintici dei primi giorni di internet. Infatti, gli ultimi 20 anni hanno visto un aumento senza precedenti nel consumo di musica giapponese, rivoluzionato dai servizi di streaming e dalle piattaforme collaborative online come Reddit e RateYourMusic (RYM).

Essere influenti significa essere più che semplicemente popolari. Eppure, ci sono innumerevoli musicisti giapponesi, popolari e non, che hanno irreversibilmente alterato la traiettoria di un numero incalcolabile di generi in tutto il mondo. C’è ovviamente un catalogo scoraggiante di artisti che soddisfano questo criterio, una lista che potrebbe senza dubbio riempire diversi volumi (considerate brevemente le vaste divergenze di stile tra Yoko Ono e Merzbow, Hikaru Utada e Toru Takemitsu, Boris e Cornelius). Questa lista, senza alcun ordine di preferenza, condurrà quel numero a sette favoriti che penso siano più rilevanti contemporaneamente e che rappresentano l’ampiezza dell’influenza dei musicisti giapponesi su diversi stili e generi.

Boredoms

Descritto da Bonnie C. Wade come “cacofonia maniacalmente estrema”, gli album e i live dei Boredoms possono essere descritti solo come “eventi spirituali” o “eventi culturali”. Provenienti da Osaka, negli ultimi 30 anni hanno prodotto album di rumore aggressivo, punk veloce, noise rock, krautrock, rock psichedelico, post rock, turntablism e minimalismo (per citarne alcuni).

Gli attuali spettacoli dal vivo dei Boredoms sono noti per ruotare intorno a performance art astratte estreme, un numero ridicolo di batteristi (in due occasioni, 77 e 88) e una spiritualità affascinante. È difficile credere che siano la stessa band che è andata in tour con i Sonic Youth e i Nirvana alla fine degli anni ’90 e che ha persino suonato sul palco principale del Lollapalooza nel 1994.

Pensando a quelle performance, è ancora sconcertante che abbiano goduto di una tale popolarità. Non è tanto che non fossero bravi – in effetti, i Boredoms sono sempre stati piuttosto costantemente incredibili – ma che erano difficilmente degni delle radio pop. Comunque, il costante flirt del frontman Yamataka Eye con la follia e l’approccio ingenuo e improvvisato del batterista Yoshimi P-We hanno aperto gli occhi di molti fuori dal Giappone, specialmente negli Stati Uniti, ai Japan.

I noia si infiltrarono nell’underground americano, non solo coinvolgendo i giganti Sonic Youth, Nirvana e i Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots portava il nome di Yoshimi P-We e conteneva i suoi contributi) ma guadagnandosi la reputazione di interpreti venerati e mitici. Album come Super æ (1998) e Vision Creation Newsun (1999) non hanno fatto altro che alimentare il mito, e la loro influenza può essere sentita nel lavoro di una miriade di gruppi diversi, dal noise e rock sperimentale come Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles e Black Midi al gruppo pop psichedelico Animal Collective.

Anche se è passato quasi un decennio da quando i Boredoms hanno raggiunto la loro massima influenza, hanno beneficiato del nuovo fandom globale dell’era dei media digitali; sono tra i musicisti giapponesi più imitati e conosciuti.

Fishmans

Piuttosto semplicemente, non c’è mai stato un altro gruppo come i Fishmans. Formati nel 1987 come una semplice dub band prima di trasformarsi in titani del dream pop sperimentale e della neo-psichedelia, i Fishmans erano guidati da Shinji Sato (voce), Kin-Ichi Motegi (batteria) e Yuzuru Kashiwabara (basso).

Poche discografie narrano la storia di una band in modo così soddisfacente come quella dei Fishmans, un fatto per lo più vero grazie alle vertiginose altezze raggiunte dai loro ultimi quattro dischi. Kūchū Camp, Long Season (entrambi descritti dal Japan Times come “punti di riferimento indiscussi nel canone del rock giapponese”), Uchū Nippon Setagaya e 98.12.28 Otokotachi no Wakare sono innovativi nel senso che nessuno, prima o dopo, ha mai suonato come loro. Eppure, eccezionalmente popolari come sono sia su /mu/ di Reddit che su RYM, si potrebbe quasi pensare che i Fishman siano stati a lungo un nome familiare. Migliaia di fan svengono per la voce fascinosamente imbranata di Sato e le contagiose linee di basso di Kashiwabara e molti si collegano al tragico background di Otokotachi no Wakare. Per molti, la tragedia della morte di Sato modifica retrospettivamente il modo in cui ascoltano il disco, e poche discussioni riguardanti i più grandi dischi della storia della musica moderna escludono Fishmans. Tutto questo nonostante il catalogo dei Fishmans sia disponibile in streaming solo dall’anno scorso e Otokotachi no Wakare – generalmente il loro lavoro più acclamato – non abbia mai visto una pubblicazione al di fuori del Giappone.

Più di qualsiasi altro artista in questa lista, l’influenza dei Fishmans non sta tanto in ciò che hanno ispirato musicalmente (o non ancora, comunque) ma nella misura in cui hanno permeato la coscienza e il discorso di un’intera generazione di fanatici della musica globale. Gruppi come i Fishman arrivano solo una volta in una generazione. Vent’anni dopo, è chiaro che sono finalmente vicini a ricevere il riconoscimento che meritano.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono è stato un perno della musica pop giapponese fin dai suoi primi giorni in Apryl Fool e Happy End. La Yellow Magic Orchestra di Hosono (1978-84), con Ryuichi Sakamoto e Yukihiro Takahashi, è accreditata di aver inventato la techno-kayo e, tra artisti del calibro di Kraftwerk e Giorgio Moroder, è regolarmente riconosciuta come uno dei padrini della musica pop elettronica.

Hosono da solo, tuttavia, è diventato famoso per l’ampiezza dei suoi esperimenti stilistici, la sua vasta lista di crediti di produzione e il suo lavoro solista orientaleggiante ed esotista. Ha lasciato un’impronta indelebile su alcuni degli album pop più popolari della storia moderna della musica giapponese, e tuttavia è solo relativamente recente che la sua influenza si è estesa fermamente oltre i suoi giorni con YMO. Le melodie pop colorate e giocose di Hosono hanno gettato le basi per la sua idolatria da parte di artisti indie e pop stravaganti, il più famoso – e più significativo – è Mac DeMarco.

Similitudini stilistiche a parte, DeMarco ha riconosciuto pubblicamente il suo idolo e ha persino pubblicato una versione ufficiale della cover di “Honey Moon” di Hosono. All’inizio di quest’anno si è unito a Hosono sul palco per eseguirla, ammettendo anche che il 2 di DeMarco (2012) è stato disegnato dopo la Hosono House di Hosono (1973). Il ruolo di Hosono nell’ascesa di DeMarco sarebbe ignorabile, solo che DeMarco è facilmente uno degli artisti più imitati e determinanti dell’indie rock americano di questo decennio.

Anche al di fuori del suo lavoro con YMO, il lavoro solista di Hosono e l’impronta su dischi di Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki e Pizzicato Five stanno, in gran parte attraverso lo streaming, penetrando in una nuova generazione desiderosa di approfondire il suo vasto catalogo di uscite.

Keiji Haino

Un maestro della performance e una delle figure più enigmatiche e irrequiete dell’avanguardia, Keiji Haino dichiara che la sua musica è potente come le droghe psichedeliche (che, per inciso, è categorico sul fatto di non aver mai preso). E con una musica di tale potenza, non c’è da meravigliarsi che sia un musicista d’avanguardia così leggendario e influente.

Impossibile da incasellare in un unico genere, Haino è noto per il suo lavoro con l’improvvisazione libera, il minimalismo, il rumore, il drone, la poesia e molto altro sia nel suo lavoro da solista che in una pletora di altri progetti musicali (specialmente il gruppo psichedelico Fushitsusha e il gruppo noise Nijiumu). Nonostante sia stato bandito dalla NHK tra il 1973 e il 2013 e in generale abbia fatto dischi al limite di ciò che di solito si può considerare “musica”, Haino ha trovato un pubblico negli Stati Uniti attraverso l’etichetta Tzadik di John Zorn negli anni ’90 come un mistico e selvaggio rivoluzionario sonoro. Ritagliandosi una figura venerata tra artisti del calibro di Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O)))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, produttore per Wilco e Stereolab) e Christian Marclay, l’influenza di Haino non si manifesta solo nei suoi progetti di collaborazione con questi artisti, ma anche nel loro ethos più ampio.

Questi seguaci hanno continuato a creare alcuni dei più importanti e rispettati dischi heavy e sperimentali al di fuori del Giappone (così come alcuni lavori di genere più morbido che definiscono una generazione); trasformando i generi attraverso la sua stessa filosofia radicale e il suo approccio di confine. In parole povere, senza Haino, dischi come Monoliths and Dimensions dei Sun O))), Insignificance di Jim O’Rourke, Murray Street dei Sonic Youth o Yankee Hotel Foxtrot dei Wilco non avrebbero mai potuto suonare come ora.

Nujabes (Jun Seba)

L’idolatria di un artista dopo la sua scomparsa non è un fenomeno raro, ma raramente l’apprezzamento postumo diffuso è stato così pesantemente meritato come nel caso della musica del pioniere dell’hip hop strumentale Nujabes (nato Jun Seba). Dalla tragica morte di Nujabes in un incidente stradale nel febbraio 2010, la sua eredità è cresciuta silenziosamente ed esponenzialmente fino ad incarnare uno stile di hip hop conosciuto in tutto il mondo. Il beatmaking di Nujabes ha preso il jazz rap di artisti americani come Pete Rock e A Tribe Called Quest e ha aggiunto fiati, trombe e un intenso indebitamento con lo spiritual jazz.

Fondendo la strumentazione dal vivo con campioni da una vasta gamma di artisti – tra cui Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis e Jean-Michel Jarre tra molti altri – i beat di Nujabes fanno abilmente da ponte tra innumerevoli generi. È altrettanto noto per i suoi due dischi in studio, Metaphorical Music e Modal Soul, quanto per il suo lavoro di colonna sonora della serie di anime Samurai Champloo di Shinichirō Watanabe. L’eredità di Nujabes, guidata dalla crescente domanda nell’hip hop di strumentali più morbide e jazziane (così come da Samurai Champloo che ha guadagnato un immenso pubblico internazionale), è solo cresciuta dopo la sua morte.

Più che il “J Dilla del Giappone” (anche se, per coincidenza, è nato lo stesso giorno, il 7 febbraio 1984), è stato riconosciuto da artisti diversi come il rapper polacco Zeus e i rapper americani SahBabii e Joey Bada$$ come un antenato essenziale e distinto dell’hip hop contemporaneo. Con l’ulteriore eminenza di Lo-fi Hip Hop Radio e i vari eventi Nujabes Experience che spuntano in tutto il mondo, è chiaro che l’impatto del marchio di hip hop strumentale di Nujabes sta solo crescendo.

Perfume

Da quando hanno fatto irruzione sulla scena J-pop nel 2008, è stato chiaro che i Perfume non sono il solito gruppo idol. Sia la loro immensa popolarità che la notevole misura in cui questa popolarità si è tradotta così bene all’estero rendono chiaro che sono un fenomeno culturale atipico e non puramente giapponese. Se YMO ha introdotto la prima ondata di technopop, Perfume ha richiamato la seconda. La passione del produttore Nakata Yasutaka per l’house francese e la bossa nova ha creato una strumentazione diversa da qualsiasi altra cosa all’epoca, mentre le voci di Kashiyuka, A-chan e Nocchi erano anormalmente scure. Monotone e autotuned con un bordo fantascientifico ed elettronico; tutti e tre erano in netto contrasto con artisti del calibro di Ayumi Hamasaki e Hikaru Utada.

Suonando al festival texano SXSW nel 2015 e generando fanbase in lingua inglese su siti come Perfume City, LiveJournal, AllMusic e YouTube, si potrebbe vedere Perfume come l’equivalente giapponese di Cool Britannia. Le tracce di Game (2008) e Triangle (2009) sono diventate comuni nei DJ set indie ovunque e alla fine sono state supportate da tour mondiali. Naturalmente, l’influenza di Perfume risiede in gran parte nella musica pop e nell’EDM. Madeon e Zedd, due dei più famosi DJ in EDM, hanno entrambi riconosciuto l’influenza di Perfume e Yasutaka sul loro lavoro. Anche se Yasutaka ha continuato a produrre per Kyary Pamyu Pamyu di Harajuku, un’altra esportazione J-pop unica e popolare, i Perfume sono stati gli originali revivalisti del technopop.

Shiina Ringo

La regina dell’avant-pop Shiina Ringo è uno dei pochi artisti veramente influenti il cui lavoro riesce a stare a cavallo tra una popolarità stratosferica e una creatività sfrenata. Una delle artiste più popolari in Giappone, è anche venerata dai fan dell’art pop attraverso siti come RateYourMusic. Nei primi anni 2000 la sua ascesa è stata inarrestabile; sostenuta dalla sua band di supporto Tokyo Jihen, Ringo combinava testi più oscuri, introspettivi e spesso surreali con un selvaggio sperimentalismo strumentale che fondeva il J-pop con elementi di jazz, rock, noise pop, pop barocco, enka ed elettronica.

Kalk Samen Kuri no Hana, l’album che molti vedono come la sua più grande dichiarazione artistica, è stato paragonato dall’edizione asiatica di Time a Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Questo paragone è del tutto giustificato: è un pezzo di musica stravagante e caotico, saldamente incastonato nel pop ma anche incurante di trascinare il genere in avanti. I frequenti paragoni con Bjork testimoniano il suo stile sempre innovativo e del tutto distintivo e la sua alta energia, spesso provocatoria, nella voce; anche se Bjork non suona affatto come l’autodefinito “Shinjuku-kei” di Ringo (un gioco sull’iconico stile indie pop di Shibuya-kei).

Nonostante un numero sempre maggiore di ascoltatori d’oltreoceano trovi costantemente il lavoro di Ringo, pochi si oppongono al suo status critico. Tra i suoi fan ci sono Lenny Kravitz, Courtney Love e persino Nocchi dei Perfume, mentre la popstar emergente londinese Rina Sawayama la considera un’influenza essenziale. La musicista nippo-americana Mitski l’ha indicata come una delle influenze più importanti nel suo album più recente, Be the Cowboy del 2018, acclamato dalla critica. Il lavoro di Ringo ha probabilmente aperto la strada a un pubblico internazionale più ampio per altri artisti giapponesi ad alta intensità guidati da donne come Midori, Tricot e Otoboke Beaver, e l’apprezzamento della sua influenza sull’art pop è innegabile e in crescita.