10 opere d’arte che hanno fatto impazzire la gente

Gli artisti nel corso della storia non si sono mai sottratti alle polemiche – infatti, molti cercano addirittura di corteggiare l’infamia. (Avete bisogno di prove? Basta guardare Banksy, l’anonimo artista di strada che recentemente ha creato un’opera che si è autodistrutta nel momento in cui è stata venduta all’asta, per l’incredibile cifra di 1,37 milioni di dollari). Mentre spetta ai critici e agli storici discutere la tecnica e il merito artistico, ci sono alcune opere d’arte che hanno scioccato la maggior parte delle persone che le hanno viste. Da dipinti ritenuti troppo lascivi, troppo rudi o troppo cruenti per il loro tempo ad atti di cosiddetta dissacrazione e potenti dichiarazioni politiche, queste sono alcune delle opere d’arte più controverse mai create.

1. Michelangelo, “Il Giudizio Universale”, 1536-1541

Circa 25 anni dopo aver completato il soffitto della Cappella Sistina, il polimero rinascimentale Michelangelo tornò in Vaticano per lavorare su un affresco che sarebbe stato discusso per secoli. La sua rappresentazione della Seconda Venuta di Cristo nel “Giudizio Universale”, su cui lavorò dal 1536 al 1541, fu accolta da un’immediata controversia da parte della chiesa cattolica controriformista. I funzionari religiosi si espressero contro l’affresco, per una serie di ragioni, tra cui lo stile con cui Michelangelo dipinse Gesù (senza barba e nello stile classico della mitologia pagana). Ma la cosa più scioccante di tutte erano le 300 figure del dipinto, per lo più uomini e per lo più nudi. In una mossa chiamata campagna delle foglie di fico, pezzi di tessuto e flora furono successivamente dipinti sopra l’anatomia offensiva, alcuni dei quali furono poi rimossi come parte di un restauro del 20° secolo.

2. Caravaggio, “San Matteo e l’Angelo”, 1602

La vita del pittore barocco Caravaggio potrebbe essere più controversa di qualsiasi sua opera, dato che morì in esilio dopo essere stato accusato di omicidio. Ma il suo approccio non convenzionalmente umanistico alle sue commissioni religiose ha certamente sollevato le sopracciglia ai suoi tempi. Nel dipinto ormai perduto “San Matteo e l’angelo”, creato per la Cappella Contarelli a Roma, Caravaggio capovolse le convenzioni usando un povero contadino come modello per il santo. Ma ciò che sconvolse maggiormente i critici furono i piedi sporchi di San Matteo, che illusionisticamente sembravano sporgere da una tela (un trucco visivo ricorrente per l’artista), e il modo in cui l’immagine implicava che fosse analfabeta, come se fosse letto da un angelo. L’opera fu infine rifiutata e sostituita con “L’ispirazione di San Matteo”, una rappresentazione simile, ma più standard, della scena.

3. Thomas Eakins, “The Gross Clinic,” 1875

Questa icona dell’arte americana fu creata in previsione del centenario della nazione, quando il pittore Thomas Eakins era ansioso di mostrare sia il suo talento che i progressi scientifici del Jefferson Medical College di Philadelphia. Il dipinto realista mette lo spettatore al centro di un anfiteatro chirurgico, dove il medico Dr. Samuel Gross dà lezioni agli studenti che operano su un paziente. Ma la sua rappresentazione della chirurgia fu ritenuta troppo grafica, e il dipinto fu rifiutato dalla Philadelphia Centenary Exhibition (alcuni danno la colpa alle mani insanguinate del medico, altri sostengono che fu la figura femminile che si protegge gli occhi che lo mise in crisi). Tuttavia, un secolo dopo, il dipinto è stato finalmente riconosciuto come uno dei grandi capolavori del suo tempo per i suoi meriti artistici e scientifici.

4. Marcel Duchamp “Fountain,” 1917

Quando l’iconoclasta Marcel Duchamp presentò anonimamente un orinatoio di porcellana firmato “R. Mutt 1917” come scultura “readymade” alla Società degli Artisti Indipendenti, un gruppo noto per accettare qualsiasi artista che poteva venire con la tassa’ accadde l’impensabile: il pezzo fu rifiutato, anche se Duchamp stesso era un co-fondatore e membro del consiglio del gruppo. Alcuni si chiesero anche se il pezzo fosse una bufala, ma la rivista Dada The Blind Man difese l’orinatoio come arte perché l’artista lo aveva scelto. L’opera segnò un passaggio da ciò che Duchamp chiamava “retina”, o arte puramente visiva, a un modo più concettuale di espressione, dando il via a un dialogo che continua ancora oggi su ciò che effettivamente costituisce un’opera d’arte. Anche se tutto ciò che rimane dell’originale è una fotografia di Alfred Stieglitz (che gettò via l’opera) scattata per la rivista, molteplici riproduzioni autorizzate degli anni ’60 si trovano nelle principali collezioni di tutto il mondo.

5. Robert Rauschenberg, “Erased De Kooning”, 1953

In qualche modo, “Erased De Kooning” di Robert Rauschenberg è stato il presagio del dipinto autodistruttivo di Banksy. Ma nel caso del disegno del 1953, l’artista decise che l’opera originale doveva essere importante da sola. “Quando cancellavo solo i miei disegni, non era ancora arte”, disse Rauschenberg al SFMoMA nel 1999. Così chiamò il più venerato artista moderno dell’epoca, il mercuriale espressionista astratto Willem de Kooning, che, dopo un po’ di convincimento, diede all’artista più giovane un disegno con un mix di matita grassa e carboncino che richiese a Rauschenberg due mesi per essere cancellato. Ci volle circa un decennio perché si diffondesse la notizia dell’opera, che fu accolta con un misto di meraviglia (era un giovane genio che usurpava il maestro?) e disgusto (è vandalismo?). Una persona non particolarmente impressionata fu lo stesso de Kooning, che più tardi disse a un giornalista che inizialmente trovava l’idea “sdolcinata”, e che secondo alcuni si risentì del fatto che un’interazione così intima tra artisti fosse stata condivisa con il pubblico.

6. Yoko Ono, “Cut Piece,” 1964 / Marina Abramovic, “Rhythm 0,” 1974

Quando la performance art emerse come pratica artistica negli anni del dopoguerra, la forma d’arte spesso si spinse verso la provocazione e persino il pericolo. In “Cut Piece” di Yoko Ono, una performance del 1964, l’artista invitava il pubblico a prendere un paio di forbici e tagliare un pezzo dei suoi vestiti mentre lei sedeva immobile e in silenzio. “La gente era così scioccata che non ne parlava”, ricordò più tardi.

Dieci anni dopo, Marina Abramovic ha rivisitato inconsapevolmente il concetto con “Rhythm 0”, in cui l’artista ha fornito al pubblico 72 oggetti per fare ciò che “desiderava”. Insieme alle forbici, Abramovic ha offerto una serie di strumenti: una rosa, una piuma, una frusta, un bisturi, una pistola, un proiettile, una fetta di torta al cioccolato. Nel corso delle sei ore di performance, il pubblico è diventato sempre più violento, con uno che le prelevava sangue dal collo (“Ho ancora le cicatrici”, ha detto) e un altro che le puntava la pistola alla testa, accendendo una lotta anche all’interno della galleria (“Ero pronta a morire”). Il pubblico scoppiò in una lotta su quanto lontano portare le cose, e nel momento in cui la performance finì, ha ricordato la Abramovic, tutti scapparono per evitare di affrontare ciò che era successo. Da allora, la Abramovic è stata chiamata la madrina della performance art, con il suo lavoro spesso fisicamente estremo che continua a polarizzare spettatori e critici.

7. Judy Chicago, “The Dinner Party”, 1974-79

Con il suo “Dinner Party”, Judy Chicago si è proposta di difendere il riconoscimento delle donne nella storia e ha finito per fare lei stessa la storia dell’arte. Un’installazione complessa con centinaia di componenti, l’opera è un banchetto immaginario con 39 donne di tutta la mitologia e la storia – tra cui Sojourner Truth, Sacajawea e Margaret Sanger – ciascuna rappresentata a tavola con un posto a tavola, quasi tutte raffiguranti vulve stilizzate. Con il suo mix di immagini anatomiche e tecniche artigianali, l’opera è stata definita volgare e kitsch dai critici, ed è stata rapidamente satireggiata da una contro-esposizione che onorava donne di “dubbia distinzione”. Ma nonostante i detrattori, l’opera è ora vista come una pietra miliare dell’arte femminista, in mostra permanente al Brooklyn Museum.

8. Maya Lin, “Vietnam Veterans Memorial,” completato nel 1982

Maya Lin aveva solo 21 anni quando vinse la commissione che avrebbe lanciato la sua carriera e un dibattito nazionale. Il suo progetto per il Vietnam Veterans Memorial fu scelto da una giuria cieca, che non aveva idea che il vincitore fosse uno studente di architettura. Mentre il progetto proposto soddisfaceva tutti i requisiti, compresa l’incorporazione di 58.000 nomi di soldati che non sono mai tornati dalla guerra, la sua forma minimalista e sobria – due lastre di granito nero che sorgono dalla terra in una “V”, come una “ferita che è chiusa e sta guarendo”, ha detto Lin – è stata immediatamente oggetto di dibattito politico da parte di coloro che sentivano che non eroicizzava adeguatamente i soldati che onorava. Un veterano ha definito il progetto uno “squarcio nero di vergogna”, e 27 membri repubblicani del Congresso hanno scritto al presidente Ronald Reagan chiedendo che il progetto non fosse costruito. Ma Lin ha sostenuto la sua visione, testimoniando davanti al Congresso l’intenzione dietro l’opera. Alla fine si arrivò a un compromesso, quando un secondo classificato del concorso con tre soldati fu aggiunto nelle vicinanze per completare il tributo (una bandiera e il Women’s Memorial furono aggiunti successivamente). Con il crescere della distanza dalla guerra, le critiche al memoriale si sono attenuate.

9. Ai Weiwei, “Dropping a Han Dynasty Urn”, 1995

L’artista e attivista cinese Ai Weiwei è una delle figure più provocatorie dell’arte, e la sua pratica mette spesso in discussione le idee di valore e consumo. Nel 1995 l’artista ha fatto un cenno a Duchamp con “Dropping a Han Dynasty Urn”, un pezzo che ha definito un “readymade culturale”. Come implica il titolo, l’opera consisteva nel far cadere, e quindi distruggere, un’urna cerimoniale di 2000 anni fa. Non solo il vaso aveva un considerevole valore monetario (Ai avrebbe pagato diverse centinaia di migliaia di dollari per averlo), ma era anche un potente simbolo della storia cinese. La dissacrazione intenzionale di un artefatto storico è stata denunciata come immorale da alcuni, a cui l’artista ha risposto citando Mao Zedong, “l’unico modo di costruire un nuovo mondo è distruggere quello vecchio”. È un’idea a cui Ai ritorna, dipingendo un vaso simile con il logo della Coca Cola o con colori brillanti delle caramelle, mentre la gente discute se stia usando antichità autentiche o falsi. In ogni caso, il suo provocatorio corpo di lavoro ha ispirato altri atti di distruzione, come quando un visitatore di una mostra di Miami del lavoro di Ai ha distrutto un vaso dipinto in un atto illegale di protesta che rispecchiava quello di Ai.

10. Chris Ofili, “The Holy Virgin Mary,” 1996

Non è certo scioccante che una mostra chiamata “Sensation” abbia fatto scalpore, ma è proprio quello che è successo quando ha aperto a Londra nel 1997 con una serie di opere controverse dei cosiddetti Young British Artists: Il dipinto di Marcus Harvey dell’assassina Myra Hindley, la scultura in formaldeide di Damien Hirst, un’installazione di Tracey Emin intitolata “Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995)”, e la scultura di autoritratto di sangue di Marc Quinn. Quando la mostra arrivò al Brooklyn Museum due anni dopo, fu “The Holy Virgin Mary”, una Madonna di Chris Ofili a guadagnarsi il maggior disprezzo. Lo scintillante collage conteneva ritagli di riviste pornografiche e pezzi di sterco di elefante resinato, che i media riportarono erroneamente come “schizzato” sull’opera. Il sindaco di New York Rudy Giuliani minacciò di ritirare la sovvenzione di 7 milioni di dollari della città per la mostra, definendola “roba da malati”, mentre leader religiosi e celebrità si unirono alle proteste su fronti opposti. Due decenni dopo, il controverso dipinto di Ofili si è guadagnato un posto nell’arco della storia dell’arte e nella collezione permanente del Museum of Modern Art.