7 japán zenész, akik hatással voltak a világra

A japán zene – akár tudja a világ többi része, akár nem – régóta óriási hatással van a világ zenei irányzataira. Japán irigylésre méltó háború utáni underground szcénájától kezdve a J-pop e század megállíthatatlan felemelkedéséig a japán művészek olyan mozgalmak élére álltak, amelyek forradalmi lökéshullámokat indítottak el az egész világon, és 2019-ben a befolyásuk soha nem volt még ilyen széles körű és ilyen nyilvánvaló.

A japán zenészek munkásságának felfedezése hosszú utat tett meg John Zorn New Japan kiadójának és az internet első napjainak hírhedt labirintusszerű J-pop blogjainak napjai óta. Valójában az elmúlt 20 évben a japán zene fogyasztása példátlanul megnőtt, amit a streaming szolgáltatások és az olyan kollaboratív online platformok, mint a Reddit és a RateYourMusic (RYM) forradalmasítottak.

A befolyásos zenének többnek kell lennie, mint pusztán népszerűnek. És mégis, számtalan olyan japán zenész van, népszerű és nem népszerű, akik világszerte megszámlálhatatlanul sok műfaj pályáját változtatták meg visszafordíthatatlanul. Elég nyilvánvalóan ijesztő katalógusa van azoknak a művészeknek, akik megfelelnek ennek a kritériumnak, egy olyan lista, amely kétségtelenül több kötetet is meg tudna tölteni (gondoljunk csak röviden a Yoko Ono és a Merzbow, Hikaru Utada és Toru Takemitsu, Boris és Cornelius közötti hatalmas stílusbeli eltérésekre). Ez a lista, nem preferenciasorrendben, hét kedvencre sűríti ezt a számot, akik szerintem a legidőszerűbbek, és reprezentálják a japán zenészek különböző stílusokra és műfajokra gyakorolt hatásának szélességét.

Boredoms

A Bonnie C. Wade által “mániákusan extrém kakofóniaként” jellemzett Boredoms albumai és élő koncertjei csak “spirituális happeningként” vagy “kulturális eseményként” írhatók le. Az Oszakából származó zenekar az elmúlt 30 év során agresszív zaj, gyors punk, noise rock, krautrock, pszichedelikus rock, post rock, turntablism és minimalizmus (hogy csak néhányat említsünk) albumokat készített.

A Boredoms jelenlegi élő koncertjei köztudottan az extrém absztrakt performanszművészet, a dobosok nevetséges száma (két alkalommal 77 és 88) és a magával ragadó spiritualitás körül forognak. Nehéz elhinni, hogy ők ugyanaz a zenekar, akik a ’90-es évek végén a Sonic Youth és a Nirvana társaságában turnéztak, sőt 1994-ben a Lollapalooza nagyszínpadán is játszottak.

Azokra a fellépésekre visszagondolva még mindig zavarba ejtő, hogy ekkora népszerűségnek örvendtek. Nem annyira arról van szó, hogy nem voltak jók – sőt, a Boredoms mindig is meglehetősen következetesen hihetetlen volt -, hanem arról, hogy aligha voltak poprádió-érdemesek. Azonban a frontember Yamataka Eye folyamatos flörtölése az őrültséggel és a többnyire visszatérő dobos Yoshimi P-We naiv, improvizatív doboláshoz való hozzáállása sokak szemét nyitotta fel Japánon kívül, különösen az USA-ban, a Japanoise-ra.

A Boredoms beszivárgott az amerikai undergroundba, és nemcsak a Sonic Youth, a Nirvana és a Flaming Lips óriásaival kerültek kapcsolatba (a Yoshimi Battles the Pink Robots Yoshimi P-We-ról kapta a nevét, és az ő közreműködését tartalmazta), hanem tiszteletre méltó, mitikus előadóként is hírnevet szereztek. Az olyan albumok, mint a Super æ (1998) és a Vision Creation Newsun (1999) csak tovább építették a mítoszt, és a hatásuk számos különböző zenekar munkájában hallható, a zaj- és kísérleti rockzenekaroktól kezdve a Lightning Bolt, a Pink & Brown, a Battles és a Black Midi együtteseken át a pszichedelikus popot játszó Animal Collective-ig.

Már majdnem egy évtized telt el a Boredoms legtávolabbi hatásai óta, de a digitális média korának új, globális rajongásából profitáltak; a japán zenészek közül a legtöbbet utánzott és legismertebbek közé tartoznak.

Fishmans

Egyszerűen szólva, soha nem volt még egy olyan banda, mint a Fishmans. A Fishmans 1987-ben alakult egyszerű dub zenekarként, mielőtt végül a kísérleti dream pop és a neo-pszichedelia titánjaivá váltak volna, és Shinji Sato (ének), Kin-Ichi Motegi (dob) és Yuzuru Kashiwabara (basszusgitár) irányította őket.

Néhány diszkográfia meséli el olyan kielégítően egy együttes történetét, mint a Fishmansé, ami leginkább az utolsó négy lemezük által elért szédítő magasságok miatt igaz. A Kūchū Camp, a Long Season (mindkettőt a The Japan Times “a japán rock kánon vitathatatlan mérföldköveiként” jellemezte), az Uchū Nippon Setagaya és a 98.12.28 Otokotachi no Wakare abban az értelemben úttörőek, hogy sem előtte, sem utána senki sem szólt hozzájuk hasonlóan.

Túlzás nélkül állíthatjuk, hogy a Fishmans most népszerűbb, mint a ’90-es évekbeli életük során bármikor. Mégis, mivel kivételesen népszerűek mind a Reddit /mu/, mind a RYM oldalán, szinte azt hihetnénk, hogy a Fishmans már régóta ismert név. Rajongók ezrei ájulnak el Sato bájosan bunkó énekhangjától és Kashiwabara ragadós basszusgitárjaitól, és sokan kapcsolódnak az Otokotachi no Wakare tragikus hátteréhez. Sokak számára Sato halálának tragédiája visszamenőleg megváltoztatja a lemez hallgatásának módját, és a modern zenetörténet legnagyobb lemezeiről szóló vitákból kevés beszélgetés zárja ki a Fishmanst. Mindez annak ellenére, hogy a Fishmans katalógusa csak tavaly óta érhető el streamelésre, és az Otokotachi no Wakare – általában a legelismertebb munkájuk – soha nem jelent meg Japánon kívül.

A Fishmans hatása e lista bármely más előadójánál nagyobb mértékben nem annyira abban rejlik, hogy zeneileg mit inspirált (vagy legalábbis még nem), hanem abban, hogy milyen mértékben hatolt be a globális zenefanatikusok egy egész generációjának tudatába és diskurzusába. A Fishmanshez hasonló zenekarok egy generációban csak egyszer fordulnak elő. Húsz évvel később egyértelmű, hogy végre közel vannak ahhoz, hogy megkapják a megérdemelt elismerést.”

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono az Apryl Fool és a Happy End korai tagsága óta a japán popzene egyik alappillére. Hosono a Ryuichi Sakamotóval és Yukihiro Takahashival közös Yellow Magic Orchestra (1978-84) nevéhez fűződik a techno-kayo feltalálása, és a Kraftwerk és Giorgio Moroder mellett rendszeresen az elektronikus popzene egyik keresztapjaként tartják számon.

Hosono azonban egyedül stíluskísérleteinek széles skálájáról, produceri munkásságának kiterjedt listájáról és saját magát orientalizáló, egzotikus szólómunkájáról vált híressé. Kitörölhetetlen nyomot hagyott a modern japán zenetörténet néhány legnépszerűbb popalbumán, és mégis csak viszonylag nemrégen terjedt ki befolyása határozottan az YMO-val töltött napokon túlra. Hosono jellegzetesen játékos, színes popdallamai megalapozták bálványozását a slacker indie és weirdo pop előadók körében, a leghíresebb – és legjelentősebb – Mac DeMarco.

A stilisztikai hasonlóságoktól eltekintve DeMarco nyilvánosan elismerte bálványát, és még egy hivatalos feldolgozást is kiadott Hosono “Honey Moon” című dalából. Az év elején csatlakozott Hosono színpadára, hogy előadja azt, és azt is elismerte, hogy DeMarco 2 (2012) című albumát Hosono Hosono Hosono House (1973) című lemeze után stilizálta. Hosono szerepe DeMarco felemelkedésében figyelmen kívül hagyható lenne, csakhogy DeMarco könnyen az amerikai indie rock egyik leginkább utánzott és meghatározó előadója ebben az évtizedben.

A YMO-val való munkáján kívül is Hosono szólómunkái és Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki és a Pizzicato Five lemezeinek lenyomatai – nagyrészt a streaming révén – beszivárognak egy új generációhoz, amely szívesen elmélyedne hatalmas kiadványkatalógusában.

Keiji Haino

A performansz mestere és az avantgárd egyik legrejtélyesebb és nyughatatlanul innovatív figurája, Keiji Haino kijelenti, hogy zenéje olyan erős, mint a pszichedelikus drogok (amelyeket egyébként ő maga is állítja, hogy soha nem szedett). És egy ilyen erejű zenével nem csoda, hogy ilyen legendás és befolyásos avantgárd zenész.

Haino, akit lehetetlen egyetlen műfajhoz kötni, a szabad improvizációval, minimalizmussal, zajjal, drone-nal, költészettel és sok mással kapcsolatos munkásságáról ismert mind szóló munkáiban, mind számos más zenei projektjében (különösen a pszichedelikus Fushitsusha és a zajos Nijiumu). Annak ellenére, hogy 1973 és 2013 között kitiltották az NHK-ból, és általában a “zene” határán mozgó lemezeket készített, Haino a ’90-es években John Zorn Tzadik kiadóján keresztül misztikus és vad hangzású forradalmárként talált közönségre az Egyesült Államokban. Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O))))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, a Wilco és a Stereolab producere) és Christian Marclay nagytiszteletű alakja, Haino hatása nemcsak az említett művészekkel közös projektjeiben, hanem tágabb értelemben vett ethoszában is megmutatkozik.

Ezek a követői Japánon kívül a legfontosabb és legelismertebb heavy és kísérleti lemezeket készítették (valamint néhány generációt meghatározó lágyabb műfajú alkotást); ugyanolyan radikális filozófiájával és határokat feszegető megközelítésével átalakította a műfajokat. Egyszerűen fogalmazva, Haino nélkül az olyan lemezek, mint a Sun O)))) Monoliths and Dimensions, Jim O’Rourke Insignificance-ja, a Sonic Youth Murray Street-je vagy a Wilco Yankee Hotel Foxtrot-ja talán sosem szólalt volna meg úgy, ahogyan most.

Nujabes (Jun Seba)

Egy művész bálványozása halála után aligha ritka jelenség, de ritkán volt olyan súlyosan megérdemelt a széles körű posztumusz elismerés, mint az instrumentális hiphop úttörőjének, Nujabesnek (született Jun Seba) a zenéje. Nujabes 2010 februárjában egy közlekedési balesetben bekövetkezett tragikus halála óta öröksége csendben, exponenciálisan nőtt egy világszerte ismert hip-hop stílus megtestesítőjévé. Nujabes beatkészítésében az olyan amerikai előadók, mint Pete Rock és az A Tribe Called Quest jazz rapjét fafúvósokkal, kürtökkel és a spirituális jazz iránti intenzív elkötelezettséggel egészítette ki.

Az élő hangszerelés és a legkülönfélébb művészek – többek között Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis és Jean-Michel Jarre – mintái ötvözésével Nujabes beatjei számtalan műfajt hidalnak át ügyesen. Két stúdiólemeze, a Metaphorical Music és a Modal Soul ugyanolyan jól ismert, mint Shinichirō Watanabe Samurai Champloo című anime-sorozatának soundtrackjéről. Nujabes öröksége, amelyet a hiphopban a simább és dzsesszesebb hangszerelések iránti növekvő igény (valamint a hatalmas nemzetközi közönségre szert tett Samurai Champloo) hajtott, halála óta csak tovább nőtt.

Több mint a “japán J Dilla” (bár véletlenül ugyanazon a napon, 1984. február 7-én született), olyan különböző művészek ismerték el őt, mint a lengyel rapper Zeus és az amerikai rapperek SahBabii és Joey Bada$$, mint a kortárs hip hop alapvető és megkülönböztetett elődjét. A Lo-fi Hip Hop Radio és a világszerte felbukkanó különböző Nujabes Experience rendezvények révén egyértelmű, hogy Nujabes instrumentális hiphopjának hatása csak növekszik.

Perfume

Mióta 2008-ban először betörtek a J-pop színtérre, egyértelmű, hogy a Perfume nem egy átlagos bálványcsoport. Mind a hatalmas népszerűségük, mind pedig az a figyelemre méltó mérték, ahogyan ez a népszerűség a tengerentúlon ilyen jól lefordult, egyértelművé teszi, hogy atipikus és nem tisztán japán kulturális jelenségről van szó. Ha az YMO vezette be a technopop első hullámát, akkor a Perfume a másodikat. Nakata Yasutaka producer francia house és bossa nova iránti vonzódása olyan hangszereket hozott létre, amelyek semmi máshoz nem hasonlítottak abban az időben, míg Kashiyuka, A-chan és Nocchi éneke abnormálisan sötét volt. Monoton és autotuningolt, sci-fi, elektronikus éllel; mindhárman szöges ellentétben álltak Ayumi Hamasaki és Hikaru Utada énekeseivel.

A 2015-ben a texasi SXSW fesztiválon játszott, és olyan oldalakon, mint a Perfume City, LiveJournal, AllMusic és YouTube, angol nyelvű rajongói bázist hozott létre, a Perfume-ot a Cool Britannia japán megfelelőjének tekinthetjük. A Game (2008) és a Triangle (2009) című albumok számai mindenhol az indie DJ-szettek mindennapjaivá váltak, és végül világkörüli turnékkal is támogatták őket. Természetesen a Perfume hatása nagyrészt a popzenében és az EDM-ben rejlik. Madeon és Zedd, az EDM két leghíresebb DJ-je, mindketten elismerték a Perfume és Yasutaka munkájukra gyakorolt hatását. Bár Yasutaka később a Harajuku Kyary Pamyu Pamyu, egy másik egyedülálló és népszerű J-pop exportcikk producere lett, a Perfume volt az eredeti technopop megújítója.

Shiina Ringo

Az avant-pop királynője, Shiina Ringo azon kevés valóban befolyásos művészek egyike, akinek munkássága egyszerre képes megragadni a sztratoszférikus népszerűséget és a féktelen kreativitást. Japán egyik legnépszerűbb művésze, akit az art pop rajongók is imádnak az olyan oldalakon, mint a RateYourMusic. A 2000-es évek elején a felemelkedése megállíthatatlan volt; a Tokyo Jihen nevű kísérőzenekarával megtámogatva Ringo sötétebb, introspektív, gyakran szürreális szövegeket kombinált vad instrumentális kísérletezéssel, amely a J-popot a jazz, rock, noise pop, barokk pop, enka és elektronika elemeivel ötvözte.

A Time ázsiai kiadása a Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Bandhez hasonlította a Talk Samen Kuri no Hana című albumot, amelyet sokan a legnagyobb művészi nyilatkozatának tartanak. Ez az összehasonlítás teljesen jogos: ez egy furcsa, kaotikus zenei alkotás, amely szilárdan a popban foglal helyet, ugyanakkor figyelmetlenül húzza előre a műfajt. A Bjorkkal való gyakori összehasonlítások a következetesen úttörő, teljesen sajátos stílusáról és nagy energiájú, gyakran provokatív énekhangjáról tanúskodnak; bár Bjork aligha hasonlít Ringo saját maga által “Shinjuku-kei”-nek nevezett hangjára (az ikonikus Shibuya-kei indie pop stílusra való rájátszás).

Annak ellenére, hogy a tengerentúli hallgatók egyre nagyobb számban találják meg folyamatosan Ringo művét, kevesen tiltakoznak kritikai státusza ellen. Rajongói közé tartozik Lenny Kravitz, Courtney Love és még a Perfume-os Nocchi is, míg olyan feltörekvő londoni popsztárok, mint Rina Sawayama alapvető hatásként sorolják fel. A japán-amerikai zenész, Mitski nevezetesen őt sorolta fel az egyik legfontosabb hatásaként legutóbbi albumán, a 2018-as, kritikusok által is elismert Be the Cowboy című albumán. Ringo munkássága vitathatatlanul megnyitotta az utat a szélesebb nemzetközi közönség előtt más női vezetésű, nagy intenzitású japán előadók, például Midori, Tricot és Otoboke Beaver előtt, és az art popra gyakorolt hatásának megbecsülése tagadhatatlan és egyre nő.