10 műalkotás, amely igazán megőrjítette az embereket

A művészek a történelem során sosem riadtak vissza a vitáktól – sőt, sokan még a hírhedtségnek is megpróbálnak udvarolni. (Kell bizonyíték? Nézze csak meg Banksyt, a névtelen utcai művészt, aki nemrégiben olyan művet alkotott, amely abban a pillanatban önmegsemmisült, amikor eladták az árverésen – 1,37 millió dollárért). Bár a kritikusok és a történészek feladata, hogy vitatkozzanak a technikáról és a művészi érdemekről, vannak olyan műalkotások, amelyek a legtöbb embert sokkolták, aki látta őket. A korukhoz képest túl szemérmetlennek, túl durvának vagy túl véresnek ítélt festményektől kezdve az úgynevezett gyalázkodásokon át az erőteljes politikai állásfoglalásokig ezek a valaha készült legvitatottabb műalkotások.

1. Michelangelo, “Az utolsó ítélet”, 1536-1541

Mivel 25 évvel a Sixtus-kápolna mennyezetének elkészülte után a reneszánsz polihisztor Michelangelo visszatért a Vatikánba, hogy egy olyan freskón dolgozzon, amelyről évszázadokig vitatkoznak majd. Krisztus második eljövetelének ábrázolása az “Utolsó ítéletben”, amelyen 1536 és 1541 között dolgozott, azonnali vitát váltott ki az ellenreformációs katolikus egyház részéről. A vallási tisztségviselők több okból is felszólaltak a freskó ellen, többek között a stílus miatt, amellyel Michelangelo Jézust festette (szakáll nélkül és a pogány mitológia klasszikus stílusában). A legmegdöbbentőbb azonban a festmény 300, többnyire férfi és többnyire meztelen alakja volt. A fügefalevél-kampánynak nevezett lépés során később szövet- és növénydarabokat festettek a sértő anatómia fölé, amelyek közül néhányat később egy 20. századi restaurálás részeként eltávolítottak.

2. Caravaggio, “Szent Máté és az angyal”, 1602

Caravaggio barokk festő élete talán vitatottabb, mint bármelyik műve, tekintettel arra, hogy száműzetésben halt meg, miután gyilkossággal vádolták. De vallási megrendeléseihez való szokatlanul humanista hozzáállása a maga korában minden bizonnyal felhúzta a szemöldököt. A mára elveszett “Szent Máté és az angyal” című festményén, amelyet a római Contarelli-kápolna számára készített, Caravaggio megfordította a konvenciókat azzal, hogy egy szegény parasztot használt a szent modelljeként. A kritikusokat azonban leginkább Szent Máté piszkos lábai háborították fel, amelyek illuzionisztikusan mintha kiállnának a vászonból (a művész visszatérő vizuális trükkje), valamint az a mód, ahogyan a kép azt sugallta, hogy a férfi írástudatlan, mintha egy angyal olvasna neki. A művet végül elutasították, és a “Szent Máté megihletése” című alkotással helyettesítették, amely hasonló, de színvonalasabb ábrázolása a jelenetnek.

3. Thomas Eakins, “The Gross Clinic”, 1875

Az amerikai művészet eme ikonja a nemzet századik évfordulójára készült, amikor Thomas Eakins festő mind tehetségét, mind a philadelphiai Jefferson Medical College tudományos eredményeit szerette volna megmutatni. A realista festmény egy sebészeti amfiteátrum közepébe helyezi a nézőt, ahol Dr. Samuel Gross orvos előadást tart a betegeken operáló diákoknak. A műtét tárgyilagos ábrázolását azonban túlságosan szemléletesnek ítélték, és a képet a philadelphiai centenáriumi kiállításon elutasították (egyesek az orvos véres kezét okolják, mások szerint a szemét védő női alak volt az, ami miatt a képet elutasították). Egy évszázaddal később azonban a festményt végül mind művészi, mind tudományos érdemei alapján korának egyik legnagyobb remekműveként ismerték el.

4. Marcel Duchamp “Szökőkút”, 1917

Amikor az ikonoklasztikus Marcel Duchamp névtelenül beküldött egy porcelán piszoárt, amelynek aláírása: “R. Mutt 1917” című “readymade” szoborként a Független Művészek Társaságához, egy olyan csoporthoz, amely köztudottan minden olyan művészt befogadott, aki elő tudta teremteni a díjat’, az elképzelhetetlen történt: a művet elutasították, annak ellenére, hogy maga Duchamp is társalapítója és vezetőségi tagja volt a csoportnak. Egyesek még azon is elgondolkodtak, hogy a mű átverés-e, de a The Blind Man című dadaista folyóirat megvédte a piszoárt mint művészetet, mert a művész választotta. A mű a Duchamp által “retinálisnak”, azaz tisztán vizuálisnak nevezett művészetről a konceptuálisabb kifejezésmód felé való elmozdulást jelentette – és egy olyan párbeszédet indított el, amely a mai napig tart arról, hogy mi is a műalkotás. Bár az eredetiből csak egy Alfred Stieglitz által a magazin számára készített fénykép maradt fenn (aki eldobta a művet), több, az 1960-as évekből származó, engedélyezett reprodukció található a világ jelentős gyűjteményeiben.

5. Robert Rauschenberg, “Radírozott De Kooning”, 1953

Robert Rauschenberg “Radírozott De Kooning” című műve bizonyos szempontból megelőlegezte Banksy önmegsemmisítő festményét. Az 1953-as rajz esetében azonban a művész úgy döntött, hogy az eredeti műnek önmagában is fontosnak kell lennie. “Amikor csak kitöröltem a saját rajzaimat, az még nem volt művészet” – mondta Rauschenberg 1999-ben az SFMoMA-nak. Ezért felkereste a kor legelismertebb modern művészét, a higanyos absztrakt expresszionistát, Willem de Kooningot, aki némi győzködés után egy zsírceruzaművészet és szén keverékével készült rajzot adott a fiatalabb művésznek, amelynek letörlése Rauschenbergnek két hónapjába telt. Körülbelül egy évtizedbe telt, mire a mű híre elterjedt, amikor a csodálkozás (Egy fiatal zseni bitorolja a mestert?) és az undor (Vandalizmus?) keveréke fogadta. Maga de Kooning sem volt különösebben lenyűgözve, aki később azt mondta egy riporternek, hogy kezdetben “giccsesnek” találta az ötletet, és egyesek szerint nehezményezte, hogy a művészek közötti ilyen intim interakciót megosztották a nyilvánossággal.

6. Yoko Ono, “Cut Piece”, 1964 / Marina Abramovic, “Rhythm 0”, 1974

Amint a háború utáni években a performanszművészet mint művészeti gyakorlat kialakult, a művészeti forma gyakran a provokáció, sőt a veszély felé tolódott. Yoko Ono 1964-es “Cut Piece” című performanszában a művész arra kérte a közönséget, hogy fogjon egy ollót, és vágjon le egy darabot a ruhájából, miközben ő mozdulatlanul és némán ült. “Az emberek annyira megdöbbentek, hogy nem beszéltek róla” – emlékezett vissza később.

Tíz évvel később Marina Abramovic tudtán kívül újra elővette a koncepciót a “Rhythm 0” című előadással, amelyben a művész 72 tárgyat adott a közönségnek, hogy azt tegyék, amit “kívánnak”. Az olló mellett Abramovic számos eszközt kínált: egy rózsát, egy tollat, egy ostort, egy szikét, egy pisztolyt, egy golyót, egy szelet csokoládétortát. A hatórás előadás során a közönség egyre erőszakosabbá vált, egyikük vért húzott a nyakából (“még mindig megvannak a hegek” – mondta), egy másik pedig pisztolyt tartott a fejéhez, ami még a galérián belül is verekedést szított (“kész voltam meghalni”). A közönség veszekedésbe tört ki azon, hogy meddig menjenek el a dolgok, és Abramovic visszaemlékezése szerint abban a pillanatban, amikor az előadás véget ért, mindenki elrohant, hogy ne kelljen szembesülnie a történtekkel. Azóta Abramovicot a performanszművészet keresztanyjának nevezik, és gyakran fizikailag extrém munkái továbbra is polarizálják a nézőket és a kritikusokat egyaránt.

7. Judy Chicago, “The Dinner Party”, 1974-79

A “Dinner Party”-val Judy Chicago a nők elismeréséért szállt síkra a történelem során – és végül maga is művészettörténelmet írt. A több száz alkotóelemet tartalmazó, összetett installáció egy elképzelt bankett, amelyen a mitológia és a történelem 39 nője – köztük Szojourner Truth, Sacajawea és Margaret Sanger – szerepel, akiket egy-egy terítékkel képviselnek az asztalnál, és amelyek szinte mindegyike stilizált szeméremtestet ábrázol. Az anatómiai képek és a kézműves technikák keveredésével a művet a kritikusok vulgárisnak és giccsesnek titulálták, és a “kétes hírű” nők tiszteletére rendezett ellenkiállítás hamarosan szatirizálta. De a kritikusok ellenére a művet ma már a feminista művészet mérföldkövének tekintik, és a Brooklyn Museum állandó kiállításán látható.

8. Maya Lin, “Vietnam Veterans Memorial”, 1982-ben készült

Maya Lin mindössze 21 éves volt, amikor elnyerte a megbízást, amely elindította karrierjét – és egy országos vitát. A vietnami veteránok emlékművére készített tervét egy vak zsűri választotta ki, amelynek fogalma sem volt arról, hogy a győztes tervező építészhallgató. Bár a javasolt terv minden követelménynek megfelelt, beleértve a háborúból soha vissza nem tért katonák 58 000 nevének feltüntetését, minimalista, visszafogott formája – két fekete gránittábla, amelyek “V alakban” emelkednek ki a földből, mint egy “bezárt és gyógyuló seb”, ahogy Lin mondta – azonnal politikai vitát váltott ki azok részéről, akik úgy érezték, hogy nem heroizálja megfelelően a katonákat, akik előtt tiszteleg. Egy veterán “a szégyen fekete sebének” nevezte a dizájnt, és 27 republikánus kongresszusi képviselő levélben követelte Ronald Reagan elnöktől, hogy a dizájnt ne építsék meg. Lin azonban kiállt elképzelése mellett, és a kongresszus előtt tanúskodott a mű mögött meghúzódó szándékról. Végül kompromisszumra jutottak, amikor a verseny második helyezett pályaművét, amely három katonát ábrázolt, a közelben helyezték el, hogy teljes legyen a tiszteletadás (később egy zászlót és egy női emlékművet is elhelyeztek). Ahogy nőtt a távolság a háborútól, úgy enyhült az emlékművel szembeni kritika.

9. Ai Weiwei, “Dropping a Han Dynasty Urn,” 1995

A kínai művész és aktivista Ai Weiwei a művészet egyik legprovokatívabb alakja, gyakorlata gyakran kérdőjelezi meg az értékről és a fogyasztásról alkotott elképzeléseket. A művész 1995-ben Duchamp-ra bólintott a “Dropping a Han Dynasty Urn” című művével, amelyet “kulturális readymade”-nek nevezett. Ahogy a cím is jelzi, a mű egy 2000 éves szertartási urna leejtéséből, és ezáltal megsemmisítéséből állt. Az edény nemcsak jelentős pénzbeli értékkel bírt (Ai állítólag több százezer dollárt fizetett érte), hanem a kínai történelem erőteljes szimbóluma is volt. Egy történelmi műtárgy szándékos meggyalázását egyesek etikátlannak ítélték, amire a művész Mao Zedongot idézve válaszolt: “az új világ építésének egyetlen módja a régi világ elpusztítása”. Ai visszatér erre a gondolatra, és egy hasonló edényt a Coca Cola logójával vagy élénk cukorkaszínekkel fest meg, miközben az emberek arról vitatkoznak, hogy valódi régiségeket vagy hamisítványokat használ-e fel. Akárhogy is, provokatív munkássága más rombolási akciókat is inspirált – például amikor egy látogató Ai munkáiból rendezett miami kiállításon összetört egy festett edényt egy illegális tiltakozó akcióban, amely Ai sajátját tükrözte.

10. Chris Ofili, “The Holy Virgin Mary,” 1996

Aligha megdöbbentő, hogy egy “Sensation” nevű kiállítás nagy port kavart, de éppen ez történt, amikor 1997-ben Londonban megnyílt az úgynevezett Young British Artists számos ellentmondásos művével: Marcus Harvey festménye a gyilkos Myra Hindley-ről, Damien Hirst cápát formaldehidben ábrázoló szobra, Tracey Emin “Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995)” című installációja és Marc Quinn vérből készült önarckép-szobra. Amikor a kiállítás két évvel később a Brooklyn Museumba került, a legtöbb gúnyt Chris Ofili “The Holy Virgin Mary” című Madonnája váltotta ki. A csillogó kollázs pornográf magazinkivágásokat és gyantával bevont elefánttrágyát tartalmazott, amelyről a média tévesen azt jelentette, hogy “szétfröccsent” a művön. Rudy Giuliani, New York polgármestere azzal fenyegetőzött, hogy visszavonja a város 7 millió dolláros támogatását a kiállításra, és “beteges dolognak” nevezte a kiállítást, miközben vallási vezetők és hírességek csatlakoztak a tiltakozáshoz. Két évtizeddel később Ofili ellentmondásos festménye helyet kapott a művészettörténet ívében – és a Modern Művészetek Múzeumának állandó gyűjteményében.