Découvrez l’histoire fascinante derrière ‘Ophelia’, une peinture préraphaélite emblématique

John Everett Millais, « Ophelia, » vers 1851 (Photo : Google Art Project )

En 1848, une société secrète d’artistes prend racine dans l’Angleterre victorienne. Connus sous le nom de préraphaélites, les membres de cette confrérie croyaient que la peinture s’était épanouie avant la Renaissance, citant l’approche idéaliste du sujet par Raphaël comme la chute de la discipline séculaire.

Pour ramener la peinture à son âge d’or, les préraphaélites se sont regroupés, unifiés non pas par un style spécifique mais par le désir « d’avoir des idées authentiques à exprimer » – et la volonté « d’étudier attentivement la nature, afin de savoir comment les exprimer. » John Everett Millais, l’un des fondateurs du mouvement, a incarné cette approche avec son Ophélie, un tableau préraphaélite poignant et poétique.

Préparation de la scène

William Holman Hunt, « Sir John Everett Millais, » 1853 (Photo : Wikimedia Commons )

L’artiste anglais John Everett Millais (1829-1896) a commencé à peindre Ophélie en 1851 – juste trois ans après que lui, William Holman Hunt et Dante Gabriel Rossetti aient cofondé la confrérie préraphaélite.

Dès son jeune âge, Millais a été formé comme un peintre traditionnel. À seulement onze ans, il devient le plus jeune étudiant admis dans les prestigieuses écoles de la Royal Academy. Au cours des années suivantes, il excellera en tant que peintre historique avant de subvertir le programme centré sur la Renaissance de l’académie avec des peintures avant-gardistes comme Ophélie.

Mignon Nevada en tant qu' »Ophélie », photographie en négatif de verre, vers. 1910 (Photo : Wikimedia Commons )

Rendu à l’huile sur une toile de 30 par 44 pouces, le tableau représente la mort d’Ophélie, un personnage de la pièce Hamlet de William Shakespeare (vers 1599-1601). Dans la pièce, Ophélie est rendue folle et se noie après avoir découvert que son partenaire, Hamlet, a tué son père. Si la scène de sa mort n’est pas explicitement jouée dans la pièce, elle est décrite avec des détails poétiques par la mère d’Hamlet, la reine Gertrude, dans l’acte IV, scène vii :

« Il y a un saule qui pousse aslant un ruisseau,
qui montre ses feuilles goudronnées dans le ruisseau vitreux;
C’est là qu’elle est venue avec des guirlandes fantastiques
de fleurs de corbeau, d’orties, de marguerites, et de longues violettes
que les bergers libéraux donnent un nom plus grossier,
mais que nos froides servantes appellent des doigts d’hommes morts :
Là, sur les rameaux pendants, sa couronne de mauvaises herbes
Clambe pour s’accrocher, un éclat envieux se brisa;
Quand ses trophées de mauvaises herbes et elle-même
Tombèrent dans le ruisseau en pleurs. Ses vêtements s’écartèrent;
et, telle une sirène, ils la portèrent un moment:
pendant ce temps elle chanta des bribes de vieux airs;
comme quelqu’un incapable de sa propre détresse,
ou comme une créature native et induite
dans cet élément : Mais cela ne pouvait durer longtemps
Jusqu’à ce que ses vêtements, lourds de leur boisson,
Tirent la pauvre malheureuse de son lit mélodieux
à la mort boueuse. »

Le tableau de Millais dépeint Ophélie quelques instants après qu’elle soit « tombée dans le ruisseau qui pleure » alors qu’elle essayait de draper des guirlandes de fleurs sauvages « sur les branches pendantes » d’un arbre. Si ses jupes de « sirène » l’ont d’abord maintenue à flot, elles deviennent rapidement « lourdes de leur boisson ». Alors qu’elle coule, elle chante doucement pour elle-même, jusqu’à ce qu’elle rencontre sa tragique  » mort boueuse « . »

Le processus de peinture

John Everett Millais, Étude pour « Ophélie », 1852 (Photo : Wikimedia Commons )

Afin de saisir pleinement l’esprit de cette « mort boueuse », Millais a choisi de peindre en plein air (« en plein air ») – une technique préraphaélite déterminante. Pendant cinq mois, il a installé un camp sur les rives de la rivière Hogsmill dans le Surrey, au sud-est de l’Angleterre, et s’est attelé à documenter les plantes locales dans un processus minutieux et douloureux.

« Mon martyre est plus éprouvant que tout ce que j’ai connu jusqu’à présent », se lamente-t-il. « Les mouches du Surrey sont plus musclées, et ont une propension encore plus grande à sonder la chair humaine . . . Je suis menacé d’une citation à comparaître devant un magistrat pour avoir pénétré dans un champ et détruit le foin… Je suis également en danger d’être emporté par le vent dans l’eau, et de devenir intime avec les sentiments d’Ophélie lorsque cette dame a sombré dans une mort boueuse, ainsi que la disparition totale (moins probable), par la voracité des mouches. »

Elizabeth Siddal, le modèle de Millais âgé de dix-neuf ans, n’a pas eu la vie plus facile. Artiste et muse favorite de Millais et de ses collègues préraphaélites (dont son futur mari, Dante Gabriel Rossetti), Siddal connaissait bien le processus de pose pour les peintures. Jouer le rôle d’une Ophélie en train de se noyer s’est toutefois avéré être une tâche particulièrement difficile. Vêtue de ce que Millais a décrit avec enthousiasme comme une « robe ancienne de dame vraiment splendide, toute fleurie de broderies d’argent », Siddal a posé dans un bain rempli d’eau. Au cours d’une séance, les lampes à huile chargées de maintenir l’eau chaude se sont éteintes, ce qui a rendu Siddal gravement malade. (Millais a célèbrement payé ses factures médicales à la demande de son père.)

Après ce processus créatif moins qu’idéal (« Certainement la peinture d’un tableau dans de telles circonstances serait une plus grande punition pour un meurtrier que la pendaison », a remarqué Millais), Ophélie a été achevée en 1852 et exposée à la Royal Academy of Art la même année.

Héritage florissant

Détail de ‘Ophélie’

Bien qu’Ophélie ait été initialement accueillie par des critiques mitigées (un critique l’a qualifiée de « tour de force de la représentation détaillée », tandis qu’un autre l’a jugée « perverse »), elle a depuis lors fini par signifier le sommet de la peinture préraphaélite. Outre l’accent mis par le mouvement sur le naturalisme, le tableau incarne également la floriographie, ou « langage des fleurs ».

Délicatement rendue dans une gamme de tons de bijoux, la flore flottante d’Ophélie est l’un des motifs les plus célèbres du tableau. Ces plantes détaillées, cependant, sont plus que ce que l’on peut voir, car chacune d’entre elles sert de symbole. Certaines des plantes figurant dans le tableau sont mentionnées par Shakespeare, qui a célèbrement attribué des significations aux fleurs ; d’autres ont été ajoutées de manière réfléchie par Millais, qui avait cultivé un intérêt pour le « langage des fleurs » – un phénomène dans lequel la flore est utilisée pour communiquer des messages codés.

« Les roses près de la joue et de la robe d’Ophélie, et la rose des champs sur la rive, peuvent faire allusion à son frère Laertes qui l’appelait « rose de mai » », explique Tate. « Le saule, l’ortie et la marguerite sont associés à l’amour délaissé, à la douleur et à l’innocence. Les pensées font référence à l’amour vain. Les violettes, qu’Ophélie porte en chaîne autour du cou, représentent la fidélité, la chasteté ou la mort des jeunes, toutes ces significations pouvant s’appliquer ici. Le coquelicot signifie la mort. Les myosotis flottent dans l’eau. »

Bien qu’enraciné dans l’Antiquité, ce principe était devenu exceptionnellement populaire dans l’Angleterre victorienne – et, avec les fleurs chéries d’Ophélie au premier plan, il continuera sans aucun doute à fleurir pour les années à venir.

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