Comment l’Americana s’est généralisé dans les années 2010

Quelques années seulement après la fondation de l’Americana Music Association, le format radiophonique amateur a connu une renaissance improbable avec le succès fulgurant de O Brother, Where Art Thou ? de 2001, qui mettait en vedette des pionniers du roots comme Ralph Stanley et John Hartford aux côtés de leurs héritiers modernes comme Gillian Welch et Alison Krauss. À la fin des années Aughts, la résurgence folk-rock florissante d’artistes comme Welch, Avett Brothers, Kathleen Edwards, Old Crow Medicine Show, Conor Oberst et les Felice Brothers a contribué à accroître la visibilité critique et l’élan populaire de la musique.

Mais le terme Americana n’avait jamais été attaché à un acte dans le courant populaire jusqu’à ce que Mumford &Sons soit introduit en masse aux États-Unis en 2010. C’était une tempête parfaite pour le genre en devenir : deux semaines avant la sortie de Sigh No More aux États-Unis, les Grammys ont décerné leur tout premier prix pour le meilleur album Americana (à Electric Dirt de Levon Helm). L’année suivante, le Merriam-Webster a ajouté le terme musical « Americana » (aux côtés de mots comme « Tweet ») à son dictionnaire, le définissant, quoique de façon précise, comme « un genre de musique américaine ayant des racines dans les débuts du folk et de la country music. »

Call it Genericana (comme Jason Isbell l’a fait une fois) si vous voulez. Mais au cours de la dernière décennie, la communauté de la musique roots, éternellement difficile à définir, a explosé en un genre pop à faible encombrement et commercialement viable. Elle a commencé les années 2010 comme un coin encore niché de l’industrie musicale de Nashville avant de se transformer en une véritable force grand public qui a fortement influencé le Top 40 de la pop et de la country, depuis les grands noms de la dance-pop comme Avicii et Kesha jusqu’aux grands noms de la country comme Chris Stapleton et Zac Brown Band. Pendant tout ce temps, la dernière décennie d’Americana a servi de terreau pour la collaboration entre les générations, un espace pour les dialogues de passage de flambeau entre des légendes comme John Prine, Loretta Lynn, Mavis Staples et des artistes – Kacey Musgraves, Margo Price, Rhiannon Giddens et Brandi Carlile – qui sont assez jeunes pour être leurs petits-enfants.

Le succès inattendu de groupes comme Mumford & Sons et leurs compatriotes les Lumineers et les Avett Brothers a montré au reste de l’industrie musicale qu’il y avait un large public pour la musique pop présentée avec des banjos, des kickdrums et des guitares acoustiques rapidement chantées, et l’industrie Americana a répondu en nature. En 2010, les artistes émergents nommés de l’année aux prix annuels Americana Honors & étaient de petits troubadours country/folk comme Corb Lund, Joe Pug et Sarah Jarosz ; en 2011, les artistes émergents nommés de l’année, les Civil Wars et Mumford & Sons, ont vendu plus de deux millions d’albums équivalents combinés.

Le récit de la décennie faste de l’Americana a également reflété l’explosion de la gentrification dans la ville de Nashville, qui a connu une période de croissance massive de son économie, de son développement et de son tourisme au cours des 10 dernières années. En 2015, des artistes comme Aaron Lee Tasjan parodiaient déjà cette scène hypertrophiée :  » Des groupes d’Americana et du crack « , chantait-il sur  » E.N.S.A.A.T « ,  » Déménagez à East Nashville/Écrivez une chanson sur un train. « 

Mais avant qu’elle ne soit parodiée en chanson, les premières années de la décennie ont produit un épanouissement artistique fondateur à East Nashville, avec de superbes disques d’artistes locaux comme Caitlin Rose, Andrew Combs, Jonny Fritz et la légende du quartier Todd Snider, tous sortis à quelques mois d’intervalle. En 2019, tous ces artistes avaient soit quitté le quartier, soit carrément fui la ville, soit mis en pause leur carrière musicale, soit étaient devenus agents immobiliers à Los Angeles.

La vague de succès de Mumford &Sons au Top 40 n’a jamais donné lieu au type de frénésie d’alimentation du banjo des majors qui a eu lieu pendant les années 90 grunge post-Nirvana, selon John P. Strohm, le directeur du label roots de Nashville, Rounder Records ; les labels de l’ère de la récession post-piratage et pré-streaming n’avaient tout simplement pas l’argent. Mais le son de Mumford, avec ses claquements de mains et ses « stomp-and-holler », a ouvert la voie à l’Americana, qui s’apparente à la pop, ou du moins à une musique grand public. En décembre 2012, les seuls artistes dont les chansons étaient plus haut dans le Hot 100 que les Lumineers (qui ont obtenu un succès avec « Ho Hey ») étaient Rihanna et Bruno Mars. Quelques années après l’arrivée de Mumford, des titans du Top 40 comme Imagine Dragons exploitaient leur modèle sonore, Kesha et Pitbull faisaient passer en contrebande un riff d’harmonica blues-rock au sommet des charts, et Avicii enrôlait le pilier de Oh Brother, Where Art Thou ? Dan Tyminski pour chanter sur ses disques EDM.

Le succès de la musique pop-roots a également contribué à solidifier l’esthétique folk-strumming comme une mine d’or pour les synchros et les publicités et a montré à des institutions comme l’Americana Music Association, dont l’objectif déclaré est de promouvoir la viabilité de la musique roots, que leur projet fonctionnait.

Marcus Mumford a également joué un rôle central dans Inside Llewyn Davis, le film de 2012 qui a servi de reboot de la musique roots Oh Brother, Where Art Thou de T Bone Burnett avec les frères Coen. Le film, et le film-concert qui l’accompagne, Another Day, Another Time, a fait appel à des vedettes comme Justin Timberlake, Oscar Isaac, Jack White et Mumford pour mettre en lumière une flopée de stars émergentes de l’Americana de la décennie suivante, comme les Punch Brothers et Rhiannon Giddens (le concert au Town Hall a servi de rampe de lancement industrielle pour la carrière solo de cette dernière).

Mais après l’éphémère boom du Top 40 de 2011 à 2014, au milieu de la décennie, l’Americana s’était largement réorientée vers des auteurs-compositeurs-interprètes aux racines profondes comme Shakey Graves, Sarah Jarosz, Sturgill Simpson et Jason Isbell, que GQ a surnommé le « roi de l’Americana » en 2016. Dans le même temps, l’Americana a cherché à élargir ses frontières, incorporant des jeunes pousses roots comme Leon Bridges et Alabama Shakes, alors que le genre revendiquait de plus en plus des lignées comme le blues et le R&B dans sa définition toujours plus large. « Si vous pouvez goûter la terre à travers vos oreilles, c’est de l’Americana », a déclaré le président de l’AMA, Jed Hilly, dans un commentaire aussi commercialement commode que dénué de sens, en 2016.

Peut-être qu’aucun moment des 10 dernières années n’a mieux illustré les politiques raciales et de genre de plus en plus épineuses de l’Americana que la performance virale de la star émergente du country Chris Stapleton aux CMA Awards de 2015 avec l’influenceur secret de l’Americana des années 2010 Justin Timberlake. Dans une dose concentrée d’interpolation Americana aux yeux bleus des traditions musicales noires qui pourrait lancer une douzaine de dissertations d’études américaines, le duo a interprété l’interprétation du premier de « Tennessee Whiskey » de George Jones sur une mélodie d’Etta James avant de passer à l’interprétation pop de la soul de Memphis par Timberlake dans 20/20 Experience. L’année suivante, après avoir porté son country-rock-soul des années 70 au sommet des charts country, Chris Stapleton a été nommé artiste de l’année aux Americana Music Awards.

Le baptême de Stapleton en tant que superstar hybride de la musique Americana/country a coïncidé avec une résurgence et une renaissance plus larges des sons country des années 70 à la moitié de la décennie. Les stylistes rétro Margo Price et Sturgill Simpson ont été propulsés simultanément sous les feux des projecteurs nationaux, chacun des héritiers du honky-tonk faisant ses débuts au Saturday Night Live à moins d’un an d’intervalle. Des artistes comme Simpson et son homologue du Kentucky Tyler Childers, deux piliers de l’Americana qui rejetteraient sûrement cette désignation, ont obtenu des contrats avec des grands labels grâce au succès de bouche à oreille de leurs disques de country à l’ancienne. Des albums comme Traveller de Stapleton et Metamodern Sounds in Country Music de Simpson ont offert à l’industrie un succès inattendu à combustion lente, se vendant à des centaines de milliers d’exemplaires.

En 2018, Hollywood a tourné son regard vers l’Americana pour le blockbuster de Lady Gaga, A Star Is Born. Bradley Cooper a joué un troubadour roots-rock flétri dont la chanson thème a été écrite par Isbell, tandis que Brandi Carlile et Lukas Nelson sont tous deux apparus dans le film. Le cerveau musical derrière la forge de ces mondes était Dave Cobb, qui a servi de consultant musical du film et de producteur de sa bande sonore après être devenu le producteur Americana le plus demandé de la décennie sur la base de son succès avec Isbell et Stapleton.

La même année, Kacey Musgraves, adoratrice de John Prine et deux fois nommée aux Americana Awards, a fait irruption dans le grand public avec Golden Hour, gagnant une fanbase pop de grande tente et remportant l’album de l’année aux Grammys. Malgré la viabilité grand public accrue de l’Americana, en 2018, Musgraves n’était que la plus médiatisée de toute une légion d’auteurs-compositeurs-interprètes aux racines country/folk qui tentaient de se détourner de ce qu’ils percevaient comme les limites idéologiques trop strictes du genre. « Bien que j’aime l’Americana et la musique roots, j’ai l’impression qu’il y a parfois un concours sur la façon dont vous pouvez vous prouver que vous êtes country ou traditionaliste », a-t-elle déclaré en 2018.

Parlez à la plupart des auteurs-compositeurs-interprètes basés à Nashville qui avaient fait des disques « Americana » d’inspiration country au début de la décennie, et ils vous diront probablement quelque chose de similaire : Les limites étroites de l’Americana sont devenues trop restrictives ; s’habiller comme un cow-boy troubadour a commencé à ressembler à une ruse ; les artistes ont ressenti un désir croissant d’explorer toute l’étendue de leurs influences artistiques. Des groupes comme John Moreland et Dawes ont commencé à expérimenter des textures sonores plus variées ; d’autres, comme Caroline Rose, Brittany Howard et Leon Bridges, se sont carrément tournés vers des genres différents (synth-pop, rock inspiré de Prince et R&B contemporain, respectivement).

Que pourraient apporter les années 2020, alors, à l’Americana ? Malgré ses artistes transfuges et ses sceptiques, la communauté a terminé la décennie sur une note florissante, avec des superstars nouvellement aspirées comme Brandi Carlile qui ont fait salle comble au Madison Square Garden quelques jours après être devenue l’artiste de l’année 2019 aux Americana Honors. Pendant ce temps, des artistes en pleine ascension comme Yola et J.S. Ondara continuent de montrer une voie nouvelle, plus variée sur le plan musical et de la représentation, pour la communauté. La première a obtenu une nomination en tant que meilleur nouvel artiste aux Grammys sur la base de la force de son premier pastiche pop-roots idiosyncrasique Walk Through Fire ; le second apporte une perspective intangiblement globale à son folk de café.

En 2017, plusieurs années avant qu’elle ne devienne l’une des plus brillantes nouvelles venues du genre, Yola a parlé de la diversité de l’expression sonore comme étant la clé de la durabilité à long terme du genre. « La chose la plus facile à faire serait que les gens réagissent au succès d’un certain artiste et se disent : nous pouvons simplement faire ce qu’ils font ; reproduisons ces artistes, 50 000 fois plus », a-t-elle déclaré à Rolling Stone. « Aussi génial que soit Chris Stapleton, la différence est importante. C’est la force du genre, c’est le grand sens de la variation des styles. »

La « grâce salvatrice » de l’Americana, a-t-elle poursuivi, c’est « qu’il ne se transforme pas en un seul genre où vous portez du plaid et jouez de la musique à la guitare où c’est essentiellement du rock indé avec une pedal steel. Les routes poussiéreuses et les trains, c’est toujours à propos de ces trains », dit-elle en riant, se souvenant d’une décennie d’imitations de Mumford déguisées en acteurs poussiéreux de l’époque de la Dépression et chantant des chansons sur le passage des trains de marchandises. « Les trains, les gars, se détendre sur les trains ! »

Mumford &Sons ont eux-mêmes lutté avec leur relation à la musique sur les routes poussiéreuses proverbiales et les trains. En 2015, le groupe est devenu électrique, essayant de son mieux de sonner comme le National sur Wilder Mind, un mouvement qui a obtenu une réponse tiède (et a entraîné l’exclusion du groupe du classement Americana britannique émergent). Au moment où Mumford est revenu à une approche légèrement plus roots sur Delta en 2018 (une sortie dont ils ont fait la promotion en retournant dans les bastions de l’Americana comme l’Americana Honors et le Newport Folk Festival), le moment et le mouvement musical les avaient en grande partie dépassés : À ce jour, le disque le plus récent du quatuor est le seul à ne pas avoir été certifié Or aux États-Unis. Comment le groupe qui a commencé la décennie en lançant la commercialisation pop de l’Americana a-t-il terminé sa décennie ? En jouant au concert de vacances d’une station de radio alt-rock aux côtés de Cage the Elephant et Jimmy Eat World.

Mais juste avant cela, le groupe a donné aux fans un dernier clin d’œil des années 2010 à leur passé de bottes et de banjo, en publiant les Sigh No More Sessions, un EP de cinq chansons commémorant le 10e anniversaire de la sortie britannique de l’album, en octobre dernier.

« En regardant en arrière et en voyant ce que nous portions réellement… tout cela était un peu une blague pour nous », a déclaré Mumford à propos de l’esthétique folk/américaine fortement marquée du groupe. « Aucun d’entre nous ne pensait que cela irait très loin, nous ne faisions que nous amuser. »