7 Musiciens japonais qui ont influencé le monde

La musique japonaise a, que le reste du monde le sache ou non, longtemps eu une influence considérable sur les tendances musicales mondiales. De l’enviable scène underground japonaise de l’après-guerre à l’essor imparable de la J-pop au cours de ce siècle, les artistes japonais ont été le fer de lance de mouvements qui ont déclenché des ondes de choc révolutionnaires à travers le monde et, en 2019, leur influence n’a jamais été aussi large ni aussi évidente.

La découverte du travail des musiciens japonais a parcouru un long chemin depuis l’époque du label New Japan de John Zorn et de ces infâmes blogs labyrinthiques de J-pop des premiers jours d’Internet. En fait, les 20 dernières années ont vu une augmentation sans précédent de la consommation de musique japonaise, révolutionnée par les services de streaming et les plateformes collaboratives en ligne telles que Reddit et RateYourMusic (RYM).

Etre influent, c’est être plus que simplement populaire. Et pourtant, il existe un nombre incalculable de musiciens japonais, populaires ou non, qui ont modifié de manière irréversible la trajectoire d’un nombre incalculable de genres dans le monde. Il existe de toute évidence un catalogue impressionnant d’artistes répondant à ce critère, une liste qui pourrait sans doute remplir plusieurs volumes (il suffit de penser aux grandes divergences de style entre Yoko Ono et Merzbow, Hikaru Utada et Toru Takemitsu, Boris et Cornelius). Cette liste, sans ordre de préférence, condensera ce nombre à sept favoris qui, selon moi, sont les plus pertinents sur le plan contemporain et représentent l’ampleur de l’influence des musiciens japonais sur un ensemble de styles et de genres différents.

Boredoms

Décrits par Bonnie C. Wade comme une « cacophonie maniaquement extrême », les albums et les concerts de Boredoms ne peuvent être décrits que comme des « happenings spirituels » ou des « événements culturels ». Originaires d’Osaka, ils ont produit au cours des 30 dernières années des albums de bruit agressif, de punk rapide, de noise rock, de krautrock, de rock psychédélique, de post rock, de turntablism et de minimalisme (pour n’en citer que quelques-uns).

Les concerts actuels de Boredoms sont connus pour tourner autour de l’art de la performance abstraite extrême, d’un nombre ridicule de batteurs (à deux reprises, 77 et 88) et d’une spiritualité envoûtante. Il est difficile de croire qu’il s’agit du même groupe qui a tourné avec Sonic Youth et Nirvana à la fin des années 90 et qui a même joué sur la scène principale de Lollapalooza en 1994.

En regardant ces performances, il est toujours déroutant qu’ils aient joui d’une telle popularité. Ce n’est pas tant qu’ils n’étaient pas bons – en effet, les Boredoms ont toujours été plutôt constamment incroyables – mais qu’ils étaient difficilement dignes d’une radio pop. Cependant, le flirt constant du frontman Yamataka Eye avec la folie et l’approche naïve et improvisée de la batterie par le batteur Yoshimi P-We ont ouvert les yeux de beaucoup en dehors du Japon, notamment aux États-Unis, sur le Japanoise.

Les ennuyeux ont infiltré l’underground américain, non seulement en s’associant aux géants Sonic Youth, Nirvana et les Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots portait le nom de Yoshimi P-We et comportait ses contributions) mais en gagnant une réputation d’interprètes vénérés et mythiques. Des albums comme Super æ (1998) et Vision Creation Newsun (1999) n’ont fait que renforcer le mythe, et leur influence peut être entendue dans le travail d’une foule de groupes différents, depuis les groupes de noise et de rock expérimental comme Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles et Black Midi jusqu’au groupe de pop psychédélique Animal Collective.

Bien que près d’une décennie se soit écoulée depuis l’influence la plus lointaine des Boredoms, ils ont bénéficié du nouveau fandom mondial de l’ère des médias numériques ; ils font partie des musiciens japonais les plus imités et les plus connus.

Fishmans

Tout simplement, il n’y a jamais eu un autre groupe comme Fishmans. Formé en 1987 comme un simple groupe de dub avant de se transformer finalement en titans de la dream pop expérimentale et du néo-psychédélisme, Fishmans était dirigé par Shinji Sato (chant), Kin-Ichi Motegi (batterie) et Yuzuru Kashiwabara (basse).

Peu de discographies racontent de manière aussi satisfaisante l’histoire d’un groupe que celle de Fishmans, un fait surtout vrai en raison des sommets vertigineux atteints par leurs quatre derniers disques. Kūchū Camp, Long Season (tous deux décrits par le Japan Times comme des « points de repère incontestés dans le canon du rock japonais »), Uchū Nippon Setagaya et 98.12.28 Otokotachi no Wakare sont révolutionnaires dans le sens où personne, avant ou après, n’a sonné comme eux.

Il n’est pas exagéré de dire que les Fishmans sont plus populaires aujourd’hui qu’ils ne l’ont jamais été pendant toute leur durée de vie dans les années 90. Pourtant, exceptionnellement populaires comme ils le sont à la fois sur /mu/ et RYM de Reddit, on pourrait presque penser que les Fishmans sont depuis longtemps un nom connu de tous. Des milliers de fans se pâment devant le chant charmant et stupide de Sato et les lignes de basse contagieuses de Kashiwabara, et beaucoup d’entre eux s’identifient au contexte tragique d’Otokotachi no Wakare. Pour beaucoup, la tragédie de la mort de Sato modifie rétrospectivement la façon dont ils écoutent le disque, et rares sont les discussions concernant les plus grands disques de l’histoire de la musique moderne qui excluent Fishmans. Tout cela en dépit du fait que le catalogue de Fishmans n’est disponible en streaming que depuis l’année dernière et qu’Otokotachi no Wakare – généralement leur œuvre la plus acclamée – n’a jamais connu de sortie en dehors du Japon.

Plus que tout autre artiste de cette liste, l’influence de Fishmans ne réside pas tant dans ce qu’ils ont inspiré musicalement (ou pas encore, en tout cas) que dans la mesure où ils ont imprégné la conscience et le discours de toute une génération de fanatiques de musique mondiale. Des groupes comme Fishmans ne se présentent qu’une fois par génération. Vingt ans plus tard, il est clair qu’ils sont enfin sur le point de recevoir la reconnaissance qu’ils méritent.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono est un pivot de la musique pop japonaise depuis ses débuts dans Apryl Fool et Happy End. Le Yellow Magic Orchestra de Hosono (1978-84), avec Ryuichi Sakamoto et Yukihiro Takahashi, est crédité d’avoir inventé le techno-kayo et, parmi des gens comme Kraftwerk et Giorgio Moroder, est régulièrement reconnu comme l’un des parrains de la musique pop électronique.

Hosono seul, cependant, est devenu célèbre pour l’ampleur de ses expériences stylistiques, sa longue liste de crédits de production et son travail solo exotique et auto-oriental. Il a laissé une marque indélébile sur certains des albums pop les plus populaires de l’histoire de la musique japonaise moderne, et pourtant ce n’est que relativement récemment que son influence s’est étendue bien au-delà de ses jours avec YMO. Les airs pop distinctement ludiques et colorés de Hosono ont jeté les bases de son idolâtrie par les groupes indie slacker et weirdo pop, le plus célèbre – et le plus significatif – étant Mac DeMarco.

Similitudes stylistiques mises à part, DeMarco a publiquement reconnu son idole et a même sorti une version officielle de la reprise de « Honey Moon » de Hosono. Plus tôt cette année, il a rejoint Hosono sur scène pour l’interpréter, admettant également que le 2 de DeMarco (2012) était stylisé d’après le Hosono House de Hosono (1973). Le rôle de Hosono dans l’ascension de DeMarco serait ignorable, seulement DeMarco est facilement l’un des artistes les plus imités et les plus déterminants du rock indépendant américain de cette décennie.

Même en dehors de son travail avec YMO, le travail solo de Hosono et son empreinte sur les disques d’Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki et Pizzicato Five sont, en grande partie grâce au streaming, en train de s’infiltrer dans une nouvelle génération désireuse de se plonger dans son vaste catalogue de sorties.

Keiji Haino

Maître de la performance et l’une des figures les plus énigmatiques et les plus innovantes de l’avant-garde, Keiji Haino déclare que sa musique est aussi puissante que les drogues psychédéliques (qu’il affirme d’ailleurs n’avoir jamais prises). Et avec une musique d’une telle puissance, il n’est pas étonnant qu’il soit un musicien d’avant-garde aussi légendaire et influent.

Impossible à épingler à un seul genre, Haino est connu pour son travail avec l’improvisation libre, le minimalisme, le bruit, le drone, la poésie et bien plus encore à travers son travail solo et sa pléthore d’autres projets musicaux (notamment le groupe psychédélique Fushitsusha et l’acte bruitiste Nijiumu). Bien qu’il ait été banni de la NHK entre 1973 et 2013 et qu’il ait généralement enregistré des disques à la limite de ce que l’on pourrait considérer comme de la « musique », Haino a trouvé un public aux États-Unis grâce au label Tzadik de John Zorn dans les années 90, en tant que révolutionnaire sonore mystique et sauvage. Taillant une figure vénérée parmi des gens comme Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O)))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, producteur pour Wilco et Stereolab) et Christian Marclay, l’influence de Haino ne se manifeste pas seulement dans ses projets de collaboration avec ces artistes, mais aussi dans leur éthos plus large.

Ces suiveurs ont ensuite créé certains des disques lourds et expérimentaux les plus importants et les plus respectés en dehors du Japon (ainsi que des œuvres de genre plus doux définissant une génération) ; transformant les genres grâce à sa même philosophie radicale et à son approche qui repousse les limites. En termes simples, sans Haino, des disques comme Monoliths and Dimensions de Sun O))), Insignificance de Jim O’Rourke, Murray Street de Sonic Youth ou Yankee Hotel Foxtrot de Wilco n’auraient peut-être jamais sonné comme ils le font.

Nujabes (Jun Seba)

L’idolâtrie d’un artiste après sa disparition n’est guère un phénomène rare, mais rarement une appréciation posthume généralisée a été aussi lourdement méritée qu’avec la musique du pionnier du hip-hop instrumental Nujabes (né Jun Seba). Depuis la mort tragique de Nujabes dans un accident de la route en février 2010, son héritage s’est discrètement développé de manière exponentielle pour incarner un style de hip-hop connu dans le monde entier. Le beatmaking de Nujabes a pris le jazz rap d’artistes américains comme Pete Rock et A Tribe Called Quest et a ajouté des bois, des cors et une dette intense envers le jazz spirituel.

Fusionnant l’instrumentation live avec des échantillons d’un vaste éventail d’artistes – y compris Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis et Jean-Michel Jarre parmi beaucoup d’autres – les beats de Nujabes font habilement le pont entre d’innombrables genres. Il est tout aussi connu pour ses deux albums studio, Metaphorical Music et Modal Soul, que pour la bande-son de la série animée Samurai Champloo de Shinichirō Watanabe. L’héritage de Nujabes, porté par la demande croissante dans le hip-hop pour des instrumentaux plus lisses et jazzés (ainsi que par Samurai Champloo qui a gagné une immense audience internationale), n’a fait que croître depuis sa mort.

Plus que le « J Dilla du Japon » (bien que, par coïncidence, né le même jour, le 7 février 1984), il a été reconnu par des artistes aussi divers que le rappeur polonais Zeus et les rappeurs américains SahBabii et Joey Bada$$ comme un ancêtre essentiel et distinct du hip-hop contemporain. Avec l’éminence accrue de Lo-fi Hip Hop Radio et les divers événements Nujabes Experience qui apparaissent partout dans le monde, il est clair que l’impact de la marque de hip-hop instrumental de Nujabes ne fait que croître.

Perfume

Depuis qu’ils ont fait irruption sur la scène J-pop en 2008, il est clair que Perfume n’est pas un groupe d’idoles ordinaire. Tant leur immense popularité que la remarquable mesure dans laquelle cette popularité s’est si bien traduite à l’étranger montrent clairement qu’ils sont un phénomène culturel atypique et non purement japonais. Si YMO a lancé la première vague de technopop, Perfume a donné le signal de la seconde. La prédilection du producteur Nakata Yasutaka pour la house française et la bossa nova a créé des instruments qui ne ressemblaient à rien d’autre à l’époque, tandis que les voix de Kashiyuka, A-chan et Nocchi étaient anormalement sombres. Monotone et autotuné avec un bord électronique de science-fiction ; tous trois étaient un contraste frappant avec des artistes comme Ayumi Hamasaki et Hikaru Utada.

Playant au festival texan SXSW en 2015 et engendrant des fanbases anglophones sur des sites comme Perfume City, LiveJournal, AllMusic et YouTube, on pourrait voir Perfume comme l’équivalent japonais de Cool Britannia. Les titres de Game (2008) et de Triangle (2009) sont devenus monnaie courante dans les sets des DJ indépendants du monde entier et ont finalement été soutenus par des tournées mondiales. Naturellement, l’influence de Perfume réside en grande partie dans la musique pop et l’EDM. Madeon et Zedd, deux des DJ les plus célèbres de l’EDM, ont tous deux reconnu l’influence de Perfume et de Yasutaka sur leur travail. Bien que Yasutaka ait ensuite produit pour Kyary Pamyu Pamyu d’Harajuku, une autre exportation unique et populaire de J-pop, Perfume était les revivalistes technopop originaux.

Shiina Ringo

La reine de l’avent-pop Shiina Ringo est l’un des rares artistes véritablement influents dont le travail parvient à chevaucher à la fois une popularité stratosphérique et une créativité débridée. L’une des artistes les plus populaires au Japon, elle est également adulée par les fans d’art pop sur des sites comme RateYourMusic. Au début des années 2000, son ascension était imparable ; soutenue par son groupe de soutien Tokyo Jihen, Ringo combinait des paroles plus sombres, introspectives et souvent surréalistes avec un expérimentalisme instrumental sauvage qui fusionnait la J-pop avec des éléments de jazz, de rock, de noise pop, de pop baroque, d’enka et d’électronique.

Kalk Samen Kuri no Hana, l’album que beaucoup considèrent comme sa plus grande déclaration artistique, a été comparé par l’édition asiatique de Time à Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Cette comparaison est tout à fait justifiée : il s’agit d’un morceau de musique excentrique et chaotique, fermement ancré dans la pop, mais qui tire aussi le genre vers l’avant. Les fréquentes comparaisons avec Bjork témoignent de son style constamment novateur et entièrement distinctif, ainsi que de sa prestation vocale très énergique et souvent provocante ; bien que Bjork ne ressemble guère au « Shinjuku-kei » (un jeu de mots sur le style pop indé emblématique de Shibuya-kei) dont Ringo s’est elle-même affublée.

Malgré le nombre toujours croissant d’auditeurs étrangers qui découvrent constamment l’œuvre de Ringo, peu s’opposent à son statut critique. Parmi ses fans figurent Lenny Kravitz, Courtney Love et même Nocchi de Perfume, tandis que la popstar londonienne montante Rina Sawayama la cite comme une influence essentielle. La musicienne américano-japonaise Mitski l’a notamment citée comme l’une de ses plus importantes influences sur son dernier album, Be the Cowboy, sorti en 2018 et acclamé par la critique. Le travail de Ringo a sans doute ouvert la voie à un public international plus large pour d’autres groupes japonais à forte intensité et dirigés par des femmes comme Midori, Tricot et Otoboke Beaver, et l’appréciation de son influence sur l’art pop est indéniable et croissante.