10 œuvres d’art qui ont rendu les gens vraiment fous

Les artistes à travers l’histoire n’ont jamais reculé devant la controverse – en fait, beaucoup essaient même de courtiser l’infamie. (Vous en voulez la preuve ? Il suffit de regarder Banksy, l’artiste de rue anonyme qui a récemment créé une œuvre qui s’est autodétruite au moment où elle a été vendue aux enchères – pour la somme faramineuse de 1,37 million de dollars). Bien qu’il appartienne aux critiques et aux historiens de débattre de la technique et de la valeur artistique, certaines œuvres d’art ont choqué la plupart des gens qui les ont vues. Des peintures jugées trop obscènes, trop grossières ou trop gores pour leur époque aux actes de soi-disant profanation et aux puissantes déclarations politiques, voici quelques-unes des œuvres d’art les plus controversées jamais créées.

1. Michel-Ange, « Le Jugement dernier », 1536-1541

Quelque 25 ans après avoir achevé le plafond de la chapelle Sixtine, le polymathe de la Renaissance Michel-Ange est retourné au Vatican pour travailler sur une fresque qui sera débattue pendant des siècles. Sa représentation de la seconde venue du Christ dans « Le Jugement dernier », sur laquelle il a travaillé de 1536 à 1541, a suscité une controverse immédiate de la part de l’église catholique de la Contre-Réforme. Les autorités religieuses se sont prononcées contre la fresque, pour un certain nombre de raisons, notamment le style avec lequel Michel-Ange a peint Jésus (imberbe et dans le style classique de la mythologie païenne). Mais le plus choquant était les 300 personnages de la peinture, pour la plupart des hommes et des nus. Dans un mouvement appelé campagne de feuilles de figuier, des morceaux de tissu et de flore ont été peints plus tard sur l’anatomie offensante, dont certains ont ensuite été retirés dans le cadre d’une restauration du 20e siècle.

2. Caravage, « Saint Matthieu et l’ange », 1602

La vie du peintre baroque Caravage est peut-être plus controversée que n’importe laquelle de ses œuvres, étant donné qu’il est mort en exil après avoir été accusé de meurtre. Mais son approche humaniste peu conventionnelle de ses commandes religieuses a certainement fait sourciller son époque. Dans le tableau aujourd’hui disparu « Saint Matthieu et l’ange », créé pour la chapelle Contarelli à Rome, le Caravage a renversé les conventions en utilisant un paysan pauvre comme modèle pour le saint. Mais ce qui dérangeait le plus les critiques, c’était les pieds sales de saint Matthieu, qui semblaient illusoirement dépasser de la toile (une astuce visuelle récurrente pour l’artiste), et la façon dont l’image laissait entendre qu’il était analphabète, comme si un ange lui faisait la lecture. L’œuvre a finalement été rejetée et remplacée par « L’inspiration de saint Matthieu », une représentation similaire, mais plus standard, de la scène.

3. Thomas Eakins, « The Gross Clinic, » 1875

Cette icône de l’art américain a été créée en prévision du centenaire de la nation, alors que le peintre Thomas Eakins était désireux de montrer à la fois son talent et les avancées scientifiques du Jefferson Medical College de Philadelphie. Ce tableau réaliste place le spectateur au centre d’un amphithéâtre chirurgical, où le docteur Samuel Gross, médecin, donne des cours à des étudiants qui opèrent un patient. Mais sa représentation réaliste de la chirurgie a été jugée trop graphique et le tableau a été rejeté par l’exposition du centenaire de Philadelphie (certains accusent les mains ensanglantées du médecin, d’autres affirment que c’est la figure féminine se protégeant les yeux qui a fait déborder le vase). Cependant, un siècle plus tard, le tableau a finalement été reconnu comme l’un des grands chefs-d’œuvre de son temps, tant pour ses mérites artistiques que scientifiques.

4. Marcel Duchamp « Fontaine, » 1917

Lorsque l’iconoclaste Marcel Duchamp a soumis anonymement un urinoir en porcelaine signé « R. Mutt 1917 » comme sculpture « readymade » à la Society of Independent Artists, un groupe connu pour accepter n’importe quel artiste qui pouvait trouver les frais’ l’impensable s’est produit : la pièce a été refusée, même si Duchamp lui-même était cofondateur et membre du conseil d’administration du groupe. Certains se sont même demandé si l’œuvre n’était pas un canular, mais le journal Dada The Blind Man a défendu l’urinoir comme un objet d’art parce que l’artiste l’avait choisi. L’œuvre a marqué le passage de ce que Duchamp appelait l’art « rétinien », ou purement visuel, à un mode d’expression plus conceptuel, déclenchant un dialogue qui se poursuit encore aujourd’hui sur ce qui constitue réellement une œuvre d’art. Bien que tout ce qui reste de l’original soit une photographie d’Alfred Stieglitz (qui a jeté la pièce) prise pour le magazine, de multiples reproductions autorisées des années 1960 se trouvent dans les principales collections du monde entier.

5. Robert Rauschenberg, « Erased De Kooning, » 1953

D’une certaine manière, le « Erased De Kooning » de Robert Rauschenberg a présagé la peinture autodestructrice de Banksy. Mais dans le cas du dessin de 1953, l’artiste a décidé que l’œuvre d’art originale devait être importante en soi. « Quand j’effaçais mes propres dessins, ce n’était pas encore de l’art », déclarait Rauschenberg au SFMoMA en 1999. Il a donc fait appel à l’artiste moderne le plus vénéré de l’époque, le mercuriel expressionniste abstrait Willem de Kooning, qui, après avoir été convaincu, a donné au jeune artiste un dessin avec un mélange de crayon gras et de fusain que Rauschenberg a mis deux mois à effacer. Il a fallu une dizaine d’années pour que la nouvelle de l’œuvre se répande et qu’elle soit accueillie avec un mélange d’étonnement (un jeune génie usurpant le maître ?) et de dégoût (du vandalisme ?). Une personne pas particulièrement impressionnée fut de Kooning lui-même, qui déclara plus tard à un journaliste qu’il avait initialement trouvé l’idée « ringarde », et qui, selon certains, n’appréciait pas qu’une interaction aussi intime entre artistes ait été partagée avec le public.

6. Yoko Ono, « Cut Piece, » 1964 / Marina Abramovic, « Rhythm 0, » 1974

Alors que la performance émergeait comme pratique artistique dans les années d’après-guerre, la forme d’art poussait souvent vers la provocation et même le danger. Dans « Cut Piece » de Yoko Ono, une performance de 1964, l’artiste invitait le public à prendre une paire de ciseaux et à couper un morceau de son vêtement alors qu’elle était assise, immobile et silencieuse. « Les gens étaient tellement choqués qu’ils n’en parlaient pas », se souviendra-t-elle plus tard.

Dix ans plus tard, Marina Abramovic a revisité sans le savoir le concept avec « Rythme 0 », dans lequel l’artiste a fourni au public 72 objets pour faire ce qu’il « désirait ». Outre des ciseaux, Abramovic a proposé toute une gamme d’outils : une rose, une plume, un fouet, un scalpel, un pistolet, une balle, une tranche de gâteau au chocolat. Au cours de la performance de six heures, le public est devenu de plus en plus violent, l’un d’entre eux lui faisant couler du sang (« J’en ai encore les cicatrices », a-t-elle déclaré) et un autre tenant le pistolet sur sa tête, déclenchant une bagarre au sein même de la galerie (« J’étais prête à mourir »). Le public s’est mis à se disputer pour savoir jusqu’où aller et, à la fin de la représentation, se souvient Abramovic, tout le monde s’est enfui pour ne pas avoir à affronter ce qui s’était passé. Depuis lors, Abramovic a été appelée la marraine de l’art de la performance, son travail souvent physiquement extrême continuant à polariser les spectateurs et les critiques.

7. Judy Chicago, « The Dinner Party, » 1974-79

Avec son « Dinner Party », Judy Chicago a entrepris de plaider pour la reconnaissance des femmes à travers l’histoire – et a fini par entrer elle-même dans l’histoire de l’art. Installation complexe comportant des centaines d’éléments, l’œuvre est un banquet imaginaire mettant en scène 39 femmes issues de la mythologie et de l’histoire – parmi lesquelles Sojourner Truth, Sacajawea et Margaret Sanger -, chacune étant représentée à table par un couvert, dont presque tous représentent des vulves stylisées. Avec son mélange d’imagerie anatomique et de techniques artisanales, l’œuvre a été qualifiée de vulgaire et de kitsch par les critiques, et elle a rapidement été satirisée par une contre-exposition honorant des femmes à la « distinction douteuse ». Mais malgré les détracteurs, la pièce est aujourd’hui considérée comme un point de repère de l’art féministe, exposé en permanence au Brooklyn Museum.

8. Maya Lin, « Vietnam Veterans Memorial », achevé en 1982

Maya Lin n’avait que 21 ans lorsqu’elle a remporté la commande qui allait lancer sa carrière – et un débat national. Son projet de mémorial pour les vétérans du Vietnam a été choisi par un jury aveugle, qui ne savait pas que le concepteur gagnant était un étudiant en architecture. Bien que le projet proposé réponde à toutes les exigences, y compris l’intégration de 58 000 noms de soldats qui ne sont jamais revenus de la guerre, sa forme minimaliste et discrète – deux dalles de granit noir qui sortent de terre en forme de « V », comme une « blessure qui se referme et qui guérit », a déclaré Lin – a immédiatement fait l’objet d’un débat politique de la part de ceux qui estimaient qu’il n’héroïsait pas correctement les soldats qu’il honore. Un ancien combattant a qualifié le dessin de « balafre noire de la honte », et 27 membres républicains du Congrès ont écrit au président Ronald Reagan pour lui demander de ne pas le construire. Mais Lin a défendu sa vision, témoignant devant le Congrès de l’intention qui se cachait derrière l’œuvre. En fin de compte, on en est arrivé à un compromis, lorsqu’un deuxième projet du concours représentant trois soldats a été ajouté à proximité pour compléter l’hommage (un drapeau et un mémorial des femmes ont également été ajoutés plus tard). Avec l’éloignement de la guerre, les critiques à l’égard du mémorial se sont estompées.

9. Ai Weiwei, « Dropping a Han Dynasty Urn », 1995

L’artiste et activiste chinois Ai Weiwei est l’une des figures les plus provocantes de l’art, et sa pratique remet souvent en question les idées de valeur et de consommation. En 1995, l’artiste a fait un clin d’œil à Duchamp avec « Dropping a Han Dynasty Urn », une pièce qu’il a qualifiée de « readymade culturel ». Comme le titre l’indique, l’œuvre consistait à laisser tomber, et donc à détruire, une urne cérémoniale vieille de 2 000 ans. Non seulement le récipient avait une valeur monétaire considérable (Ai l’aurait payé plusieurs centaines de milliers de dollars), mais il était également un symbole puissant de l’histoire chinoise. La profanation délibérée d’un artefact historique a été décriée comme contraire à l’éthique par certains, ce à quoi l’artiste a répondu en citant Mao Zedong : « la seule façon de construire un nouveau monde est de détruire l’ancien ». C’est une idée sur laquelle Ai revient, en peignant un vaisseau similaire avec le logo de Coca Cola ou des couleurs vives de bonbons, alors que les gens débattent pour savoir s’il utilise des antiquités authentiques ou des faux. Quoi qu’il en soit, son œuvre provocatrice a inspiré d’autres actes de destruction – comme lorsqu’un visiteur d’une exposition de Miami sur le travail d’Ai a brisé un vaisseau peint dans un acte illégal de protestation qui reflétait celui d’Ai.

10. Chris Ofili, « La Sainte Vierge Marie », 1996

Il n’est guère choquant qu’une exposition intitulée « Sensation » fasse sensation, mais c’est exactement ce qui s’est passé lorsqu’elle s’est ouverte à Londres en 1997 avec un certain nombre d’œuvres controversées de ceux qu’on appelle les Young British Artists : Le tableau de Marcus Harvey représentant la tueuse Myra Hindley, la sculpture de Damien Hirst représentant un requin dans du formaldéhyde, l’installation de Tracey Emin intitulée « Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995) » et l’autoportrait sculpté dans du sang de Marc Quinn. Lorsque l’exposition a été présentée au Brooklyn Museum deux ans plus tard, c’est « The Holy Virgin Mary », une madone de Chris Ofili, qui a suscité le plus de mépris. Ce collage scintillant contenait des coupures de magazines pornographiques et des morceaux d’excréments d’éléphants enrobés de résine, dont les médias ont déclaré à tort qu’ils avaient été « éclaboussés » sur l’œuvre. Le maire de New York, Rudy Giuliani, a menacé de retirer la subvention de 7 millions de dollars accordée à la ville pour l’exposition, la qualifiant de « malsaine », tandis que des chefs religieux et des célébrités se sont joints aux protestations dans des camps opposés. Deux décennies plus tard, la peinture controversée d’Ofili a gagné une place dans l’histoire de l’art – et dans la collection permanente du Musée d’art moderne.