7 japanilaista muusikkoa, jotka vaikuttivat maailmaan

Japanilaisella musiikilla on, tiesi sitä muu maailma tai ei, ollut pitkään valtava vaikutus maailmanlaajuisiin musiikkisuuntauksiin. Japanin sodanjälkeisestä kadehdittavasta underground-skenestä tämän vuosisadan pysäyttämättömään j-popin nousuun japanilaiset taiteilijat ovat olleet keihäänkärkenä liikkeissä, jotka ovat vapauttaneet vallankumouksellisia shokkiaaltoja eri puolilla maailmaa, ja vuonna 2019 heidän vaikutuksensa ei ole koskaan ollut näin laaja tai ilmeinen.

Japanilaisten muusikoiden töiden löytäminen on kulkenut pitkän matkan John Zornin New Japan -levy-yhtiön ja internetin alkuaikojen surullisenkuuluisien, labyrinttimäisten j-pop-aiheisten blogien ajoista. Itse asiassa viimeisten 20 vuoden aikana japanilaisen musiikin kulutus on kasvanut ennennäkemättömällä tavalla, minkä ovat mullistaneet suoratoistopalvelut ja Redditin ja RateYourMusicin (RYM) kaltaiset yhteistoiminnalliset verkkoalustat.

Vaikutusvaltaisuus on muutakin kuin vain suosiota. Silti on lukemattomia japanilaisia muusikoita, niin suosittuja kuin ei-suosittuja, jotka ovat muuttaneet peruuttamattomasti lukemattomien genrejen kehityskaarta maailmanlaajuisesti. On melko ilmeistä, että tämän kriteerin täyttäviä artisteja on valtava määrä. Luettelo voisi epäilemättä täyttää useita niteitä (ajatellaanpa lyhyesti Yoko Onon ja Merzbow’n, Hikaru Utadan ja Toru Takemitsun, Boriksen ja Corneliuksen välisiä valtavia tyylillisiä eroavaisuuksia). Tämä lista tiivistää, ilman paremmuusjärjestystä, tuon määrän seitsemään suosikkiin, jotka ovat mielestäni kaikkein ajankohtaisimpia ja edustavat japanilaisten muusikoiden vaikutuksen laajuutta eri tyylilajeissa ja tyylilajeissa.

Boredoms

Bonnie C. Waden kuvaamana ”maanisesti äärimmäiseksi kakofoniaksi” Boredomsin albumeita ja live-esityksiä voi kuvata vain ”henkisiksi happeningeiksi” tai ”kulttuurisiksi tapahtumiksi”. Osakasta kotoisin oleva yhtye on tuottanut viimeisten 30 vuoden aikana albumeita aggressiivisesta melusta, nopeasta punkista, noise rockista, krautrockista, psykedeelisestä rockista, post rockista, turntablismista ja minimalismista (muutamia mainitakseni).

Boredomsin nykyisten live-esiintymisten tiedetään pyörivän äärimmäisen abstraktin performanssitaiteen, naurettavan rumpalien lukumäärän (kahteen otteeseen 77:llä ja 88:lla kertaa) ja valloittavan henkisyyden ympärillä. On vaikea uskoa, että kyseessä on sama bändi, joka kiersi 90-luvun lopulla Sonic Youthin ja Nirvanan kanssa ja soitti jopa Lollapaloozan päälavalla vuonna 1994.

Katsomalla noita esiintymisiä taaksepäin on yhä hämmentävää, että bändi nautti niin suurta suosiota. Kyse ei ole niinkään siitä, etteivätkö ne olisi olleet hyviä – Boredoms on tosiaan aina ollut melko tasaisen uskomaton – vaan siitä, että ne tuskin olivat popradiokelpoisia. Kuitenkin keulahahmo Yamataka Eyen jatkuva flirttailu hulluuden kanssa ja useimmiten toistuva rumpali Yoshimi P-Wen naiivi, improvisoitu lähestymistapa rummutukseen avasivat monien Japanin ulkopuolisten, etenkin yhdysvaltalaisten, silmät Japanoiseille.

Tylsät tunkeutuivat amerikkalaiseen undergroundiin, eivätkä ainoastaan olleet mukana jättiläisten Sonic Youthin, Nirvanan ja Flaming Lipsin kanssa (Yoshimi Battles the Pink Robots oli nimetty Yoshimi P-Wen mukaan ja sisälsi hänen panoksensa), vaan ansaitsivat maineen kunnioitettuina, myyttisinä esiintyjinä. Albumit kuten Super æ (1998) ja Vision Creation Newsun (1999) vain lisäsivät myyttiä, ja heidän vaikutuksensa on kuultavissa lukuisten eri yhtyeiden tuotannossa aina Lightning Boltin, Pink & Brownin, Battlesin ja Black Midin kaltaisista noise- ja kokeellisen rockin esittäjistä psykedeelisen popin kokoonpanoon Animal Collectiveen.

Vaikka Boredomsin kauimmaisesta vaikutuksesta on kulunut lähes vuosikymmen, he ovat hyötyneet digitaalisen median aikakauden uudesta maailmanlaajuisesta fandomista; he ovat japanilaisista muusikoista yksi jäljitellyimmistä ja tunnetuimmista.

Fishmans

Yksinkertaisesti sanottuna Fishmansin kaltaista bändiä ei ole koskaan ollut. Vuonna 1987 suoraviivaiseksi dub-yhtyeeksi perustettua Fishmansia ennen kuin se lopulta muuttui kokeellisen dream popin ja uuspsykedelian titaaneiksi, Fishmansia johtivat Shinji Sato (laulu), Kin-Ichi Motegi (rummut) ja Yuzuru Kashiwabara (basso).

Harvinaiset diskografiat kertovat bändin tarinaa yhtä tyydyttävästi kuin Fishmansin, mikä on totta enimmäkseen bändin neljällä viimeisellä levyllään saavuttamien huimaavien korkeuksien vuoksi. Kūchū Camp, Long Season (molempia The Japan Times luonnehti ”kiistattomiksi maamerkeiksi japanilaisen rockin kaanonissa”), Uchū Nippon Setagaya ja 98.12.28 Otokotachi no Wakare ovat uraauurtavia siinä mielessä, että kukaan, ennen tai jälkeen, ei ole kuulostanut yhtyeen kaltaiselta.

Ei ole liioiteltua väittää, että Fishmansit ovat suositumpia nykyään kuin koskaan koko elinkaarensa aikana 90-luvulla. Silti, niin poikkeuksellisen suosittuja kuin he ovatkin sekä Redditin /mu/:ssä että RYM:ssä, voisi melkein luulla Fishmansin olleen jo pitkään tuttu nimi. Tuhannet fanit pyörtyvät Saton viehättävän hölmölle lauluäänelle ja Kashiwabaran tarttuville bassolinjoille, ja monet yhdistyvät Otokotachi no Wakaren traagiseen taustaan. Monien mielestä Saton kuoleman tragedia muuttaa jälkikäteen heidän tapaansa kuunnella levyä, ja harva keskustelu modernin musiikin historian suurimmista levyistä jättää Fishmansin pois. Tämä kaikki siitä huolimatta, että Fishmansin katalogi on ollut saatavilla suoratoistona vasta viime vuonna ja että Otokotachi no Wakare – yleisesti ottaen heidän ylistetyin teoksensa – ei ole koskaan saanut julkaisua Japanin ulkopuolella.

Enemmän kuin kenenkään muun artistin vaikutus tällä listalla Fishmansin vaikutus ei ole niinkään siinä, mitä he ovat inspiroineet musiikillisesti (tai ainakaan vielä), vaan siinä, missä määrin he ovat läpäisseet kokonaisen globaalin muusikkosukupolven musiikkifanaatikoiden tietoisuutta ja keskustelua. Fishmansin kaltaisia bändejä syntyy vain kerran sukupolvessa. Kaksikymmentä vuotta myöhemmin on selvää, että he ovat vihdoin lähellä saada ansaitsemansa tunnustuksen.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono on ollut japanilaisen popmusiikin kulmakivi aina Apryl Fool- ja Happy End -yhtyeiden alkutaipaleelta lähtien. Hosonon yhdessä Ryuichi Sakamoton ja Yukihiro Takahashin kanssa perustaman Yellow Magic Orchestran (1978-84) katsotaan keksineen techno-kayon, ja se tunnustetaan Kraftwerkin ja Giorgio Moroderin ohella säännöllisesti yhdeksi elektronisen popmusiikin kummisetistä.

Hosono yksinään on kuitenkin tullut tunnetuksi tyylillisten kokeilujensa laaja-alaisuudesta, mittavasta tuotannollisesta luettelostaan ja itseään orientalisoivasta, eksotiikkaa korostavasta soolourastaan. Hän on jättänyt lähtemättömän jäljen joihinkin Japanin modernin musiikin historian suosituimpiin pop-albumeihin, ja silti hänen vaikutusvaltansa on vasta suhteellisen hiljattain ulottunut YMO:n ulkopuolelle. Hosonon omaleimaisen leikkisät, värikkäät pop-kappaleet ovat luoneet pohjan sille, että slacker-indie- ja weirdo-pop-artistit ovat ihannoineet häntä, tunnetuimpana – ja merkittävimpänä – Mac DeMarco.

Tyylillisiä yhtäläisyyksiä lukuun ottamatta DeMarco on julkisesti tunnustanut idolinsa ja julkaissut jopa virallisen cover-version Hosonon ”Honey Moonista”. Aiemmin tänä vuonna hän liittyi Hosonon kanssa lavalle esittämään sen, ja myönsi myös, että DeMarcon 2 (2012) on tyylitelty Hosonon Hosono Housen (1973) mukaan. Hosonon rooli DeMarcon nousussa olisi sivuutettavissa, vain DeMarco on helposti yksi tämän vuosikymmenen amerikkalaisen indierockin jäljitellyimmistä ja määrittelevimmistä artisteista.

Jopa YMO:n kanssa tekemänsä työn ulkopuolella Hosonon soolotyöt ja jälki Akiko Yanon, Miharu Koshin, Taeko Ohnukin ja Pizzicato Fiven levyillä ovat, pitkälti suoratoiston kautta, tihkuneet uuteen sukupolveen, joka on innokas syventymään hänen laajaan julkaisukatalogiinsa.

Keiji Haino

Esiintymiskyvyn mestari ja yksi avantgarden arvoituksellisimmista ja levottomasti innovatiivisimmista hahmoista Keiji Haino julistaa musiikkinsa olevan yhtä voimakasta kuin psykedeeliset huumeet (joita hän muuten vakuuttaa, ettei ole koskaan käyttänyt). Ja koska hänen musiikkinsa on niin voimakasta, ei ole ihme, että hän on niin legendaarinen ja vaikutusvaltainen avantgarde-muusikko.

Hainoa on mahdoton kiinnittää yhteen genreen, mutta hänet tunnetaan työstään vapaan improvisaation, minimalismin, melun, melun, drone-äänen, runouden ja monien muiden musiikillisten projektiensa parissa sekä soolotöissään että lukuisissa muissa musiikillisissa projekteissaan (erityisesti psykedeelisessä Fushitsusha- ja meluprojektissa). Huolimatta siitä, että Haino oli kielletty NHK:lta vuosina 1973-2013 ja että hän yleensä teki levyjä, jotka olivat sen rajoilla, mitä yleensä voisi pitää ”musiikkina”, hän löysi yleisön Yhdysvalloissa John Zornin Tzadik-levy-yhtiön kautta 90-luvulla mystisenä ja villiintyneenä äänivallankumouksellisena. Thurston Mooren (Sonic Youth), Stephen O’Malleyn (Sun O))))), Jim O’Rourken (Sonic Youth, Wilcon ja Stereolabin tuottaja) ja Christian Marclayn kaltaisten muusikoiden keskuudessa kunnioitettavan hahmon leikannut Hainon vaikutus ei näy vain hänen yhteistyöprojekteissaan näiden artistien kanssa, vaan myös heidän laajemmassa eetoksessaan.

Nämä seuraajat ovat jatkaneet joidenkin tärkeimpien ja arvostetuimpien heavy- ja kokeellisten levyjen luomista Japanin ulkopuolella (sekä joidenkin sukupolvea määrittelevien pehmeämmän genren teosten tekemistä); Hainon saman radikaalin filosofian ja rajoja rikkovan lähestymistavan avulla hän on muuttanut genrejä. Yksinkertaisesti sanottuna ilman Hainoa sellaiset levyt kuin Sun O)))):n Monoliths and Dimensions, Jim O’Rourken Insignificance, Sonic Youthin Murray Street tai Wilcon Yankee Hotel Foxtrot eivät ehkä olisi koskaan kuulostaneet samalta kuin nyt.

Nujabes (Jun Seba)

Artistin ihannointi hänen poismenonsa jälkeen on tuskin harvinainen ilmiö, mutta harvoin laaja postuumi arvostus on ollut niin painavasti ansaittua kuin instrumentaalihiphopin uranuurtajan Nujabesin (syntymänimeltään Jun Seba) musiikin kohdalla. Sen jälkeen, kun Nujabes kuoli traagisesti liikenneonnettomuudessa helmikuussa 2010, hänen perintönsä on hiljaa ja eksponentiaalisesti kasvanut maailmanlaajuisesti tunnetun hiphop-tyylin ruumiillistumaksi. Nujabesin beatmaking otti Pete Rockin ja A Tribe Called Questin kaltaisten amerikkalaisten artistien jazz-räpin ja lisäsi siihen puupuhaltimet, torvet ja voimakkaan velkaantuneisuuden spirituaaliselle jazzille.

Sulauttamalla yhteen live-instrumentaatiota ja sampleja lukemattomilta eri artisteilta – kuten Pharoah Sandersilta, Frank Sinatralta, Miles Daviselta ja Jean-Michel Jarrelta monien muiden joukossa – Nujabesin biitit kurovat taidokkaasti umpeen lukemattomia genrejä. Hän on yhtä tunnettu kahdesta studiolevystään, Metaphorical Music ja Modal Soul, kuin työstään Shinichirō Watanaben Samurai Champloo -animesarjan soundtrackin tuottajana. Nujabesin perintö, jota vauhditti hiphopin kasvava kysyntä pehmeämmille ja jazzmaisemmille instrumentaaleille (sekä Samurai Champloo, joka saavutti valtavan kansainvälisen yleisön), on vain kasvanut hänen kuolemansa jälkeen.

Enemmän kuin vain ”Japanin J Dilla” (vaikkakin sattumalta syntynyt samana päivänä, 7. helmikuuta 1984), niinkin erilaiset artistit kuin puolalainen räppäri Zeus ja amerikkalaiset räppärit SahBabii ja Joey Bada$$ ovat tunnustaneet hänet olennaiseksi ja omaleimaiseksi nykypäivän hip hopin esi-isäksi. Kun Lo-fi Hip Hop Radio on noussut entisestään ja erilaisia Nujabes Experience -tapahtumia ilmestyy ympäri maailmaa, on selvää, että Nujabesin instrumentaalisen hip hopin vaikutus on vain kasvamassa.

Perfume

Sitten kun he murtautuivat ensimmäisen kerran J-pop-skeneen vuonna 2008, on ollut selvää, ettei Perfume ole mikään keskiverto idoliryhmä. Sekä heidän valtava suosionsa että se, että tämä suosio on kääntynyt niin hyvin ulkomaille, tekevät selväksi, että he ovat epätyypillinen eikä pelkästään japanilainen kulttuuri-ilmiö. Jos YMO esitteli teknopopin ensimmäisen aallon, Perfume kutsui toisen aallon. Tuottaja Nakata Yasutakan mieltymys ranskalaiseen houseen ja bossa novaan loi instrumentaalit, jotka eivät muistuttaneet mitään muuta tuohon aikaan, kun taas Kashiyukan, A-chanin ja Nocchin lauluäänet olivat epätavallisen tummia. Monotoninen ja autotuned sci-fi, elektroninen särmä; kaikki kolme olivat jyrkkä kontrasti Ayumi Hamasakin ja Hikaru Utadan kaltaisille.

Texasin SXSW-festivaaleilla vuonna 2015 esiintynyt ja Perfume Cityn, LiveJournalin, AllMusicin ja YouTuben kaltaisilla sivustoilla englanninkielistä fanipohjaa synnyttänyt Perfume oli Japanin vastine Cool Britannialle. Sekä Game- (2008) että Triangle-levyjen (2009) kappaleet yleistyivät indie-dj-seteissä kaikkialla ja saivat lopulta tukea maailmankiertueilla. Perfumen vaikutus on luonnollisesti pitkälti popmusiikissa ja EDM:ssä. Madeon ja Zedd, kaksi EDM:n tunnetuinta DJ:tä, ovat molemmat tunnustaneet Perfumen ja Yasutakan vaikutuksen työhönsä. Vaikka Yasutaka jatkoi tuottajana Harajukun Kyary Pamyu Pamyulle, toiselle ainutlaatuiselle ja suositulle J-pop-vientiyhtyeelle, Perfume oli alkuperäisiä teknopopin elvyttäjiä.

Shiina Ringo

Avanttipop-kuningatar Shiina Ringo on yksi harvoista aidosti vaikutusvaltaisista artisteista, jonka työ onnistuu tasapainoilemaan sekä stratosfäärisen suosion että hillittömän luovuuden välillä. Hän on yksi Japanin suosituimmista artisteista, ja taidepopin fanit palvovat häntä myös RateYourMusicin kaltaisilla sivustoilla. 2000-luvun alussa hänen nousunsa oli pysäyttämätöntä; taustayhtyeensä Tokyo Jihen tukemana Ringo yhdisti synkkiä, itsetutkiskelevia ja usein surrealistisia sanoituksia villiin instrumentaalikokeiluun, joka sulautti j-popiin elementtejä jazzista, rockista, noise popista, barokkipopista, enkasta ja elektroniikasta.

Kalk Samen Kuri no Hana, albumi, jota monet pitävät hänen suurimpana taiteellisena kannanottonaan, verrattiin Timen aasialaispainoksessa Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Bandiin. Vertailu on täysin oikeutettu: se on outo, kaoottinen musiikkikappale, joka on tiukasti popin piirissä, mutta joka myös piittaamattomasti raahaa genreä eteenpäin. Usein toistuvat vertailut Bjorkiin ovat osoitus hänen jatkuvasti uraauurtavasta, täysin omaleimaisesta tyylistään ja hänen korkeatehoisesta, usein provosoivasta lauluäänestään; tosin Bjork tuskin kuulostaa yhtään samalta kuin Ringon itsestään käyttämä ”Shinjuku-kei” (leikittely ikonisesta Shibuya-kei -indiepop-tyylistä).

Huolimatta siitä, että yhä useammat merentakaiset kuuntelijat löytävät koko ajan Ringon teoksen, harvat vastustavat sen kriittistä asemaa. Hänen faneihinsa lukeutuvat muun muassa Lenny Kravitz, Courtney Love ja jopa Perfume-yhtyeestä tuttu Nocchi, ja nouseva lontoolainen poptähti Rina Sawayama listaa hänet keskeiseksi vaikutteekseen. Japanilais-amerikkalainen muusikko Mitski erityisesti listasi hänet yhdeksi tärkeimmistä vaikutteista viimeisimmällä albumillaan, vuoden 2018 kriitikoiden ylistämällä Be the Cowboy -albumilla. Ringon työ on luultavasti tasoittanut tietä laajemmalle kansainväliselle yleisölle muille naisjohtoisille, intensiivisille japanilaisille yhtyeille, kuten Midorille, Tricotille ja Otoboke Beaverille, ja hänen vaikutuksensa arvostus taidepopiin on kiistatonta ja kasvaa.