Conozca la fascinante historia de «Ofelia», un icónico cuadro prerrafaelita

John Everett Millais, «Ofelia», hacia 1851 (Foto: Google Art Project )

En 1848, una sociedad secreta de artistas echó raíces en la Inglaterra victoriana. Conocidos como los prerrafaelistas, los miembros de esta hermandad creían que la pintura había florecido antes del Renacimiento, citando el enfoque idealista de Rafael sobre el tema como la perdición de la antigua disciplina.

Con el fin de devolver a la pintura su edad de oro, los prerrafaelistas se agruparon, unidos no por un estilo específico, sino por el deseo de «tener ideas genuinas que expresar», y el impulso de «estudiar la Naturaleza con atención, para saber cómo expresarlas». John Everett Millais, uno de los fundadores del movimiento, encarnó este enfoque con su Ofelia, un cuadro prerrafaelita conmovedor y poético.

Preparación de la escena

William Holman Hunt, «Sir John Everett Millais», 1853 (Foto: Wikimedia Commons )

El artista inglés John Everett Millais (1829-1896) comenzó a pintar Ofelia en 1851, justo tres años después de que él, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti cofundaran la Hermandad Prerrafaelita.

Desde muy joven, Millais se formó como pintor tradicional. Con sólo once años, se convirtió en el estudiante más joven admitido en las prestigiosas escuelas de la Royal Academy. En los años siguientes, destacaría como pintor histórico antes de subvertir el plan de estudios de la academia, centrado en el Renacimiento, con cuadros vanguardistas como Ofelia.

Mignon Nevada como «Ofelia», fotografía en negativo de cristal, ca. 1910 (Foto: Wikimedia Commons )

Realizado al óleo sobre un lienzo de 30 por 44 pulgadas, el cuadro representa la muerte de Ofelia, un personaje de Hamlet de William Shakespeare (ca. 1599-1601). En la obra, Ofelia enloquece y se ahoga tras descubrir que su pareja, Hamlet, ha matado a su padre. Aunque la escena de su muerte no se representa explícitamente en la obra, es descrita con detalle poético por la madre de Hamlet, la reina Gertrudis, en el acto IV, escena vii:

«Hay un sauce que crece al borde de un arroyo,
que muestra sus hojas acaloradas en la cristalina corriente;
Allí con fantásticas guirnaldas llegó
De flores de cuervo, ortigas, margaritas y largas púrpuras
a las que los pastores liberales dan un nombre más grosero,
pero que nuestras frías doncellas llaman dedos de hombre muerto:
Allí, en las ramas colgantes sus hierbas de la corona
Subiendo a colgar, una astilla envidiosa se rompió;
Cuando bajaron sus trofeos de hierba y ella misma
Cayó en el arroyo del llanto. Sus ropas se desplegaron;
y, como una sirena, la levantaron por un tiempo:
en el que cantó fragmentos de viejas melodías;
como alguien incapaz de su propia angustia,
o como una criatura nativa e inducida
a ese elemento: pero no pudo pasar mucho tiempo
Hasta que sus ropas, pesadas por la bebida,
Sacaron a la pobre desdichada de su melódica yacija
Hacia una muerte fangosa.»

El cuadro de Millais retrata a Ofelia momentos después de que «cayera en el arroyo del llanto» mientras intentaba cubrir con guirnaldas de flores silvestres «las ramas colgantes» de un árbol. Aunque sus faldas «de sirena» la mantuvieron a flote al principio, pronto se vuelven «pesadas con su bebida». Mientras se hunde, canta suavemente para sí misma, hasta que encuentra su trágica «muerte de barro.»

El proceso pictórico

John Everett Millais, Estudio para «Ofelia», 1852 (Foto: Wikimedia Commons )

Para captar plenamente el espíritu de esta «muerte fangosa», Millais optó por pintar en plein air («al aire libre»), una técnica prerrafaelita definitoria. Durante cinco meses, acampó en las orillas del río Hogsmill, en Surrey, al sureste de Inglaterra, y se dedicó a documentar las plantas locales en un proceso minucioso y doloroso.

«Mi martirio es más duro que cualquier otro que haya experimentado hasta ahora», se lamentaba. «Las moscas de Surrey son más musculosas, y tienen una propensión aún mayor a sondear la carne humana . . . Me amenazan con una notificación para que comparezca ante un magistrado por invadir un campo y destruir el heno. . . también estoy en peligro de ser arrastrado por el viento hasta el agua, y de intimar con los sentimientos de Ofelia cuando esa Dama se hundió hasta la muerte en el barro, junto con la (menos probable) desaparición total, por la voracidad de las moscas».

Elizabeth Siddal, la modelo de diecinueve años de Millais, no lo tuvo más fácil. Artista y musa favorita de Millais y sus compañeros prerrafaelistas (incluido su futuro marido, Dante Gabriel Rossetti), Siddal estaba familiarizada con el proceso de sentarse para pintar. Sin embargo, interpretar el papel de una Ofelia ahogada resultó ser una tarea especialmente difícil. Enfundada en lo que Millais describió con entusiasmo como un «espléndido vestido antiguo de dama, todo floreado con bordados de plata», Siddal posó en una bañera llena de agua. Durante una sesión, las lámparas de aceite responsables de mantener el agua caliente se apagaron, y Siddal enfermó gravemente como resultado. (Millais pagó las facturas médicas a petición de su padre.)

Después de este proceso creativo poco ideal («Ciertamente, pintar un cuadro en tales circunstancias sería un castigo mayor para un asesino que la horca», comentó Millais), Ophelia se completó en 1852 y se expuso en la Royal Academy of Art ese mismo año.

Legado en flor

Detalle de ‘Ofelia’

Aunque Ofelia fue recibida inicialmente con críticas mixtas (un crítico la calificó de «tour de force de la representación detallada», mientras que otro la consideró «perversa»), desde entonces ha llegado a significar la cima de la pintura prerrafaelista. Además de captar el énfasis del movimiento en el naturalismo, el cuadro también es un epítome de la floriografía, o el «lenguaje de las flores».

La flora flotante de Ofelia, delicadamente representada en una gama de tonos de joya, es uno de los motivos más celebrados del cuadro. Sin embargo, estos detallados elementos botánicos son más de lo que parece, ya que cada uno de ellos sirve de símbolo. Algunas de las plantas que aparecen en el cuadro son mencionadas por Shakespeare, que asignó famosos significados a las flores; otras fueron añadidas cuidadosamente por Millais, que había cultivado un interés por el «lenguaje de las flores», un fenómeno en el que la flora se utiliza para comunicar mensajes codificados.

«Las rosas cerca de la mejilla y el vestido de Ofelia, y la rosa de campo en la orilla, pueden aludir a que su hermano Laertes la llamaba ‘rosa de mayo'», explica Tate. «El sauce, la ortiga y la margarita se asocian con el amor abandonado, el dolor y la inocencia. Los pensamientos se refieren al amor en vano. Las violetas, que Ofelia lleva en una cadena alrededor del cuello, representan la fidelidad, la castidad o la muerte de los jóvenes, cualquiera de cuyos significados podría aplicarse aquí. La amapola significa la muerte. Las nomeolvides flotan en el agua».

Aunque arraigado en la antigüedad, este principio se había hecho excepcionalmente popular en la Inglaterra victoriana y, con las preciadas flores de Ofelia a la cabeza, sin duda seguirá floreciendo en los años venideros.

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