Cómo el Americana se convirtió en mainstream en la década de 2010

Sólo unos años después de la fundación de la Asociación de Música Americana, el formato de radio aficionado experimentó un renacimiento improbable con el éxito arrollador de O Brother, Where Art Thou? de 2001, que contó con pioneros de las raíces como Ralph Stanley y John Hartford junto a sus herederos modernos como Gillian Welch y Alison Krauss. A finales de los años ochenta, el floreciente resurgimiento del folk-rock de artistas como Welch, Avett Brothers, Kathleen Edwards, Old Crow Medicine Show, Conor Oberst y los Felice Brothers ayudó a aumentar la visibilidad de la música por parte de la crítica y el impulso de las bases.

Pero el término Americana nunca se había unido a un acto en la corriente principal del pop hasta que Mumford & Sons se introdujeron en los Estados en masa en 2010. Fue una tormenta perfecta para el género en ciernes: dos semanas antes de la publicación de Sigh No More en Estados Unidos, los Grammys concedieron su primer premio al mejor álbum de Americana (a Electric Dirt, de Levon Helm). Al año siguiente, Merriam-Webster añadió el término musical «Americana» (junto a palabras como «Tweet») a su diccionario, definiéndolo, aunque con exactitud, como «un género de música estadounidense que tiene sus raíces en la primera música folk y country».

Llámelo Genericana (como hizo una vez Jason Isbell) si quiere. Pero en la última década, la eternamente difícil de definir comunidad de la música de raíces ha explotado en un género pop de bajo costo y comercialmente viable. Comenzó la década de 2010 como un rincón todavía nicho de la industria musical de Nashville antes de transformarse en una fuerza de buena fe que influiría fuertemente en el pop y el country de los 40 principales, desde los creadores de éxitos de dance-pop como Avicii y Kesha hasta los gigantes del country Chris Stapleton y Zac Brown Band. Al mismo tiempo, la última década de Americana ha servido de caldo de cultivo para la colaboración entre generaciones, un espacio para diálogos de paso de antorcha entre leyendas como John Prine, Loretta Lynn, Mavis Staples y artistas -Kacey Musgraves, Margo Price, Rhiannon Giddens y Brandi Carlile- que son lo suficientemente jóvenes como para ser sus nietos.

El inesperado éxito de grupos como Mumford & Sons y sus compatriotas los Lumineers y los Avett Brothers demostró al resto de la industria musical que había un gran público para la música pop presentada con banjos, bombos y guitarras acústicas de rápida ejecución, y la industria americana respondió del mismo modo. En 2010, los nominados a Artistas Emergentes del Año en los premios anuales Americana Honors & eran trovadores country/folk de poca monta como Corb Lund, Joe Pug y Sarah Jarosz; en 2011, los nominados a Artistas Emergentes del Año, The Civil Wars y Mumford & Sons, vendieron más de dos millones de álbumes equivalentes juntos.

La historia de la década de auge de la música americana también reflejó la explosión del aburguesamiento de la ciudad de Nashville, que disfrutó de un enorme período de crecimiento en su economía, desarrollo y turismo en los últimos 10 años. En 2015, artistas como Aaron Lee Tasjan ya parodiaban la escena inflada: «Bandas americanas y cocaína de crack», cantaba en «E.N.S.A.A.T», «Múdate a East Nashville/And write a song about a train».»

Pero antes de que se parodiara en forma de canción, los primeros años de la década produjeron un florecimiento artístico fundacional en East Nashville, con magníficos discos de artistas locales como Caitlin Rose, Andrew Combs, Jonny Fritz y la leyenda del barrio Todd Snider, todos ellos publicados con meses de diferencia. En 2019, todos esos artistas habían abandonado el barrio, huyeron de la ciudad por completo, pusieron en pausa sus carreras musicales o se convirtieron en agentes inmobiliarios en Los Ángeles.

La ola de éxito de Mumford &Sons nunca produjo el tipo de frenesí de alimentación de banjo de los grandes sellos que tuvo lugar durante los años noventa posteriores al grunge de Nirvana, según John P. Strohm, el jefe del sello de raíces de Nashville Rounder Records; los sellos de la era de la recesión posterior a la piratería y anterior al streaming simplemente no tenían el dinero. Sin embargo, el sonido de Mumford, con sus palmas y sus gritos, allanó el camino para que la música americana se convirtiera en algo cercano al pop o, al menos, en algo que se ajustara a la corriente principal. En diciembre de 2012, los únicos artistas con canciones más altas en el Hot 100 que los Lumineers (que consiguieron un éxito con «Ho Hey») eran Rihanna y Bruno Mars. Un par de años después de la llegada de Mumford, titanes de los 40 Principales como Imagine Dragons estaban explotando su plantilla sónica, Kesha y Pitbull estaban introduciendo un riff de armónica de blues-rock en la cima de las listas, y Avicii estaba reclutando al pilar de Oh Brother, Where Art Thou? Dan Tyminski para cantar en sus discos de EDM.

El éxito de la música pop-roots también ayudó a consolidar la estética del folk como una mina de oro para sintonías y anuncios publicitarios y demostró a instituciones como la Americana Music Association, cuyo objetivo declarado es promover la viabilidad de la música de raíces, que su proyecto estaba funcionando.

Marcus Mumford también tuvo un papel central en Inside Llewyn Davis, la película de 2012 que sirvió de reboot de la música de raíces de T Bone Burnett Oh Brother, Where Art Thou? con los hermanos Coen. La película, y el concierto que la acompañó, Another Day, Another Time, utilizó a estrellas como Justin Timberlake, Oscar Isaac, Jack White y Mumford para destacar a una serie de estrellas emergentes de la música americana como los Punch Brothers y Rhiannon Giddens (el concierto en el Town Hall sirvió como plataforma de lanzamiento para la carrera en solitario de esta última).

Pero tras el efímero auge de los 40 Principales entre 2011 y 2014, a mediados de la década la Americana se había reorientado en gran medida hacia los cantautores de raíces como Shakey Graves, Sarah Jarosz, Sturgill Simpson y Jason Isbell, a quien GQ acuñó como «El Rey de la Americana» en 2016. Al mismo tiempo, el Americana trató de ampliar sus fronteras, incorporando a promesas de las raíces como Leon Bridges y Alabama Shakes mientras el género reclamaba cada vez más linajes como el blues y el R&B en su definición cada vez más amplia. «Si puedes saborear la suciedad a través de tus oídos, eso es Americana», dijo el presidente de la AMA, Jed Hilly, en un comentario tan comercialmente conveniente como carente de sentido, en 2016.

Quizás ningún momento de los últimos 10 años ilustró mejor la cada vez más espinosa política racial y de género de la Americana que la actuación viral de la estrella emergente del country Chris Stapleton en los premios CMA de 2015 con la influencia secreta de la Americana de los años 2010, Justin Timberlake. En una dosis concentrada de interpolación americana de ojos azules de las tradiciones musicales negras que podría lanzar una docena de disertaciones de Estudios Americanos, el dúo interpretó la interpretación del primero de «Tennessee Whiskey» de George Jones con una melodía de Etta James antes de pasar a la interpretación pop de Timberlake de 20/20 Experience del soul de Memphis. Al año siguiente, después de haber llevado su country-rock-soul de los setenta a lo más alto de las listas de Country, Chris Stapleton fue nombrado Artista del Año en los Americana Music Awards.

El bautizo de Stapleton como superestrella híbrida de la música Americana/country coincidió con un mayor resurgimiento y renacimiento de los sonidos country de los setenta a mitad de la década. Los estilistas retro Margo Price y Sturgill Simpson se convirtieron simultáneamente en el centro de atención nacional, y cada uno de los herederos del honky-tonk debutó en Saturday Night Live con menos de un año de diferencia. Artistas como Simpson y su homólogo de Kentucky, Tyler Childers, ambos incondicionales de la música americana que seguramente rechazarían esa designación, consiguieron contratos con grandes discográficas gracias al éxito de boca en boca de sus discos de country de la vieja escuela. Álbumes como Traveller, de Stapleton, y Metamodern Sounds in Country Music, de Simpson, proporcionaron a la industria un inesperado éxito de combustión lenta, vendiendo cientos de miles de copias.

En 2018, Hollywood volvió sus ojos a la Americana para la superproducción de Lady Gaga Ha nacido una estrella. Bradley Cooper interpretó a un marchito trovador del roots-rock cuyo tema fue escrito por Isbell, mientras que Brandi Carlile y Lukas Nelson aparecieron en la película. El cerebro musical detrás de la creación de estos mundos fue Dave Cobb, que actuó como consultor musical de la película y productor de la banda sonora después de convertirse en el productor de música americana más solicitado de la década gracias a su éxito con Isbell y Stapleton.

Ese mismo año, Kacey Musgraves, adoradora de John Prine y dos veces nominada a los premios Americana, irrumpió en la corriente principal con Golden Hour, consiguiendo una gran base de fans pop y ganando el Álbum del Año en los Grammys. A pesar de la mayor viabilidad del Americana en el mainstream, en 2018 Musgraves era solo la más destacada de toda una legión de cantautores de country/folk que intentaban alejarse de lo que percibían como los confines ideológicos demasiado estrictos del género. «Aunque me encanta la música americana y de raíces, parece que a veces hay una competición con lo country o tradicionalista que puedes demostrar que eres», dijo en 2018.

Habla con la mayoría de los cantautores de Nashville que habían estado haciendo discos de «Americana» inspirados en el country a principios de esta década, y probablemente te dirán algo similar: Los estrechos confines del Americana se volvieron demasiado limitados; vestirse de vaquero trovador empezó a parecer una treta; los artistas sintieron un creciente deseo de explorar toda la amplitud de sus influencias artísticas. Artistas como John Moreland y Dawes empezaron a experimentar con texturas sonoras más variadas; otros, como Caroline Rose, Brittany Howard y Leon Bridges, se decantaron directamente por otros géneros (synth-pop, rock deudor de Prince y R&B contemporáneo, respectivamente).

¿Qué le deparará la década de 2020 a la Americana? A pesar de sus artistas desertores y escépticos, la comunidad terminó la década con una nota próspera, con superestrellas recién acuñadas como Brandi Carlile agotando las entradas del Madison Square Garden días después de convertirse en la artista del año 2019 en los Americana Honors. Mientras tanto, promesas como Yola y J.S. Ondara siguen mostrando un camino fresco, más variado musicalmente y representativamente para la comunidad. La primera obtuvo una nominación a Mejor Artista Revelación en los Grammy gracias a la fuerza de su idiosincrático debut de pastiche pop-roots Walk Through Fire; el segundo aporta una perspectiva intangiblemente global a su folk de cafetería.

En 2017, varios años antes de que se convirtiera en una de las más brillantes novedades del género, Yola habló de que la diversidad de la expresión sónica era clave para la sostenibilidad del género a largo plazo. «Lo más fácil sería que la gente reaccionara ante el éxito de un determinado artista y dijera: podemos hacer simplemente lo que ellos están haciendo; reproduzcamos a estos artistas, 50.000 veces más», dijo a Rolling Stone. «Por muy impresionante que sea Chris Stapleton, tener diferencias es importante. Esa es la fuerza del género, el gran sentido de la variedad de estilos»

La «gracia salvadora» de la música americana, continuó, es «que no se convierta en un solo género en el que se viste a cuadros y se toca música de guitarra, donde es básicamente indie rock con un pedal steel. Caminos polvorientos y trenes, siempre se trata de esos trenes», se rió, recordando una década de imitaciones de Mumford vestidas como actores de la época de la Depresión que cantaban sobre el salto de los trenes de mercancías. «¡Los trenes, chicos, tranquilos con los trenes!»

Mumford &Sons han luchado ellos mismos con su relación con la música sobre proverbiales carreteras polvorientas y trenes. En 2015, la banda se volvió eléctrica, haciendo todo lo posible para sonar como The National en Wilder Mind, un movimiento que obtuvo una respuesta tibia (y resultó en que el grupo fuera excluido de la lista emergente de British Americana). Para cuando Mumford regresó a un enfoque ligeramente más respetuoso con las raíces en Delta, de 2018 (un lanzamiento que promocionaron volviendo a baluartes de la música americana como el Americana Honors y el Newport Folk Festival), el momento y el movimiento musical habían pasado casi por completo: Hasta la fecha, el disco más reciente del cuarteto es su único lanzamiento que no ha sido certificado como disco de oro en EE.UU. ¿Cómo terminó la banda que comenzó la década impulsando la comercialización pop del Americana? Actuando en un concierto navideño de una emisora de radio alt-rock junto a Cage the Elephant y Jimmy Eat World.

Pero justo antes de eso, el grupo dio a los fans un último guiño de 2010 a su pasado de botas y banjo, lanzando las Sigh No More Sessions, un EP de cinco canciones que conmemora el décimo aniversario del lanzamiento del álbum en Gran Bretaña, el pasado octubre.

«Mirando hacia atrás y viendo lo que realmente llevábamos… todo el asunto fue un poco una broma para nosotros», dijo Mumford sobre la estética folk/Americana de la banda. «Ninguno de nosotros pensó que esto llegaría muy lejos, sólo nos reíamos.»