7 músicos japoneses que influyeron en el mundo

La música japonesa ha tenido, lo sepa el resto del mundo o no, una enorme influencia en las tendencias musicales mundiales durante mucho tiempo. Desde la envidiable escena underground japonesa de la posguerra hasta el imparable ascenso del J-pop de este siglo, los artistas japoneses han encabezado movimientos que han desatado ondas revolucionarias en todo el planeta y, en 2019, su influencia nunca ha sido tan amplia ni tan evidente.

El descubrimiento de la obra de los músicos japoneses ha recorrido un largo camino desde los tiempos del sello New Japan de John Zorn y aquellos infames y laberínticos blogs de J-pop de los primeros tiempos de internet. De hecho, en los últimos 20 años se ha producido un aumento sin precedentes del consumo de música japonesa, revolucionado por los servicios de streaming y las plataformas colaborativas en línea como Reddit y RateYourMusic (RYM).

Ser influyente es ser algo más que popular. Y sin embargo, hay un número incontable de músicos japoneses, populares o no, que han alterado irreversiblemente la trayectoria de un número incalculable de géneros en todo el mundo. Es evidente que existe un catálogo desalentador de artistas que cumplen este criterio, una lista que sin duda podría llenar varios volúmenes (considere brevemente las enormes divergencias de estilo entre Yoko Ono y Merzbow, Hikaru Utada y Toru Takemitsu, Boris y Cornelius). Esta lista, sin orden de preferencia, condensará ese número en siete favoritos que considero más relevantes en la actualidad y que representan la amplitud de la influencia de los músicos japoneses en diferentes estilos y géneros.

Boredoms

Descritos por Bonnie C. Wade como «cacofonía maníacamente extrema», los álbumes y los espectáculos en directo de Boredoms sólo pueden describirse como «acontecimientos espirituales» o «eventos culturales». Procedentes de Osaka, en los últimos 30 años han producido álbumes de ruido agresivo, punk rápido, noise rock, krautrock, rock psicodélico, post rock, turntablism y minimalismo (por nombrar algunos).

Los actuales espectáculos en vivo de Boredoms son conocidos por girar en torno al arte abstracto extremo de la performance, un número ridículo de baterías (en dos ocasiones, 77 y 88) y una espiritualidad fascinante. Cuesta creer que sean la misma banda que giró con Sonic Youth y Nirvana a finales de los 90 y que incluso tocó en el escenario principal de Lollapalooza en 1994.

Al recordar esas actuaciones, sigue siendo desconcertante que hayan gozado de tanta popularidad. No es tanto que no fueran buenos -de hecho, Boredoms siempre han sido bastante increíbles- sino que apenas eran dignos de la radio pop. Sin embargo, el coqueteo constante del líder Yamataka Eye con la locura y el enfoque ingenuo e improvisado de la batería de Yoshimi P-We abrieron los ojos de muchos fuera de Japón, especialmente en Estados Unidos, a Japanoise.

Los aburridos se infiltraron en el underground estadounidense, no sólo involucrándose con los gigantes Sonic Youth, Nirvana y los Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots llevaba el nombre de Yoshimi P-We y contaba con sus colaboraciones), sino que se ganaron una reputación de artistas venerados y míticos. Álbumes como Super æ (1998) y Vision Creation Newsun (1999) no hicieron más que acrecentar el mito, y su influencia puede escucharse en el trabajo de una gran cantidad de bandas diferentes, desde actos de ruido y rock experimental como Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles y Black Midi hasta el conjunto de pop psicodélico Animal Collective.

Aunque ya ha pasado casi una década desde que los Boredoms alcanzaron su máxima influencia, se han beneficiado del nuevo fandom global de la era de los medios digitales; están entre los músicos japoneses más imitados y conocidos.

Fishmans

Simplemente, nunca ha habido otra banda como Fishmans. Formados en 1987 como una simple banda de dub antes de transformarse finalmente en titanes del dream pop experimental y la neo-psicodelia, Fishmans estaban capitaneados por Shinji Sato (voz), Kin-Ichi Motegi (batería) y Yuzuru Kashiwabara (bajo).

Pocas discografías narran tan satisfactoriamente la historia de una banda como la de Fishmans, hecho que se debe en gran medida a las vertiginosas cotas alcanzadas por sus últimos cuatro discos. Kūchū Camp, Long Season (ambos descritos por The Japan Times como «hitos indiscutibles en el canon del rock japonés»), Uchū Nippon Setagaya y 98.12.28 Otokotachi no Wakare son innovadores en el sentido de que nadie, ni antes ni después, ha sonado como ellos.

No es exagerado decir que Fishmans son más populares ahora de lo que lo fueron durante toda su vida en los años 90. Sin embargo, excepcionalmente populares como son tanto en /mu/ de Reddit como en RYM, uno casi pensaría que los Fishmans han sido durante mucho tiempo un nombre familiar. Miles de fans se desmayan con las voces encantadoramente tontas de Sato y las infecciosas líneas de bajo de Kashiwabara, y muchos conectan con el trágico trasfondo de Otokotachi no Wakare. Para muchos, la tragedia de la muerte de Sato altera retrospectivamente la forma de escuchar el disco, y pocas discusiones sobre los mejores discos de la historia de la música moderna excluyen a Fishmans. Todo ello a pesar de que el catálogo de Fishmans sólo está disponible en streaming desde el año pasado y de que Otokotachi no Wakare -su obra más aclamada en general- nunca ha salido a la venta fuera de Japón.

Más que cualquier otro artista de esta lista, la influencia de Fishmans no radica tanto en lo que han inspirado musicalmente (o al menos no todavía) como en la medida en que han impregnado la conciencia y el discurso de toda una generación de fanáticos de la música mundial. Bandas como Fishmans sólo aparecen una vez en una generación. Veinte años después, está claro que por fin están cerca de recibir el reconocimiento que merecen.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono ha sido un eje de la música pop japonesa desde sus primeros días en Apryl Fool y Happy End. A la Yellow Magic Orchestra (1978-84) de Hosono, con Ryuichi Sakamoto y Yukihiro Takahashi, se le atribuye la invención del tecno-kayo y, junto a gente como Kraftwerk y Giorgio Moroder, se le reconoce habitualmente como uno de los padrinos de la música pop electrónica.

Hosono, sin embargo, se ha hecho famoso por la amplitud de sus experimentos estilísticos, su extensa lista de créditos de producción y su trabajo en solitario, exotista y orientalizante. Ha dejado una huella indeleble en algunos de los álbumes de pop más populares de la historia de la música japonesa moderna y, sin embargo, sólo hace relativamente poco tiempo que su influencia se ha extendido firmemente más allá de sus días con YMO. Las melodías de Hosono, característicamente juguetonas y llenas de color, han sentado las bases para su idolatría por parte de grupos de pop indie y raros, siendo el más famoso -y más significativo- Mac DeMarco.

Aparte de las similitudes estilísticas, DeMarco ha reconocido públicamente a su ídolo e incluso ha lanzado una versión oficial de «Honey Moon» de Hosono. A principios de este año se unió a Hosono en el escenario para interpretarla, y también admitió que el 2 (2012) de DeMarco se inspiró en el Hosono House (1973) de Hosono. El papel de Hosono en el ascenso de DeMarco sería ignorable, sólo que DeMarco es fácilmente uno de los artistas más imitados y definitorios del indie rock estadounidense de esta década.

Incluso al margen de su trabajo con YMO, el trabajo en solitario de Hosono y su impronta en los discos de Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki y Pizzicato Five están, en gran medida a través del streaming, calando en una nueva generación deseosa de profundizar en su vasto catálogo de lanzamientos.

Keiji Haino

Maestro de la interpretación y una de las figuras más enigmáticas e incansablemente innovadoras de la vanguardia, Keiji Haino declara que su música es tan poderosa como las drogas psicodélicas (que, por cierto, él asegura que nunca ha tomado). Y con una música tan poderosa, no es de extrañar que sea un músico de vanguardia tan legendario e influyente.

Imposible de encasillar en un solo género, Haino es conocido por su trabajo con la improvisación libre, el minimalismo, el ruido, el drone, la poesía y mucho más, tanto en su trabajo en solitario como en su plétora de otros proyectos musicales (especialmente el conjunto psicodélico Fushitsusha y el acto de ruido Nijiumu). A pesar de haber sido expulsado de la NHK entre 1973 y 2013 y de haber grabado discos al borde de lo que se podría considerar «música», Haino encontró un público en Estados Unidos a través del sello Tzadik de John Zorn en los años 90 como un revolucionario sónico místico y salvaje. Convertido en una figura venerada por artistas de la talla de Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O)))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, productor de Wilco y Stereolab) y Christian Marclay, la influencia de Haino no sólo se manifiesta en sus proyectos de colaboración con estos artistas, sino también en su ethos más amplio.

Estos seguidores han pasado a crear algunos de los discos pesados y experimentales más importantes y respetados fuera de Japón (así como algunos trabajos de género más suave que definen a una generación); transformando los géneros a través de su misma filosofía radical y su enfoque de superación de los límites. En pocas palabras, sin Haino, discos como Monoliths and Dimensions de Sun O))), Insignificance de Jim O’Rourke, Murray Street de Sonic Youth o Yankee Hotel Foxtrot de Wilco nunca habrían sonado como lo hacen.

Nujabes (Jun Seba)

La idolatría de un artista tras su fallecimiento no es un fenómeno raro, pero pocas veces el aprecio póstumo generalizado ha sido tan merecido como con la música del pionero del hip hop instrumental Nujabes (nacido Jun Seba). Desde la trágica muerte de Nujabes en una colisión de tráfico en febrero de 2010, su legado ha crecido silenciosa y exponencialmente hasta encarnar un estilo de hip hop conocido en todo el mundo. Los ritmos de Nujabes tomaron el rap jazzístico de artistas estadounidenses como Pete Rock y A Tribe Called Quest y le añadieron vientos de madera, vientos y una intensa deuda con el jazz espiritual.

Fusionando la instrumentación en vivo con muestras de una amplia gama de artistas -como Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis y Jean-Michel Jarre, entre muchos otros- los ritmos de Nujabes tienden hábilmente un puente entre innumerables géneros. Es tan conocido por sus dos discos de estudio, Metaphorical Music y Modal Soul, como por su trabajo en la banda sonora de la serie de anime Samurai Champloo de Shinichirō Watanabe. El legado de Nujabes, impulsado por la creciente demanda en el hip hop de instrumentales más suaves y jazzísticos (así como por el hecho de que Samurai Champloo haya conseguido una inmensa audiencia internacional), no ha hecho más que crecer desde su muerte.

Más que el «J Dilla de Japón» (aunque, casualmente, nació el mismo día, el 7 de febrero de 1984), ha sido reconocido por artistas tan diversos como el rapero polaco Zeus y los raperos estadounidenses SahBabii y Joey Bada$$ como un precursor esencial y distinto del hip hop contemporáneo. Con el surgimiento de Lo-fi Hip Hop Radio y varios eventos de la Nujabes Experience por todo el mundo, está claro que el impacto del hip hop instrumental de Nujabes no hace más que crecer.

Perfume

Desde que irrumpieron en la escena del J-pop en 2008, ha quedado claro que Perfume no es un grupo ídolo corriente. Tanto su inmensa popularidad como el notable grado en que esa popularidad se ha traducido tan bien en el extranjero dejan claro que son un fenómeno cultural atípico y no puramente japonés. Si YMO introdujo la primera oleada de tecnopop, Perfume atrajo la segunda. La afición del productor Nakata Yasutaka por el house francés y la bossa nova creó una instrumentación que no se parecía a nada de la época, mientras que las voces de Kashiyuka, A-chan y Nocchi eran anormalmente oscuras. Monótonas y autotuneadas con un toque de ciencia ficción y electrónica, las tres eran un marcado contraste con artistas de la talla de Ayumi Hamasaki y Hikaru Utada.

Tocando en el festival de Texas SXSW en 2015 y generando bases de fans en inglés en sitios como Perfume City, LiveJournal, AllMusic y YouTube, uno podría ver a Perfume como el equivalente japonés de Cool Britannia. Los temas de Game (2008) y Triangle (2009) se convirtieron en habituales en los sets de los DJs indie de todo el mundo y acabaron siendo apoyados por giras mundiales. Naturalmente, la influencia de Perfume reside en gran medida en la música pop y la EDM. Madeon y Zedd, dos de los DJs más famosos de la EDM, han reconocido la influencia de Perfume y de Yasutaka en su trabajo. Aunque Yasutaka pasó a producir para Kyary Pamyu Pamyu de Harajuku, otra exportación de J-pop única y popular, Perfume fueron los renovadores originales del tecnopop.

Shiina Ringo

La reina del avant-pop, Shiina Ringo, es una de las pocas artistas realmente influyentes cuya obra consigue a caballo entre la popularidad estratosférica y la creatividad desenfrenada. Es una de las artistas más populares de Japón y es adorada por los fans del art pop en sitios como RateYourMusic. A principios de la década de 2000 su ascenso fue imparable; reforzada por su banda de acompañamiento Tokyo Jihen, Ringo combinó letras más oscuras, introspectivas y a menudo surrealistas con un salvaje experimentalismo instrumental que fusionaba el J-pop con elementos del jazz, el rock, el noise pop, el pop barroco, el enka y la electrónica.

Kalk Samen Kuri no Hana, el álbum que muchos consideran su mayor declaración artística, fue comparado por la edición asiática de Time con Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. La comparación está totalmente justificada: se trata de una pieza musical extravagante y caótica que se inscribe firmemente en el pop, pero que también arrastra el género sin miramientos. Las frecuentes comparaciones con Bjork son un testimonio de su estilo innovador y totalmente distintivo y de su entrega vocal de gran energía, a menudo provocativa; aunque Bjork no suena en absoluto como la autodenominada «Shinjuku-kei» de Ringo (un juego de palabras con el icónico estilo indie pop Shibuya-kei).

A pesar de que un número cada vez mayor de oyentes extranjeros encuentra constantemente el trabajo de Ringo, pocos se oponen a su estatus crítico. Entre sus admiradores se encuentran Lenny Kravitz, Courtney Love e incluso Nocchi, de Perfume, mientras que figuras como la prometedora estrella del pop londinense Rina Sawayama la consideran una influencia esencial. La músico japonesa-estadounidense Mitski, en particular, la incluyó como una de las influencias más importantes en su álbum más reciente, Be the Cowboy, aclamado por la crítica en 2018. Podría decirse que el trabajo de Ringo ha allanado el camino hacia un público internacional más amplio para otros grupos japoneses liderados por mujeres y de alta intensidad como Midori, Tricot y Otoboke Beaver, y la apreciación de su influencia sobre el art pop es innegable y creciente.