10 obras de arte que hicieron enloquecer a la gente

Los artistas a lo largo de la historia nunca han rehuido la controversia; de hecho, muchos incluso intentan buscar la infamia. (¿Necesita una prueba? Basta con mirar a Banksy, el artista callejero anónimo que recientemente creó una obra que se autodestruyó en el momento en que se vendió en una subasta, por la friolera de 1,37 millones de dólares). Aunque corresponde a los críticos e historiadores debatir sobre la técnica y el mérito artístico, hay algunas obras de arte que escandalizaron a la mayoría de las personas que las vieron. Desde pinturas consideradas demasiado lascivas, groseras o sangrientas para su época hasta actos de supuesta profanación e impactantes declaraciones políticas, éstas son algunas de las obras de arte más controvertidas jamás creadas.

1. Miguel Ángel, «El Juicio Final», 1536-1541

Unos 25 años después de completar el techo de la Capilla Sixtina, el polímata renacentista Miguel Ángel regresó al Vaticano para trabajar en un fresco que sería debatido durante siglos. Su representación de la Segunda Venida de Cristo en «El Juicio Final», en la que trabajó de 1536 a 1541, se encontró con la controversia inmediata de la iglesia católica de la Contrarreforma. Los funcionarios religiosos se pronunciaron en contra del fresco por varias razones, entre ellas el estilo con el que Miguel Ángel pintó a Jesús (sin barba y al estilo clásico de la mitología pagana). Pero lo más chocante eran las 300 figuras del cuadro, en su mayoría masculinas y casi todas desnudas. En una maniobra denominada campaña de hojas de higuera, se pintaron posteriormente trozos de tela y flora sobre la anatomía ofensiva, algunos de los cuales se eliminaron más tarde como parte de una restauración del siglo XX.

2. Caravaggio, «San Mateo y el ángel», 1602

La vida del pintor barroco Caravaggio puede ser más controvertida que cualquiera de sus obras, dado que murió en el exilio tras ser acusado de asesinato. Pero su enfoque humanista y poco convencional de sus encargos religiosos ciertamente levantó ampollas en su época. En el cuadro, hoy perdido, «San Mateo y el ángel», creado para la Capilla Contarelli de Roma, Caravaggio dio un giro a las convenciones al utilizar a un campesino pobre como modelo del santo. Pero lo que más molestó a los críticos fueron los pies sucios de San Mateo, que ilusoriamente parecían sobresalir del lienzo (un truco visual recurrente para el artista), y la forma en que la imagen daba a entender que era analfabeto, como si le leyera un ángel. La obra fue finalmente rechazada y sustituida por «La inspiración de San Mateo», una representación similar, aunque más estándar, de la escena.

3. Thomas Eakins, «The Gross Clinic», 1875

Este icono del arte estadounidense fue creado en previsión del centenario de la nación, cuando el pintor Thomas Eakins estaba ansioso por mostrar tanto su talento como los avances científicos del Jefferson Medical College de Filadelfia. El cuadro realista sitúa al espectador en el centro de un anfiteatro quirúrgico, donde el médico Dr. Samuel Gross da clases a los estudiantes que operan a un paciente. Sin embargo, la representación realista de la cirugía se consideró demasiado gráfica, y el cuadro fue rechazado por la Exposición del Centenario de Filadelfia (algunos culpan a las manos ensangrentadas del médico, otros argumentan que fue la figura femenina protegiéndose los ojos lo que lo puso al límite). Sin embargo, un siglo después, el cuadro ha sido finalmente reconocido como una de las grandes obras maestras de su tiempo tanto por sus méritos artísticos como científicos.

4. Marcel Duchamp «Fuente», 1917

Cuando el iconoclasta Marcel Duchamp presentó anónimamente un urinario de porcelana firmado «R. Mutt 1917» como una escultura «readymade» a la Sociedad de Artistas Independientes, un grupo conocido por aceptar a cualquier artista que pudiese reunir los honorarios’ ocurrió lo impensable: la pieza fue denegada, a pesar de que el propio Duchamp era cofundador y miembro de la junta del grupo. Algunos incluso se preguntaron si la pieza era un engaño, pero la revista dadaísta El Ciego defendió que el urinario era arte porque el artista lo había elegido. La pieza marcó un cambio de lo que Duchamp llamaba arte «retiniano», o puramente visual, a un modo de expresión más conceptual, iniciando un diálogo que continúa hasta hoy sobre lo que realmente constituye una obra de arte. Aunque lo único que queda del original es una fotografía de Alfred Stieglitz (que tiró la obra) tomada para la revista, hay múltiples reproducciones autorizadas de la década de 1960 en importantes colecciones de todo el mundo.

5. Robert Rauschenberg, «Erased De Kooning», 1953

En cierto modo, «Erased De Kooning» de Robert Rauschenberg presagió la pintura autodestructiva de Banksy. Pero en el caso del dibujo de 1953, el artista decidió que la obra original debía ser importante por sí misma. «Cuando sólo borraba mis propios dibujos, todavía no era arte», dijo Rauschenberg al SFMoMA en 1999. Así que recurrió al artista moderno más venerado de la época, el voluble expresionista abstracto Willem de Kooning, quien, tras convencerlo, le dio al artista más joven un dibujo con una mezcla de lápiz graso y carboncillo que Rauschenberg tardó dos meses en borrar. La obra tardó cerca de una década en difundirse, cuando fue recibida con una mezcla de asombro (¿era un joven genio usurpando al maestro?) y disgusto (¿es vandalismo?). Una de las personas que no quedó especialmente impresionada fue el propio de Kooning, que más tarde declaró a un periodista que la idea le parecía inicialmente «cursi» y que, según algunos, le molestaba que una interacción tan íntima entre artistas se hubiera compartido con el público.

6. Yoko Ono, «Cut Piece», 1964 / Marina Abramovic, «Rhythm 0», 1974

A medida que el arte de la performance surgía como práctica artística en los años de la posguerra, la forma de arte a menudo empujaba hacia la provocación e incluso el peligro. En «Cut Piece» de Yoko Ono, una performance de 1964, la artista invitó al público a coger unas tijeras y cortar un trozo de su ropa mientras ella estaba sentada inmóvil y en silencio. «La gente estaba tan sorprendida que no hablaba de ello», recordó más tarde.

Diez años después, Marina Abramovic retomó sin saberlo el concepto con «Ritmo 0», en el que la artista proporcionó al público 72 objetos para que hiciera lo que «deseara». Además de las tijeras, Abramovic ofreció una serie de herramientas: una rosa, una pluma, un látigo, un bisturí, una pistola, una bala, un trozo de pastel de chocolate. A lo largo de las seis horas que duró la representación, el público se volvió cada vez más violento: uno le sacó sangre del cuello («todavía tengo las cicatrices», ha dicho) y otro le apuntó con la pistola a la cabeza, lo que desencadenó una pelea incluso dentro de la galería («estaba dispuesta a morir»). El público se enzarzó en una pelea sobre hasta dónde llevar las cosas, y en el momento en que terminó la actuación, recuerda Abramovic, todo el mundo salió corriendo para evitar enfrentarse a lo que había sucedido. Desde entonces, Abramovic ha sido llamada la madrina del arte de la performance, y su trabajo, a menudo físicamente extremo, sigue polarizando a espectadores y críticos por igual.

7. Judy Chicago, «The Dinner Party», 1974-79

Con su «Dinner Party», Judy Chicago se propuso abogar por el reconocimiento de las mujeres a lo largo de la historia y acabó haciendo ella misma historia del arte. La obra, una compleja instalación con cientos de componentes, es un banquete imaginario en el que aparecen 39 mujeres de toda la mitología y la historia -Sojourner Truth, Sacajawea y Margaret Sanger, entre otras-, cada una de ellas representada en la mesa con un cubierto, casi todos ellos con vulvas estilizadas. Con su mezcla de imágenes anatómicas y técnicas artesanales, la obra fue tildada de vulgar y kitsch por los críticos, y fue rápidamente satirizada por una contraexposición que honraba a mujeres de «dudosa distinción». Pero a pesar de los detractores, la obra se considera ahora un hito del arte feminista, que se expone de forma permanente en el Museo de Brooklyn.

8. Maya Lin, «Vietnam Veterans Memorial», terminado en 1982

Maya Lin sólo tenía 21 años cuando ganó el encargo que lanzaría su carrera -y un debate nacional-. Su diseño para el Monumento a los Veteranos de Vietnam fue elegido por un jurado ciego, que no tenía ni idea de que la diseñadora ganadora era una estudiante de arquitectura. Aunque el diseño propuesto cumplía todos los requisitos, incluida la incorporación de 58.000 nombres de soldados que nunca volvieron de la guerra, su forma minimalista y discreta -dos losas de granito negro que surgen de la tierra en forma de «V», como una «herida que se cierra y cicatriza», ha dicho Lin- fue inmediatamente objeto de un debate político por parte de aquellos que consideraban que no heroizaba adecuadamente a los soldados a los que honra. Un veterano calificó el diseño de «herida negra de la vergüenza», y 27 congresistas republicanos escribieron al presidente Ronald Reagan exigiendo que no se construyera. Pero Lin defendió su visión, testificando ante el Congreso sobre la intención de la obra. Al final se llegó a un compromiso, cuando se añadió un segundo puesto en el concurso con tres soldados para completar el homenaje (posteriormente se añadieron también una bandera y un monumento a las mujeres). A medida que se ha ido distanciando de la guerra, las críticas al monumento se han desvanecido.

9. Ai Weiwei, «Dejando caer una urna de la dinastía Han», 1995

El artista y activista chino Ai Weiwei es una de las figuras más provocadoras del arte, y su práctica suele cuestionar las ideas de valor y consumo. En 1995, el artista hizo un guiño a Duchamp con «Dejando caer una urna de la dinastía Han», una pieza que denominó «readymade cultural». Como el título indica, la obra consistía en dejar caer, y por tanto destruir, una urna ceremonial de 2.000 años de antigüedad. El recipiente no sólo tenía un valor monetario considerable (se dice que Ai pagó varios cientos de miles de dólares por él), sino que también era un potente símbolo de la historia china. La profanación deliberada de un artefacto histórico fue tachada de poco ética por algunos, a lo que el artista respondió citando a Mao Zedong: «la única forma de construir un mundo nuevo es destruyendo el viejo». Es una idea a la que Ai vuelve, pintando una vasija similar con el logotipo de Coca Cola o con brillantes colores de caramelo, mientras la gente debate si está utilizando antigüedades genuinas o falsas. En cualquier caso, su provocadora obra ha inspirado otros actos de destrucción, como cuando un visitante de una exposición de la obra de Ai en Miami rompió una vasija pintada en un acto ilegal de protesta que reflejaba la del propio Ai.

10. Chris Ofili, «The Holy Virgin Mary», 1996

No es de extrañar que una exposición llamada «Sensation» causara revuelo, pero eso es justo lo que ocurrió cuando se inauguró en Londres en 1997 con una serie de obras controvertidas de los llamados Young British Artists: La pintura de Marcus Harvey sobre la asesina Myra Hindley, la escultura de Damien Hirst de un tiburón en formaldehído, una instalación de Tracey Emin titulada «Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995)» y el autorretrato de Marc Quinn hecho de sangre. Cuando la exposición llegó al Museo de Brooklyn dos años más tarde, fue «The Holy Virgin Mary», una Virgen de Chris Ofili, la que se ganó el mayor desprecio. El reluciente collage contenía recortes de revistas pornográficas y trozos de estiércol de elefante recubiertos de resina, que los medios de comunicación informaron erróneamente que estaban «salpicados» en la pieza. El alcalde de Nueva York, Rudy Giuliani, amenazó con retirar la subvención de 7 millones de dólares que la ciudad había concedido para la muestra, calificando la exposición de «cosa enfermiza», mientras que líderes religiosos y celebridades se unieron a las protestas en bandos opuestos. Dos décadas después, el controvertido cuadro de Ofili se ha ganado un lugar en el arco de la historia del arte y en la colección permanente del Museo de Arte Moderno.