Wie Videospiele gemacht werden: Der Spielentwicklungsprozess

Wollen Sie wissen, wie Videospiele gemacht werden? Dieser Artikel beschreibt den Entwicklungsprozess von Videospielen und insbesondere die „Pipeline“ – ein Begriff aus der Branche, der sich auf den Prozess der Entwicklung eines Videospiels von Grund auf bezieht.

Die Herstellung von Grand Theft Auto V hat angeblich 137 Millionen Dollar gekostet und die Vermarktung 128 Millionen Dollar (Quelle: The Gamer)

Was ist die Entwicklungspipeline eines Spiels?

Die Entwicklungspipeline eines Spiels ist der Prozess der Entwicklung eines Videospiels vom Konzept bis zur Fertigstellung.

Gleich einem Fließband hilft die Spieleentwicklungs-Pipeline, den Arbeitsfluss zu organisieren, so dass jeder weiß, was er wann liefern muss.

Die Pipeline hilft auch, den Zeitplan und das Budget für die Spieleentwicklung zu verwalten und Ineffizienzen und Engpässe zu reduzieren.

Während die Pipelines je nach Projekt und Studio variieren, ist der Prozess ziemlich ähnlich, egal ob man an einem AAA-, Indie- oder Handyspiel arbeitet.

Ein Spiel entwickelt sich ständig weiter, und Dinge, die in der Theorie toll klangen, funktionieren in der Realität vielleicht nicht so gut. Daher ist die Pipeline nicht unbedingt ein linearer Prozess. Die Arbeit muss zur kreativen Freigabe geschickt werden und kann oft zur Überarbeitung zurückgeschickt werden. Pipelines müssen flexibel genug sein, um Überarbeitungen und Kursänderungen zu berücksichtigen.

Die 3 Phasen der Spieleentwicklung

Die Entwicklung von Videospielen wird in der Regel in 3 Phasen unterteilt: Vorproduktion, Produktion und Postproduktion.

1. Vorproduktion

Damit beginnt jedes Projekt. Im Wesentlichen wird in der Vorproduktion festgelegt, worum es in dem Spiel geht, warum es gemacht werden soll und was man braucht, um es zu machen.

Vielleicht haben Sie eine großartige Idee für ein Spiel, eine Geschichte, die Sie zum Leben erwecken wollen, oder Sie wollen ein Spiel entwickeln, das eine bestimmte Technologie nutzt (z.z. B. VR, ein neuer Controller oder eine Konsole).

In der Vorproduktion finden Sie Antworten auf Fragen wie:

• Wovon handelt das Spiel?
• Wer ist die Zielgruppe?
• Gibt es einen Markt dafür? Wie sieht die Konkurrenz aus?
• Auf welcher Plattform wird es veröffentlicht?
• Wie wird es vermarktet? Wird es auf einer Plattform verkauft oder kostenlos mit In-Game-Käufen zu spielen sein?
• Wie lange wird die Entwicklung dauern?
• Welche Mitarbeiter und Ressourcen werden benötigt?
• Wie hoch ist das geschätzte Budget?

Diese Phase kann zwischen einer Woche und einem Jahr dauern, je nach Projekttyp, verfügbaren Ressourcen und Finanzen, und nimmt normalerweise bis zu 20 % der gesamten Produktionszeit in Anspruch.

Zu diesem Zeitpunkt ist das Team recht klein. Es kann aus einem Produzenten, einem oder mehreren Programmierern und einem Konzeptzeichner bestehen (oder wenn Sie ein Ein-Mann-Betrieb sind, machen Sie das meiste selbst!).

Ein Videospielproduzent kümmert sich um den geschäftlichen Aspekt des Projekts, insbesondere um die Finanzen. Er verwaltet das Budget und entwickelt Marketingstrategien, um das Produkt zu verkaufen.

Ein Konzeptkünstler gibt schon früh den Ton für das Projekt an, indem er Grafiken und Skizzen entwickelt. Diese frühen Bilder helfen dabei, die Sprache des Spiels zu formen und geben jedem, der an dem Projekt arbeitet, einen visuellen Leitfaden für das Gesamtbild.

Concept Art aus Starcraft 2: Wings of Liberty, von CG Spectrum Mentor Brian Huang, Blizzard Entertainment. More reading: Interview mit Brian und What it’s like to be a concept artist.

Die in dieser Phase der Vorproduktion gesammelten Informationen bilden die Grundlage für das Game Design Document.

Das Game Design Document (GDD)

Ein Game Design Document (GDD) ist im Grunde der Nordstern des Spiels. Es ist ein lebendiges Dokument, das allen hilft, die übergeordnete Vision des Projekts zu verstehen und mit an Bord zu nehmen.

Das GDD beinhaltet Dinge wie:

• Die Idee oder das Konzept
• Genre
• Story und Charaktere
• Kernspielmechanik
• Gameplay
• Level- und Weltdesign
• Kunst und/oder Skizzen
• Monetarisierungsstrategie

Als ein lebendes Dokument, wird der GDD während der Produktion ständig aktualisiert und verfeinert. Das kann aus technischen oder finanziellen Gründen geschehen, oder einfach aus der Erkenntnis heraus, dass etwas nicht so gut aussieht, spielt oder funktioniert, wie man es sich ursprünglich erhofft hatte.

Viele Leute, vor allem kleinere Entwickler, verwenden gerne agilere Entwicklungstechniken, bei denen es weniger um Prozesse und Dokumentation geht, sondern mehr darum, Dinge einfach zu bauen. Größere Studios bevorzugen jedoch einen anderen Ansatz.

EA, Microsoft, Sony, Ubisoft und andere große Spielefirmen sind sehr prozessorientiert und verlangen eine umfangreiche Dokumentation. Das ist ein großer Teil ihres Erfolges, den sie immer wieder erzielt haben.

Ein GDD sorgt für Ordnung, hilft beim Erkennen potenzieller Risiken und lässt Sie im Voraus erkennen, wen Sie möglicherweise einstellen oder auslagern müssen, um Ihr Projekt zum Leben zu erwecken. Ihre Spielidee mag recht einfach erscheinen, aber sobald Sie sie in einem GDD darlegen, werden Sie vielleicht bald erkennen, wie groß und ressourcenintensiv Ihr Projekt ist.

Projekte ohne einen Plan sind viel wahrscheinlicher, dass sie die Zeit und das Budget überschreiten.

Ein weiterer Grund, einen GDD zu erstellen, ist die Unterstützung bei der Präsentation und Finanzierung Ihres Spiels. Potenzielle Investoren wollen einen soliden Plan sehen, bevor sie investieren.

Der GDD wird Ihnen schließlich helfen, Ihr Produkt zu vermarkten, sobald es bereit ist, veröffentlicht zu werden.

Prototyping

Ein Videospiel-Prototyp ist ein grober Test, der die Funktionalität, das Benutzererlebnis, das Gameplay, die Mechanik und die künstlerische Ausrichtung überprüft.

Prototyping findet in der Vorproduktionsphase statt, um zu testen, ob die Spielidee funktioniert und ob es sich lohnt, sie weiterzuverfolgen. Viele Ideen kommen über dieses Stadium nicht hinaus.

Das Team beginnt oft mit Papierentwürfen, um Theorien zu testen und viele der Nuancen eines Spiels oder einer Reihe von Systemen schnell, einfach und kostengünstig auszuarbeiten.

Auch wenn Ideen, Psychologie, Theorien und andere tiefgründige Metaphern wichtig sind, kann man nur so weit im Kopf oder auf Papier entwerfen. Die meisten Spielideen müssen eher früher als später angefasst, gefühlt, gespielt und getestet werden.

Das Ziel ist es, so schnell wie möglich einen Prototyp zu entwickeln, um zu testen, ob Ihre Ideen tatsächlich funktionieren und ob das Spiel so viel Spaß macht, wie Sie gehofft hatten. Das Prototyping kann auch unerwartete Herausforderungen zutage fördern, die möglicherweise den gesamten Verlauf Ihres Projekts verändern können. Es ist wichtig, den Prototyp auch von anderen testen zu lassen, denn Dinge, die für Sie offensichtlich sind, sind es für andere vielleicht nicht.

Platzhalter-Assets werden verwendet, um Zeit und Geld zu sparen. Diese minderwertigen Elemente stehen während der frühen Testphase für Dinge wie Waffen und Requisiten, und wenn sie genehmigt werden, werden sie später durch endgültige, hochwertige Versionen ersetzt.

Platzhalter können gekauft oder kostenlos online in der Spielentwicklungssoftware gefunden werden. Sie sind in der Regel ziemlich einfache Formen, können aber auch etwas fortgeschrittener sein, wie zum Beispiel dieses „Soul: Cave“-Asset-Pack von Epic Games für die Unreal Engine 4:

Soul: Cave Platzhalter-Asset-Pack von Epic Games für UE4

2. Produktion

Die Produktion ist die längste Phase der Pipeline und es sind alle Hände voll zu tun.

Die Produktion dauert zwischen 1 und 4 Jahren und ist der Zeitpunkt, an dem das Spiel wirklich Gestalt annimmt. Die Geschichte wird verfeinert, Assets (Charaktere, Kreaturen, Requisiten und Umgebungen) werden erstellt, die Spielregeln werden festgelegt, Levels und Welten werden gebaut, Code wird geschrieben und so vieles mehr!

Fast alles in einem Videospiel ist eine bewusste Entscheidung. Dazu gehören jede Figur, jede Umgebung, jedes Objekt sowie das Aussehen, die Farben, der Sound, der Schwierigkeitsgrad, die Regeln und das Punktesystem.

Allerdings lassen sich anfängliche Ideen nicht immer so gut in die Realität umsetzen, so dass das Spiel während der Arbeit ständig getestet und verfeinert wird.

Werfen wir einen Blick auf die wichtigsten Meilensteine der Spieleproduktion und einige der wichtigsten Jobs in der Videospielentwicklung, wobei zu beachten ist, dass kleinere Teams mehrere Aufgaben übernehmen müssen, während ein größeres Studio mehr Mitarbeiter hat, von denen sich viele auf einen bestimmten Aspekt der Produktion spezialisieren.

Da die Spieler Grafiken in Kinoqualität erwarten, werden 75-90 % des Spielebudgets für die Grafik aufgewendet, so Branchenveteran Troy Dunniway, der das Game Design Diploma von CG Spectrum entwickelt hat (Bild: Assassin’s Creed Odyssey, Ubisoft)

Produktionsmeilensteine

Während des gesamten Spielentwicklungsprozesses gibt es eine Reihe von Meilensteinen zu erreichen.

Prototyp: Dies ist der erste Test des Spiels (der in der Vorproduktionsphase stattfindet und oben ausführlich beschrieben wird). Manche Spiele kommen nie über dieses Stadium hinaus.

Erste Spielbarkeit: Die erste spielbare Version vermittelt einen viel besseren Eindruck von Aussehen und Gameplay. Obwohl es noch lange nicht fertig ist, werden Platzhalter durch hochwertigere Elemente ersetzt und Grafiken hinzugefügt.

Vertical Slice: Ein vertikaler Slice ist ein vollständig spielbares Beispiel, das dazu verwendet werden kann, Ihr Spiel Studios oder Investoren vorzustellen. Mit einer Dauer von wenigen Minuten bis zu einer halben Stunde bietet ein Vertical Slice einen ersten Eindruck von Ihrem Spiel.

Pre-Alpha: Der Großteil der Inhalte wird in der Pre-Alpha-Phase entwickelt. An diesem Punkt der Spielentwicklung müssen einige wichtige Entscheidungen getroffen werden. Es kann sein, dass Inhalte gekürzt werden oder neue Elemente hinzugefügt werden müssen, um das Gameplay zu verbessern.

Alpha: Das Spiel ist „vollständig“, d.h. die Hauptfunktionen wurden alle hinzugefügt und das Spiel ist von Anfang bis Ende voll spielbar. Einige Elemente, wie z.B. künstlerische Elemente, müssen noch hinzugefügt werden, aber die Steuerung und die Funktionalität sollten einwandfrei funktionieren. Die QA-Tester stellen sicher, dass alles reibungslos funktioniert und melden Fehler an das Team zurück.

Beta: Zu diesem Zeitpunkt sind alle Inhalte und Assets integriert, und das Team sollte sich eher auf die Optimierung als auf das Hinzufügen neuer Funktionen oder Features konzentrieren.

Goldmaster: Das Spiel ist fertig und bereit, an den Verlag geschickt und für die Öffentlichkeit freigegeben zu werden.

Minecraft ist eines der meistverkauften Spiele aller Zeiten und hat über 100 Millionen monatlich aktive Spieler

Schlüsselrollen in der Spieleentwicklung

Die Rollen in der Spieleentwicklung hängen von der Größe und Art des Studios ab. Hier sind einige der üblichen Positionen, die Sie finden werden.

Projektmanager

Der Projektmanager sorgt dafür, dass der Entwicklungsprozess eines Spiels reibungslos abläuft, Meilensteine eingehalten werden, Risiken vorhergesehen/gemildert werden und die Teammitglieder das tun, was sie tun sollen. Sie sind oft das Zentrum der Kommunikation zwischen den Entwicklungs- und Designteams und den Führungskräften. Projektmanager sind außerordentlich gut organisiert und müssen über ausgezeichnete Kommunikations- und Sozialkompetenzen verfügen.

Spieleentwickler/Programmierer

Spieleprogrammierer helfen bei der Entwicklung von Spielen, indem sie Designkonzepte in Code umsetzen, um vollständig spielbare Spiele zu erstellen. (Lesen Sie mehr: Wie wird man Spieleprogrammierer oder was ist der Unterschied zwischen Spieleprogrammierung und Spieleentwicklung?)

Programmierer sind oft Softwareingenieure oder Informatiker mit einer fundierten Programmierausbildung und einer Kombination aus Kreativität, mathematischen Fähigkeiten und Geduld, um Ideen erfolgreich in interaktive Bilder und Sounds umzusetzen. Sie sorgen dafür, dass das Spiel reibungslos läuft.

Es gibt viele verschiedene Aspekte der Programmierung, darunter:

• Erstellung einer angepassten Basis-Engine für das Spiel
• Skripten von Funktionen, Ereignissen, Interaktionen
• Erstellung von Physik (z.B.. Schwerkraftunterschiede in einem Spiel, das im Weltraum spielt)
• Entwickeln und Modifizieren von 3D-Grafik-Renderings
• Simulieren von künstlicher Intelligenz bei Gegnern
• Hinzufügen von Soundeffekten, Musik und Voice-Overs
• Implementieren von Spiellogik und -mechanik
• Erstellen der Benutzeroberfläche
• Schreiben von Code, der speziell für Tastatur, Mäuse, oder Joysticks
• Ermöglichung des Wettbewerbs oder der Zusammenarbeit von Spielern über LAN oder das Internet
• Entwicklung von benutzerdefinierten Tools
• Portierung von Code zwischen Plattformen
• Implementierung von Algorithmen, Speicheranforderungen und Caching-Probleme
• Bestimmen und Beheben von Fehlern

In größeren Studios findet man Spezialisten, die sich ausschließlich mit der KI-Programmierung für das Spiel beschäftigen, oder Mitarbeiter, die nur an der Benutzeroberfläche arbeiten. (Lesen Sie das Interview mit dem KI-Programmierer Firas Hosn von Ubisoft.)

Der durchschnittliche Programmierer verdient 59.010 USD pro Jahr, ein leitender Programmierer kann jedoch über 100.000 USD pro Jahr verdienen. Ein Kurs in Spieleprogrammierung kann dich mit den Fähigkeiten ausstatten, die du brauchst, um deinen ersten Job in der Spieleprogrammierung zu bekommen.

Spieldesigner

Ein Spieldesigner ist der kreative Treiber des Spiels und im Allgemeinen eine Mischung aus einem Autor und einem Künstler, mit einigen Kenntnissen in der Programmierung.

Der Abschnitt der Produktionspipeline des Spieldesigns beinhaltet die Erstellung von fesselnden Geschichten, Charakteren, Zielen, Regeln und Herausforderungen, die die Interaktionen mit anderen Charakteren, Benutzern oder Objekten steuern. (Lernen Sie den Unterschied zwischen Spieldesign und Programmierung kennen.)

Designer können verantwortlich sein für:

• Entwickeln der Handlung, der Hintergrundgeschichte der Charaktere und der Dialoge
• Entwickeln des Gameplays, der Regeln und des Punktesystems
• Bestimmen des Schwierigkeitsgrades
• Bauen von Umgebungen, Vorsprüngen, Hindernisse und Objekte
• Level- und Weltdesign
• Programmierung/Scripting
• Digitales Editing

Wenn man für ein größeres Unternehmen arbeitet, könnten diese Aufgaben einzelnen Rollen ähneln, die wir als nächstes behandeln.

Das durchschnittliche Gehalt eines Game Designers liegt laut Payscale bei 63.838 USD, während ein Lead Designer über 93.926 USD verdienen kann (je nach Erfahrung, Standort, Größe des Studios und Branche). Leitende und technische Designer können diese Spanne überschreiten. Werfen Sie einen Blick auf das Game Design Diploma, um eine Vorstellung von den Fähigkeiten zu bekommen, die für einen Job im Bereich Game Design erforderlich sind. (Weitere Informationen: Was ist Spieldesign?)

Level-Designer

Ein Level-Designer für Videospiele ist für die Gestaltung interessanter und unterhaltsamer Level verantwortlich. Ihre Aufgabe ist es, den Spieler darauf zu konzentrieren, sich durch das Spiel zu bewegen und sein Ziel oder seine Mission zu erreichen, während sie gleichzeitig das Potenzial für Verwirrung verringern.

Da Spiele heute viel komplexer sind als früher, ist es in größeren Studios üblich, dass es Spieldesigner gibt, die sich ausschließlich dem Leveldesign widmen.

Level-Designer lassen sich von der Konzeptkunst, Fotoreferenzen und GDD inspirieren, um glaubwürdige Karten zu entwerfen und physische Modelle der Level zu erstellen.

Abhängig von der Art des Spiels und davon, ob es auf tatsächlichen Ereignissen beruht (z. B. eine Schlacht im Zweiten Weltkrieg), müssen sie möglicherweise alles über eine bestimmte Geschichtsepoche lernen und tatsächliche Schauplätze recherchieren, um sicherzustellen, dass der Level realistisch und glaubwürdig ist. Wenn das Spiel auf einem Buch oder einem Film basiert, müssen sie das Original lesen/sehen und nach Hinweisen suchen. Wenn die Welt völlig fiktiv ist, müssen sie ihre Kreativität einsetzen und sich von den zur Verfügung gestellten Konzeptzeichnungen inspirieren lassen.

Mit Hilfe eines Leveleditors (einer Software zum Entwerfen von Levels und Karten) erstellen sie dann die Levels, Phasen oder Missionen. Zu ihren Aufgaben gehört auch die Planung von Start- und Endpunkten, die Festlegung von Tunneln und versteckten Gängen, von Orten, an denen Interaktionen oder Dialoge stattfinden, von Punkten, an denen Monster spawnen, von Auslösepunkten, an denen bestimmte Aktionen stattfinden, und vieles mehr.

Level-Designer sind dafür verantwortlich, Fehler zu erkennen und zu beheben, z. B. wenn Spieler aus dem Rahmen fallen oder stecken bleiben und nicht mehr herauskommen. Die Herausforderung bei Videospielen besteht darin, dass das Spiel, sobald es veröffentlicht ist, nicht mehr in der Hand des Designers liegt. Der Spieler kann auf unerwartete Weise mit den Welten interagieren und Fehler ans Licht bringen, die während der Entwicklung unbemerkt geblieben waren.

Der Level wird wahrscheinlich mehrere Versionen durchlaufen, bevor er endgültig wird.

Ein Level-Designer kann je nach Studio und Standort im Durchschnitt 56.884 USD verdienen. Ältere oder erfahrenere Designer können ein viel höheres Gehalt verlangen.

Wenn du daran interessiert bist, ein Level-Designer zu werden, lehrt das Game Design Diploma den Prozess der Umwandlung von Konzepten in Prototypen, wie man einen Level unterhaltsam macht, sicherstellt, dass dein Level visuell interessant ist, die Geschichte einbezieht und deinen Level in einer Spiel-Engine erstellt und skriptet.

Game Artists

Game Artists können Konzeptkünstler, Animatoren, 3D-Modellierer und FX Artists sein.

Diese Gruppe ist dafür verantwortlich, Farbe, Bewegung und Leben in das Spiel zu bringen.

Während ein Konzeptkünstler meist während der Vorproduktion aktiv ist, wenn er das anfängliche Aussehen entwirft (typischerweise in 2D), kann er später im Entwicklungsprozess des Spiels wieder hinzugezogen werden, wenn neue Elemente hinzugefügt werden oder das Spiel seinen Kurs ändert.

Ein 3D-Konzeptkünstler (das kann derselbe Künstler sein) verwendet digitale Bildhauersoftware wie ZBrush, Maya und Photoshop, um 3D-Requisiten, Objekte und Umgebungen zu erstellen. Er fügt auch Texturen und Details hinzu.

3D-Konzeptkunst von Krzysztof Luzny

3D-Modellierer

3D-Modellierer erstellen Modelle von Menschen, Objekten, Requisiten, Waffen und Umgebungen, die dann nach Bedarf texturiert und animiert werden können. Modellierer müssen wissen, wie sie hochwertiges Referenzmaterial sammeln und verwenden können, vor allem, wenn sie reale Objekte nachbilden (z. B. eine AK-47, einen Buzzard Attack Chopper, den Eiffelturm usw.).

Modellierer können Fotos der Objekte verwenden, die sie erstellen, oder Drohnen, wenn das Objekt viel größer ist und sie eine Luftaufnahme benötigen. Wenn es sich um ein Fantasy-Spiel handelt, müssen sie sich auf die Konzeptzeichnungen beziehen und ihre Vorstellungskraft nutzen, um sich etwas Neues und Einzigartiges auszudenken. (Lesen Sie weiter: Was ist 3D-Modellierung?)

3d model by Victoria Passariello

Game Animators

Game Animators verleihen Charakteren, Objekten und Umgebungen Tiefe und Realismus, indem sie ihnen glaubwürdige Bewegungen verleihen. Sie erstellen Storyboards und entwerfen Schlüsselszenen für die Animation, die mit der Handlung des Spiels übereinstimmen.

Animatoren müssen oft viele Nachforschungen anstellen (z. B. beobachten, wie sich Tiere verhalten und mit anderen interagieren, wenn sie an einem Spiel mit Tieren arbeiten). Motion-Capture-Daten können auch verwendet werden, um lebensechtere Animationen zu erstellen.

Die Rolle des CG Spectrum-Absolventen Kyle Dahl (er ist jetzt Senior Animator bei Electronic Arts)

FX-Künstler

FX-Künstler sorgen für ein intensiveres und unterhaltsameres Spielerlebnis, indem sie atemberaubende Effekte wie Explosionen, Rauch, Feuer und Flüssigkeitssimulationen sowie Wetterereignisse wie Regen, Blitze, Schneestürme usw. hinzufügen.

Game FX Artists verwenden in der Regel Software wie Houdini FX oder Maya, sollten aber auch Erfahrung mit Game Engines wie Unity oder Unreal Engine 4 haben.

Cinematic VFX Reel von CG Spectrum Mentor Gregory Hird-Rutter

Audioingenieure/Sounddesigner/Komponisten

Die Soundexperten entwickeln realistische Soundeffekte, nehmen Voice-Overs/Dialoge zwischen den Charakteren auf und erstellen Soundtracks, die die Stimmung für die Spieler aufbauen, indem sie Spannung erzeugen oder Audiohinweise geben (z.B. Eröffnungsmusik, Menü-Pausenmusik, Markierung eines Sieges usw.).

QA (Qualitätssicherung) / Videospiel-Tester

Videospiel-Tester sind für den Entwicklungsprozess von Spielen unerlässlich! Sie testen Spiele, suchen nach Fehlern und stellen sicher, dass das Spiel reibungslos läuft und die Anweisungen für die Spieler klar sind. Sie melden Fehler an das Entwicklungsteam in einem so genannten Bug Sheet.

Zusätzliche Rollen

Neben den oben genannten Rollen in der Spieleentwicklung können größere Studios eine Reihe zusätzlicher Spezialisten einstellen, wie z. B.:

• Quest-Designer
• Kampfdesigner
• Schriftsteller
• Dolmetscher und Übersetzer

Später im Spielentwicklungsprozess spielt das Produktteam eine größere Rolle und hilft bei der Vermarktung und dem Vertrieb des Spiels.

3. Postproduktion

Nach Abschluss der Produktion und der Auslieferung des Spiels wird der Entwicklungsprozess fortgesetzt, wobei einige Teammitglieder in die Wartung (Behebung von Fehlern, Erstellung von Patches) oder die Erstellung von Bonus- oder herunterladbaren Inhalten (DLC) versetzt werden. Andere können sich der Fortsetzung oder dem nächsten Projekt zuwenden.

Eine Nachbesprechung kann stattfinden, um zu erörtern, was funktioniert hat und was nicht und um festzustellen, was beim nächsten Mal besser gemacht werden könnte. Alle Designdokumente, Assets und Codes werden fertiggestellt, gesammelt und aufbewahrt, für den Fall, dass sie in der Zukunft benötigt werden.

Zusätzliche Ressourcen für die Spieleentwicklung:

Wenn Sie Videospiele entwickeln wollen, ist ein Verständnis des Spieleentwicklungsprozesses unerlässlich.

Ungeachtet dessen, wo Ihre Rolle innerhalb der Pipeline liegt, hilft Ihnen das Wissen um den Zweck und die Reihenfolge jeder Abteilung, effizient zu arbeiten und kostspielige Probleme im Nachhinein zu vermeiden.

Sie müssen nicht wissen, wie Sie die Aufgaben aller Mitarbeiter erledigen, aber Sie müssen wissen, wie sich Ihre Arbeit auf deren Arbeit auswirkt und wie Sie brauchbare Arbeit an die nächste Produktionsstufe weitergeben können. Ein Verständnis des Prozesses wird dich auch beschäftigungsfähiger machen, da jedes große Studio einen Produktionsplan für Videospiele verwendet.

Hier ist noch mehr Lesestoff, der dir bei deiner Suche hilft:

• Was ist Spieldesign?
• 5 Tipps, um einen Job als Spieldesigner zu bekommen
• Was macht ein großartiges Spiel aus: Interview mit Troy Dunniway (Microsoft, EA)
• Was ist Spieleprogrammierung?
• Interview mit dem KI-Spieleprogrammierer Firas Hosn von Ubisoft

Header-Bild: Mortal Kombat 11 © 2019 Warner Bros. Entertainment Inc. Entwickelt von NetherRealm Studios

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