Erfahren Sie die faszinierende Geschichte hinter „Ophelia“, einem ikonischen präraffaelitischen Gemälde

John Everett Millais, „Ophelia“, ca. 1851 (Foto: Google Art Project )

Im Jahr 1848 gründete sich im viktorianischen England ein Geheimbund von Künstlern. Die Mitglieder dieser Bruderschaft, die als Präraffaeliten bekannt waren, glaubten, dass die Malerei vor der Renaissance aufgeblüht war, und führten Raffaels idealistische Herangehensweise an die Materie als den Untergang der uralten Disziplin an.

Um der Malerei ihr goldenes Zeitalter zurückzugeben, schlossen sich die Präraffaeliten zusammen. Sie einte nicht ein bestimmter Stil, sondern der Wunsch, „echte Ideen auszudrücken“ – und das Bestreben, „die Natur aufmerksam zu studieren, um zu wissen, wie man sie ausdrücken kann.“ John Everett Millais, einer der Begründer der Bewegung, verkörperte diesen Ansatz mit seiner Ophelia, einem ergreifenden und poetischen präraffaelitischen Gemälde.

Setting the Scene

William Holman Hunt, „Sir John Everett Millais“, 1853 (Foto: Wikimedia Commons )

Der englische Künstler John Everett Millais (1829-1896) begann 1851 mit dem Malen von Ophelia – nur drei Jahre nachdem er, William Holman Hunt und Dante Gabriel Rossetti die Präraffaeliten-Bruderschaft mitbegründet hatten.

Von klein auf wurde Millais zu einem traditionellen Maler ausgebildet. Im Alter von nur elf Jahren wurde er als jüngster Schüler an der renommierten Royal Academy School zugelassen. In den nächsten Jahren sollte er sich als Historienmaler hervortun, bevor er den Renaissance-zentrierten Lehrplan der Akademie mit avantgardistischen Gemälden wie Ophelia unterlief.

Mignon Nevada als „Ophelia“, Glasnegativfotografie, ca. 1910 (Foto: Wikimedia Commons)

Das in Öl auf eine 30 mal 44 Zoll große Leinwand gemalte Bild stellt den Tod von Ophelia dar, einer Figur aus William Shakespeares Hamlet (ca. 1599-1601). In dem Stück wird Ophelia in den Wahnsinn getrieben und ertrinkt, nachdem sie entdeckt hat, dass ihr Partner Hamlet ihren Vater getötet hat. Während ihre Todesszene im Stück nicht explizit dargestellt wird, wird sie von Hamlets Mutter, Königin Gertrude, in Akt IV, Szene vii, in poetischen Details beschrieben:

„Es wächst eine Weide schräg am Bach,
Die ihre grauen Blätter im glasigen Strom zeigt;
Dort kam sie mit phantastischen Girlanden
Von Krähenblumen, Nesseln, Gänseblümchen und langen Veilchen
Die freizügige Hirten einen gröberen Namen geben,
Aber unsere kalten Mägde nennen sie tote Männerfinger:
Dort, an den hängenden Zweigen, die ihr Krönchenkraut
Hängen ließ, brach ein neidischer Splitter;
Als ihre krautigen Trophäen und sie selbst
In den weinenden Bach fielen. Ihre Kleider breiteten sich aus,
Und trugen sie, wie eine Nixe, eine Weile empor,
Dabei sang sie Fetzen alter Weisen,
Wie eine, die nicht fähig ist, ihre eigene Not zu ertragen,
Oder wie ein Geschöpf, das heimisch ist und in jenes Element hineingezogen wurde: Doch lange konnte es nicht dauern
Bis ihre Kleider, schwer von ihrem Trunk,
Die arme Unglückliche von ihrem melodischen Lager
Zum schlammigen Tod zogen.“

Millais‘ Gemälde zeigt Ophelia kurz nachdem sie „in den weinenden Bach“ gefallen ist, während sie versucht, Girlanden aus Wildblumen „auf den herabhängenden Zweigen“ eines Baumes zu drapieren. Während ihre „nixenartigen“ Röcke sie zunächst über Wasser halten, werden sie bald „schwer von ihrem Trank“. Während sie sinkt, singt sie leise vor sich hin, bis sie ihren tragischen „schlammigen Tod“ findet.“

Der Malprozess

John Everett Millais, Studie für „Ophelia“, 1852 (Foto: Wikimedia Commons )

Um den Geist dieses „schlammigen Todes“ voll und ganz einzufangen, entschied sich Millais für das Malen en plein air („unter freiem Himmel“) – eine typische Technik der Präraffaeliten. Fünf Monate lang schlug er sein Lager an den Ufern des Flusses Hogsmill in Surrey, Südostengland, auf und machte sich daran, die örtlichen Pflanzen in einem mühsamen und schmerzhaften Prozess zu dokumentieren.

„Mein Martyrium ist anstrengender als jedes andere, das ich bisher erlebt habe“, beklagte er. „Die Fliegen von Surrey sind muskulöser und haben eine noch größere Neigung, menschliches Fleisch anzustechen . . . Mir droht eine Vorladung vor den Richter, weil ich unbefugt ein Feld betreten und das Heu vernichtet habe. . bin auch in Gefahr, vom Wind ins Wasser geweht zu werden und mit den Gefühlen Ophelias vertraut zu werden, als diese Dame in den schlammigen Tod sank, zusammen mit dem (weniger wahrscheinlichen) völligen Verschwinden durch die Gefräßigkeit der Fliegen.“

Elizabeth Siddal, Millais‘ neunzehnjähriges Modell, hatte es nicht leichter. Als Künstlerin und Lieblingsmuse von Millais und seinen Präraffaeliten-Kollegen (darunter auch ihr späterer Ehemann Dante Gabriel Rossetti) war Siddal mit dem Verfahren vertraut, für Gemälde zu sitzen. Die Rolle der ertrinkenden Ophelia zu spielen, erwies sich jedoch als besondere Herausforderung. Gekleidet in ein, wie Millais es enthusiastisch beschrieb, „wirklich prächtiges altes Damenkleid – über und über mit Silberstickereien verziert“, posierte Siddal in einer Badewanne voller Wasser. Während einer Sitzung gingen die Öllampen, die das Wasser warm hielten, aus, woraufhin Siddal schwer erkrankte. (Millais bezahlte auf Wunsch ihres Vaters die Arztrechnungen.)

Nach diesem nicht gerade idealen Schaffensprozess („Sicherlich wäre das Malen eines Bildes unter solchen Umständen eine größere Strafe für einen Mörder als das Hängen“, bemerkte Millais) wurde Ophelia 1852 fertiggestellt und im selben Jahr in der Royal Academy of Art ausgestellt.

Blühendes Vermächtnis

Detail von ‚Ophelia‘

Während Ophelia anfangs gemischte Kritiken erhielt (ein Kritiker nannte es eine „Meisterleistung der detaillierten Darstellung“, während ein anderer es als „pervers“ bezeichnete), gilt es heute als der Höhepunkt der präraffaelitischen Malerei. Das Gemälde verkörpert nicht nur den Naturalismus der Bewegung, sondern auch die Floriografie, die „Sprache der Blumen“

Die in einer Reihe von Juwelentönen gehaltene schwimmende Flora Ophelias gehört zu den berühmtesten Motiven des Gemäldes. Diese detaillierten Pflanzen sind jedoch mehr als das, was das Auge sieht, denn jede einzelne dient als Symbol. Einige der Pflanzen auf dem Gemälde werden von Shakespeare erwähnt, der den Blumen berühmte Bedeutungen zuordnete; andere wurden von Millais mit Bedacht hinzugefügt, der sich für die „Sprache der Blumen“ interessierte – ein Phänomen, bei dem die Flora dazu dient, verschlüsselte Botschaften zu übermitteln.

„Die Rosen in der Nähe von Ophelias Wange und Kleid und die Feldrose am Ufer könnten darauf anspielen, dass ihr Bruder Laertes sie ‚Rose des Mai‘ nannte“, erklärt Tate. „Die Weide, die Brennnessel und das Gänseblümchen stehen für verlassene Liebe, Schmerz und Unschuld. Stiefmütterchen verweisen auf vergebliche Liebe. Veilchen, die Ophelia an einer Kette um den Hals trägt, stehen für Treue, Keuschheit oder den Tod der Jungen, wobei jede dieser Bedeutungen hier zutreffen könnte. Der Mohn steht für den Tod. Vergissmeinnicht schwimmt im Wasser.“

Obwohl in der Antike verwurzelt, war dieses Prinzip im viktorianischen England außerordentlich populär geworden – und wird, mit Ophelias geschätzten Blumen an der Spitze, zweifellos noch jahrelang weiter blühen.

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