7 japanische Musiker, die die Welt beeinflusst haben

Japanische Musik hat, ob der Rest der Welt es weiß oder nicht, seit langem einen enormen Einfluss auf weltweite Musiktrends gehabt. Von Japans beneidenswerter Underground-Szene der Nachkriegszeit bis hin zum unaufhaltsamen Aufstieg des J-Pop in diesem Jahrhundert haben japanische Künstler Bewegungen angeführt, die revolutionäre Schockwellen auf der ganzen Welt ausgelöst haben, und im Jahr 2019 war ihr Einfluss noch nie so groß und so offensichtlich.

Die Entdeckung der Arbeit japanischer Musiker hat sich seit den Tagen von John Zorns New Japan-Label und den berüchtigten labyrinthischen J-Pop-Blogs aus den Anfangstagen des Internets weit entwickelt. Tatsächlich hat der Konsum japanischer Musik in den letzten 20 Jahren einen beispiellosen Aufschwung erlebt, der durch Streaming-Dienste und kollaborative Online-Plattformen wie Reddit und RateYourMusic (RYM) revolutioniert wurde.

Einflussreich zu sein bedeutet, mehr als nur beliebt zu sein. Und doch gibt es unzählige japanische Musiker, populäre und weniger populäre, die die Entwicklung unzähliger Genres weltweit unwiderruflich verändert haben. Es gibt natürlich einen gewaltigen Katalog von Künstlern, die dieses Kriterium erfüllen, eine Liste, die zweifellos mehrere Bände füllen könnte (man denke nur an die großen stilistischen Unterschiede zwischen Yoko Ono und Merzbow, Hikaru Utada und Toru Takemitsu, Boris und Cornelius). In dieser Liste werden wir diese Zahl auf sieben Favoriten reduzieren, von denen ich denke, dass sie aus heutiger Sicht am relevantesten sind und die die Bandbreite des Einflusses japanischer Musiker auf verschiedene Stile und Genres repräsentieren.

Boredoms

Beschrieben von Bonnie C. Wade als „manisch extreme Kakophonie“, können die Alben und Live-Shows von Boredoms nur als „spirituelle Happenings“ oder „kulturelle Ereignisse“ beschrieben werden. Die aus Osaka stammende Band hat in den letzten 30 Jahren Alben mit aggressivem Lärm, schnellem Punk, Noise-Rock, Krautrock, psychedelischem Rock, Post-Rock, Turntablism und Minimalismus (um nur einige zu nennen) produziert.

Die aktuellen Live-Shows von Boredoms sind dafür bekannt, dass sie sich um extreme abstrakte Performance-Kunst, eine lächerliche Anzahl von Schlagzeugern (bei zwei Gelegenheiten 77 und 88) und eine betörende Spiritualität drehen. Kaum zu glauben, dass es sich um dieselbe Band handelt, die Ende der 90er Jahre mit Sonic Youth und Nirvana auf Tournee war und 1994 sogar auf der Hauptbühne des Lollapalooza spielte.

Wenn man auf diese Auftritte zurückblickt, ist es immer noch verwunderlich, dass sie so beliebt waren. Es ist nicht so sehr, dass sie nicht gut waren – in der Tat waren die Boredoms immer ziemlich konstant unglaublich – sondern dass sie kaum Pop-Radio-tauglich waren. Doch der ständige Flirt von Frontmann Yamataka Eye mit dem Wahnsinn und die naive, improvisierte Herangehensweise von Schlagzeuger Yoshimi P-We öffneten vielen außerhalb Japans, besonders in den USA, die Augen für Japanoise.

Boredoms infiltrierten den amerikanischen Underground und wurden nicht nur mit den Giganten Sonic Youth, Nirvana und den Flaming Lips in Verbindung gebracht (Yoshimi Battles the Pink Robots wurde nach Yoshimi P-We benannt und enthielt ihre Beiträge), sondern erwarben sich auch einen Ruf als verehrte, mythische Künstler. Alben wie Super æ (1998) und Vision Creation Newsun (1999) haben diesen Mythos nur noch verstärkt, und ihr Einfluss ist in der Arbeit einer ganzen Reihe verschiedener Bands zu hören, von Noise- und Experimental-Rock-Acts wie Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles und Black Midi bis hin zum psychedelischen Pop-Outfit Animal Collective.

Auch wenn der größte Einfluss der Boredoms schon fast ein Jahrzehnt zurückliegt, haben sie von der neuen globalen Fangemeinde im Zeitalter der digitalen Medien profitiert; sie gehören zu den am meisten imitierten und bekanntesten japanischen Musikern.

Fishmans

Eine Band wie Fishmans hat es schlicht und einfach noch nie gegeben. Gegründet 1987 als einfache Dub-Band, bevor sie sich schließlich in Titanen des experimentellen Dream-Pop und der Neo-Psychedelia verwandelten, wurden Fishmans von Shinji Sato (Gesang), Kin-Ichi Motegi (Schlagzeug) und Yuzuru Kashiwabara (Bass) geleitet.

Es gibt nur wenige Diskographien, die die Geschichte einer Band so zufriedenstellend erzählen wie die von Fishmans, was vor allem an den schwindelerregenden Höhen liegt, die ihre letzten vier Alben erreichten. Kūchū Camp, Long Season (beide von der Japan Times als „unbestrittene Meilensteine im japanischen Rock-Kanon“ beschrieben), Uchū Nippon Setagaya und 98.12.28 Otokotachi no Wakare sind bahnbrechend in dem Sinne, dass niemand, weder vorher noch nachher, so geklungen hat wie sie.

Es ist keine Übertreibung zu sagen, dass Fishmans heute populärer sind als sie es während ihrer gesamten Lebensspanne in den 90er Jahren waren. Dennoch sind sie sowohl auf /mu/ als auch auf RYM auf Reddit so beliebt, dass man fast meinen könnte, die Fishmans seien schon lange ein Begriff. Tausende von Fans schwärmen von Satos charmant-schrulligem Gesang und Kashiwabaras ansteckenden Basslinien, und viele verbinden sich mit dem tragischen Hintergrund von Otokotachi no Wakare. Für viele verändert die Tragödie von Satos Tod rückwirkend die Art und Weise, wie sie die Platte hören, und nur wenige Diskussionen über die größten Platten der modernen Musikgeschichte lassen Fishmans außen vor. Und das, obwohl der Katalog von Fishmans erst seit letztem Jahr als Stream verfügbar ist und Otokotachi no Wakare – im Allgemeinen ihr meistgelobtes Werk – nie außerhalb Japans veröffentlicht wurde.

Mehr als bei jedem anderen Künstler auf dieser Liste liegt der Einfluss von Fishmans nicht so sehr in dem, was sie musikalisch inspiriert hat (oder zumindest noch nicht), sondern in dem Ausmaß, in dem sie das Bewusstsein und den Diskurs einer ganzen Generation von globalen Musikfanatikern durchdrungen haben. Bands wie Fishmans gibt es nur einmal in einer Generation. Zwanzig Jahre später ist es klar, dass sie endlich die Anerkennung erhalten, die sie verdienen.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono ist seit seinen frühen Tagen bei Apryl Fool und Happy End ein Dreh- und Angelpunkt der japanischen Popmusik. Hosonos Yellow Magic Orchestra (1978-84) mit Ryuichi Sakamoto und Yukihiro Takahashi gilt als Erfinder des Techno-Kayo und wird neben Kraftwerk und Giorgio Moroder regelmäßig als einer der Paten der elektronischen Popmusik angesehen.

Hosono allein ist jedoch für die Breite seiner stilistischen Experimente, seine umfangreiche Liste von Produktionen und sein selbstorientalisches, exotisches Solowerk bekannt geworden. Er hat auf einigen der populärsten Pop-Alben der modernen japanischen Musikgeschichte unauslöschliche Spuren hinterlassen, und doch hat sich sein Einfluss erst in jüngster Zeit über seine Zeit bei YMO hinaus ausgeweitet. Hosonos unverwechselbar verspielte, farbenfrohe Popsongs haben den Grundstein für seine Idolisierung durch Slacker-Indie- und Weirdo-Pop-Acts gelegt. Der berühmteste – und bedeutendste – ist Mac DeMarco.

Abgesehen von stilistischen Ähnlichkeiten hat DeMarco sein Idol öffentlich anerkannt und sogar eine offizielle Coverversion von Hosonos „Honey Moon“ veröffentlicht. Anfang dieses Jahres stand er gemeinsam mit Hosono auf der Bühne und gab zu, dass DeMarcos „2“ (2012) nach Hosonos „Hosono House“ (1973) gestaltet wurde. Hosonos Rolle beim Aufstieg von DeMarco wäre unbedeutend, nur ist DeMarco mit Leichtigkeit einer der am meisten imitierten und prägenden Künstler im amerikanischen Indie-Rock dieses Jahrzehnts.

Auch außerhalb seiner Arbeit mit YMO sickern Hosonos Solowerke und sein Einfluss auf Platten von Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki und Pizzicato Five, vor allem durch Streaming, in eine neue Generation, die sich für seinen umfangreichen Katalog an Veröffentlichungen interessiert.

Keiji Haino

Als Meister der Performance und einer der rätselhaftesten und rastlos innovativsten Vertreter der Avantgarde erklärt Keiji Haino, dass seine Musik so kraftvoll ist wie psychedelische Drogen (die er übrigens nach eigenen Angaben nie genommen hat). Und bei einer Musik von solcher Kraft ist es kein Wunder, dass er ein so legendärer und einflussreicher Avantgarde-Musiker ist.

Unmöglich, ihn einem einzigen Genre zuzuordnen, ist Haino bekannt für seine Arbeit mit freier Improvisation, Minimalismus, Noise, Drone, Poesie und vielem mehr, sowohl in seinem Solowerk als auch in seinen zahlreichen anderen musikalischen Projekten (vor allem der psychedelischen Gruppe Fushitsusha und der Noise-Gruppe Nijiumu). Obwohl er zwischen 1973 und 2013 von der NHK verbannt wurde und generell Platten am Rande dessen machte, was man normalerweise als „Musik“ bezeichnen könnte, fand Haino in den 90er Jahren als mystischer und wilder Klangrevolutionär durch John Zorns Tzadik-Label ein Publikum in den USA. Hainos Einfluss auf Künstler wie Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O))))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, Produzent für Wilco und Stereolab) und Christian Marclay zeigt sich nicht nur in seinen gemeinsamen Projekten mit diesen Künstlern, sondern auch in ihrem allgemeinen Ethos.

Diese Nachfolger haben einige der wichtigsten und angesehensten Heavy- und Experimental-Platten außerhalb Japans geschaffen (sowie einige generationsbestimmende Werke des softeren Genres); sie haben die Genres durch seine gleiche radikale Philosophie und seinen grenzüberschreitenden Ansatz verändert. Einfach ausgedrückt: Ohne Haino hätten Platten wie „Monoliths and Dimensions“ von Sun O))), „Insignificance“ von Jim O’Rourke, „Murray Street“ von Sonic Youth oder „Yankee Hotel Foxtrot“ von Wilco vielleicht nie so geklungen, wie sie es tun.

Nujabes (Jun Seba)

Die Vergötterung eines Künstlers nach seinem Ableben ist kein seltenes Phänomen, aber selten war die weit verbreitete posthume Wertschätzung so gewichtig wie bei der Musik des instrumentalen Hip-Hop-Pioniers Nujabes (geboren als Jun Seba). Seit Nujabes‘ tragischem Tod bei einem Verkehrsunfall im Februar 2010 ist sein Vermächtnis in aller Stille exponentiell gewachsen und verkörpert einen weltweit bekannten Hip-Hop-Stil. Nujabes‘ Beatmaking nahm den Jazz-Rap amerikanischer Künstler wie Pete Rock und A Tribe Called Quest und fügte Holzbläser, Hörner und eine intensive Anlehnung an den spirituellen Jazz hinzu.

Durch die Kombination von Live-Instrumentierung mit Samples von einer Vielzahl von Künstlern – darunter Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis und Jean-Michel Jarre – schlagen Nujabes‘ Beats geschickt eine Brücke zwischen unzähligen Genres. Er ist für seine beiden Studioalben Metaphorical Music und Modal Soul ebenso bekannt wie für seine Arbeit am Soundtrack zu Shinichirō Watanabes Anime-Serie Samurai Champloo. Das Vermächtnis von Nujabes, das durch die wachsende Nachfrage im Hip-Hop nach sanfteren und jazzigeren Instrumentals (sowie durch die Tatsache, dass Samurai Champloo ein immenses internationales Publikum fand) angetrieben wurde, ist seit seinem Tod nur noch gewachsen.

Mehr als nur der „J Dilla Japans“ (obwohl er zufälligerweise am selben Tag, dem 7. Februar 1984, geboren wurde), wurde er von so unterschiedlichen Künstlern wie dem polnischen Rapper Zeus und den amerikanischen Rappern SahBabii und Joey Bada$$ als ein wesentlicher und unverwechselbarer Vorfahre des zeitgenössischen Hip-Hop anerkannt. Mit der weiteren Verbreitung von Lo-fi Hip Hop Radio und verschiedenen Nujabes Experience-Events, die überall auf der Welt stattfinden, ist es klar, dass der Einfluss von Nujabes‘ Instrumental-Hip-Hop nur noch wächst.

Perfume

Seit ihrem ersten Auftritt in der J-Pop-Szene im Jahr 2008 ist klar, dass Perfume keine gewöhnliche Idol-Gruppe ist. Sowohl ihre immense Popularität als auch das bemerkenswerte Ausmaß, in dem sich diese Popularität so gut ins Ausland übertragen hat, machen deutlich, dass sie ein untypisches und nicht rein japanisches Kulturphänomen sind. Wenn YMO die erste Welle des Technopop einleitete, so hat Perfume die zweite eingeläutet. Der Produzent Nakata Yasutaka schuf mit seiner Vorliebe für French House und Bossa Nova Instrumentalstücke, die zu dieser Zeit einzigartig waren, während der Gesang von Kashiyuka, A-chan und Nocchi ungewöhnlich dunkel war. Monoton und autotuned mit einer Sci-Fi, elektronischen Kante; alle drei waren ein starker Kontrast zu Ayumi Hamasaki und Hikaru Utada.

Auf dem texanischen Festival SXSW im Jahr 2015 spielend und eine englischsprachige Fangemeinde auf Seiten wie Perfume City, LiveJournal, AllMusic und YouTube erzeugend, könnte man Perfume als Japans Äquivalent von Cool Britannia sehen. Tracks von Game (2008) und Triangle (2009) wurden überall in Indie-DJ-Sets gespielt und wurden schließlich von Welttourneen begleitet. Natürlich liegt der Einfluss von Perfume hauptsächlich in der Popmusik und im EDM-Bereich. Madeon und Zedd, zwei der berühmtesten DJs der EDM-Branche, haben beide den Einfluss von Perfume und Yasutaka auf ihre Arbeit anerkannt. Obwohl Yasutaka später für Kyary Pamyu Pamyu aus Harajuku produzierte, einem weiteren einzigartigen und beliebten J-Pop-Export, waren Perfume die ursprünglichen Technopop-Revivalisten.

Shiina Ringo

Die Avantgarde-Pop-Königin Shiina Ringo ist eine der wenigen wirklich einflussreichen Künstlerinnen, deren Werk es schafft, sowohl stratosphärische Popularität als auch ungezügelte Kreativität zu vereinen. Sie ist eine der beliebtesten Künstlerinnen Japans und wird auch von Art-Pop-Fans auf Websites wie RateYourMusic verehrt. In den frühen 2000er Jahren war ihr Aufstieg unaufhaltsam. Unterstützt von ihrer Begleitband Tokyo Jihen kombinierte Ringo düstere, introspektive, oft surreale Texte mit wilden instrumentalen Experimenten, die J-Pop mit Elementen aus Jazz, Rock, Noise Pop, Barock-Pop, Enka und Electronica verschmolzen.

Kalk Samen Kuri no Hana, das Album, das viele als ihr größtes künstlerisches Statement ansehen, wurde von der asiatischen Ausgabe der Time mit Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band verglichen. Dieser Vergleich ist völlig gerechtfertigt: Es ist ein ausgefallenes, chaotisches Stück Musik, das fest im Pop verankert ist, aber auch das Genre rücksichtslos nach vorne treibt. Häufige Vergleiche mit Bjork zeugen von ihrem durchweg bahnbrechenden, völlig unverwechselbaren Stil und ihrer energiegeladenen, oft provokativen Stimme; obwohl Bjork kaum wie Ringos selbsternanntes „Shinjuku-kei“ (eine Anspielung auf den kultigen Shibuya-kei-Indie-Pop-Stil) klingt.

Obwohl immer mehr Hörer aus Übersee Ringos Werk immer wieder entdecken, beanstanden nur wenige ihren kritischen Status. Zu ihren Fans gehören Lenny Kravitz, Courtney Love und sogar Nocchi von Perfume, während aufstrebende Londoner Popstars wie Rina Sawayama sie als einen wesentlichen Einfluss nennen. Die japanisch-amerikanische Musikerin Mitski nannte sie als einen der wichtigsten Einflüsse auf ihrem jüngsten Album, dem von der Kritik hochgelobten Be the Cowboy von 2018. Ringos Arbeit hat wohl den Weg für ein breiteres internationales Publikum für andere weiblich geführte, hochintensive japanische Acts wie Midori, Tricot und Otoboke Beaver geebnet, und die Wertschätzung ihres Einflusses auf den Art Pop ist unbestreitbar und wächst.