10 Kunstwerke, die die Menschen wirklich verrückt gemacht haben

Künstler in der Geschichte haben sich noch nie vor Kontroversen gescheut – viele versuchen sogar, ihre Berühmtheit zu fördern. (Brauchen Sie einen Beweis? Schauen Sie sich nur Banksy an, den anonymen Straßenkünstler, der vor kurzem ein Werk schuf, das sich in dem Moment selbst zerstörte, als es bei einer Auktion verkauft wurde – für satte 1,37 Millionen Dollar.) Es ist zwar Sache von Kritikern und Historikern, über Technik und künstlerischen Wert zu diskutieren, aber es gibt einige Kunstwerke, die die meisten Menschen, die sie gesehen haben, schockiert haben. Von Gemälden, die als zu unanständig, zu grob oder zu blutig für ihre Zeit galten, bis hin zu Akten der so genannten Schändung und kraftvollen politischen Aussagen – dies sind einige der umstrittensten Kunstwerke, die jemals geschaffen wurden.

1. Michelangelo, „Das Jüngste Gericht“, 1536-1541

Rund 25 Jahre nach der Fertigstellung der Decke der Sixtinischen Kapelle kehrte der Renaissance-Polymath Michelangelo in den Vatikan zurück, um an einem Fresko zu arbeiten, das jahrhundertelang diskutiert werden sollte. Seine Darstellung der Wiederkunft Christi in „Das Jüngste Gericht“, an der er von 1536 bis 1541 arbeitete, löste in der katholischen Kirche der Gegenreformation sofort eine Kontroverse aus. Religiöse Vertreter sprachen sich gegen das Fresko aus, unter anderem wegen des Stils, in dem Michelangelo Jesus malte (bartlos und im klassischen Stil der heidnischen Mythologie). Am schockierendsten waren jedoch die 300 meist männlichen und meist nackten Figuren des Gemäldes. In einer so genannten Feigenblattkampagne wurden später Stoff- und Pflanzenstücke über die anstößige Anatomie gemalt, von denen einige später im Rahmen einer Restaurierung im 20. Jahrhundert entfernt wurden.

2. Caravaggio, „Der heilige Matthäus und der Engel“, 1602

Das Leben des barocken Malers Caravaggio mag umstrittener sein als sein Werk, da er im Exil starb, nachdem er des Mordes beschuldigt wurde. Aber seine unkonventionelle humanistische Herangehensweise an seine religiösen Aufträge erregte zu seiner Zeit sicherlich Aufsehen. In dem heute verschollenen Gemälde „Der heilige Matthäus und der Engel“, das er für die Contarelli-Kapelle in Rom schuf, stellte Caravaggio die Konventionen auf den Kopf, indem er einen armen Bauern als Modell für den Heiligen verwendete. Was die Kritiker jedoch am meisten verärgerte, waren die schmutzigen Füße des Matthäus, die illusionistisch aus der Leinwand zu ragen schienen (ein immer wiederkehrender visueller Trick des Künstlers), und die Art und Weise, wie das Bild ihn als Analphabeten darstellte, so als würde ihm ein Engel vorlesen. Das Werk wurde schließlich abgelehnt und durch „Die Inspiration des heiligen Matthäus“ ersetzt, eine ähnliche, aber standardisierte Darstellung der Szene.

3. Thomas Eakins, „The Gross Clinic“, 1875

Diese Ikone der amerikanischen Kunst wurde im Vorfeld der Hundertjahrfeier der Nation geschaffen, als der Maler Thomas Eakins sowohl sein Talent als auch die wissenschaftlichen Fortschritte des Jefferson Medical College in Philadelphia zur Schau stellen wollte. Das realistische Gemälde versetzt den Betrachter in die Mitte eines chirurgischen Amphitheaters, in dem der Arzt Dr. Samuel Gross Studenten bei der Operation eines Patienten unterrichtet. Die sachliche Darstellung der Chirurgie wurde jedoch als zu anschaulich empfunden, und das Gemälde wurde von der Hundertjahrfeier-Ausstellung in Philadelphia abgelehnt (einige geben den blutigen Händen des Arztes die Schuld, andere argumentieren, dass die weibliche Figur, die ihre Augen abschirmt, den Ausschlag gab). Doch ein Jahrhundert später wurde das Gemälde schließlich als eines der großen Meisterwerke seiner Zeit anerkannt, sowohl aufgrund seiner künstlerischen als auch seiner wissenschaftlichen Verdienste.

4. Marcel Duchamp „Fountain“, 1917

Als der ikonoklastische Marcel Duchamp anonym ein Porzellanurinal mit der Signatur „R. Mutt 1917“ als „Readymade“-Skulptur bei der Society of Independent Artists einreichte, einer Gruppe, die dafür bekannt war, jeden Künstler aufzunehmen, der das Honorar aufbringen konnte, geschah das Undenkbare: Das Werk wurde abgelehnt, obwohl Duchamp selbst Mitbegründer und Vorstandsmitglied der Gruppe war. Einige fragten sich sogar, ob es sich um einen Schwindel handelte, aber die Dada-Zeitschrift The Blind Man verteidigte das Pissoir als Kunst, da der Künstler es selbst ausgewählt hatte. Das Werk markierte den Übergang von dem, was Duchamp „retinale“ oder rein visuelle Kunst nannte, zu einer eher konzeptuellen Ausdrucksweise – und löste einen Dialog darüber aus, was ein Kunstwerk eigentlich ausmacht, der bis heute andauert. Obwohl vom Original nur eine Fotografie von Alfred Stieglitz (der das Werk wegwarf) für die Zeitschrift übrig geblieben ist, befinden sich mehrere autorisierte Reproduktionen aus den 1960er Jahren in bedeutenden Sammlungen auf der ganzen Welt.

5. Robert Rauschenberg, „Erased De Kooning“, 1953

In gewisser Weise ist Robert Rauschenbergs „Erased De Kooning“ ein Vorläufer von Banksys selbstzerstörerischem Gemälde. Doch im Fall der Zeichnung von 1953 beschloss der Künstler, dass das Originalwerk für sich allein wichtig sein muss. „Als ich meine eigenen Zeichnungen einfach ausradierte, war das noch keine Kunst“, sagte Rauschenberg 1999 im SFMoMA. Also wandte er sich an den verehrtesten modernen Künstler seiner Zeit, den temperamentvollen abstrakten Expressionisten Willem de Kooning, der dem jüngeren Künstler nach einiger Überzeugungsarbeit eine Zeichnung mit einer Mischung aus Fettstift und Kohle gab, für deren Ausradierung Rauschenberg zwei Monate brauchte. Es dauerte etwa ein Jahrzehnt, bis sich das Werk herumsprach, und es wurde mit einer Mischung aus Verwunderung (War dies ein junges Genie, das den Meister verdrängte?) und Abscheu (Ist es Vandalismus?) aufgenommen. Eine Person, die nicht sonderlich beeindruckt war, war de Kooning selbst, der später einem Reporter sagte, er habe die Idee anfangs „kitschig“ gefunden, und der es, wie manche sagen, übel nahm, dass eine so intime Interaktion zwischen Künstlern der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde.

6. Yoko Ono, „Cut Piece“, 1964 / Marina Abramovic, „Rhythm 0“, 1974

Als Performance-Kunst in den Nachkriegsjahren als künstlerische Praxis aufkam, drängte die Kunstform oft zur Provokation und sogar zur Gefahr. In Yoko Onos „Cut Piece“, einer Performance von 1964, forderte die Künstlerin das Publikum auf, eine Schere zu nehmen und ein Stück ihrer Kleidung abzuschneiden, während sie regungslos und stumm dasaß. „Die Leute waren so schockiert, dass sie nicht darüber sprachen“, erinnerte sie sich später.

Zehn Jahre später griff Marina Abramovic das Konzept unwissentlich mit „Rhythm 0“ wieder auf, bei dem die Künstlerin dem Publikum 72 Objekte zur Verfügung stellte, mit denen es tun konnte, was es „wollte“. Neben einer Schere bot Abramovic eine Reihe von Werkzeugen an: eine Rose, eine Feder, eine Peitsche, ein Skalpell, eine Pistole, eine Kugel, ein Stück Schokoladenkuchen. Im Laufe der sechsstündigen Aufführung wurde das Publikum immer gewalttätiger: Einer zapfte ihr Blut vom Hals ab („Ich habe immer noch Narben“, sagte sie), ein anderer hielt ihr die Pistole an den Kopf und entfachte einen Kampf sogar innerhalb der Galerie („Ich war bereit zu sterben“). Im Publikum brach ein Streit darüber aus, wie weit man gehen sollte, und in dem Moment, in dem die Performance zu Ende war, so Abramovic, rannten alle weg, um sich nicht mit dem Geschehenen auseinandersetzen zu müssen. Seitdem wird Abramovic als Patin der Performance-Kunst bezeichnet, und ihre oft körperlich extremen Arbeiten polarisieren weiterhin Zuschauer und Kritiker gleichermaßen.

7. Judy Chicago, „The Dinner Party“, 1974-79

Mit ihrer „Dinner Party“ wollte Judy Chicago für die Anerkennung von Frauen in der Geschichte eintreten – und schrieb schließlich selbst Kunstgeschichte. Die komplexe Installation aus Hunderten von Einzelteilen ist ein imaginäres Bankett mit 39 Frauen aus Mythologie und Geschichte – darunter Sojourner Truth, Sacajawea und Margaret Sanger -, von denen jede am Tisch mit einem Gedeck vertreten ist, auf dem fast alle stilisierte Vulven abgebildet sind. Mit ihrer Mischung aus anatomischen Bildern und handwerklichen Techniken wurde die Arbeit von Kritikern als vulgär und kitschig bezeichnet und schnell von einer Gegenausstellung zu Ehren von Frauen mit „zweifelhaftem Ruf“ persifliert. Doch trotz der Kritiker gilt das Werk heute als ein Meilenstein der feministischen Kunst und wird im Brooklyn Museum ausgestellt.

8. Maya Lin, „Vietnam Veterans Memorial“, fertiggestellt 1982

Maya Lin war erst 21 Jahre alt, als sie den Auftrag erhielt, der ihre Karriere – und eine nationale Debatte – auslösen sollte. Ihr Entwurf für das Vietnam Veterans Memorial wurde von einer blinden Jury ausgewählt, die nicht wusste, dass die Gewinnerin eine Architekturstudentin war. Der Entwurf erfüllte zwar alle Anforderungen, einschließlich der Aufnahme von 58 000 Namen von Soldaten, die nie aus dem Krieg zurückgekehrt waren, doch seine minimalistische, zurückhaltende Form – zwei schwarze Granitplatten, die sich in einem „V“ aus der Erde erheben, wie eine „geschlossene und heilende Wunde“, so Lin – war sofort Gegenstand politischer Debatten mit denjenigen, die der Meinung waren, dass es die Soldaten, die es ehrt, nicht angemessen heroisiert. Ein Veteran nannte den Entwurf eine „schwarze Wunde der Schande“, und 27 republikanische Kongressabgeordnete forderten in einem Schreiben an Präsident Ronald Reagan, den Entwurf nicht zu bauen. Doch Lin setzte sich für ihre Vision ein und sagte vor dem Kongress über die Absicht hinter dem Werk aus. Letztendlich kam es zu einem Kompromiss, als ein zweitplatzierter Wettbewerbsbeitrag mit drei Soldaten in der Nähe hinzugefügt wurde, um die Ehrung zu vervollständigen (eine Flagge und ein Frauendenkmal wurden später ebenfalls hinzugefügt). Mit zunehmendem Abstand zum Krieg ist die Kritik an dem Mahnmal verstummt.

9. Ai Weiwei, „Dropping a Han Dynasty Urn“, 1995

Der chinesische Künstler und Aktivist Ai Weiwei ist eine der provokantesten Figuren in der Kunst, und seine Praxis stellt oft Ideen von Wert und Konsum in Frage. Mit „Dropping a Han Dynasty Urn“, einem Werk, das er als „kulturelles Readymade“ bezeichnete, knüpfte der Künstler 1995 an Duchamp an. Wie der Titel andeutet, bestand die Arbeit darin, eine 2.000 Jahre alte zeremonielle Urne fallen zu lassen und damit zu zerstören. Das Gefäß hatte nicht nur einen beträchtlichen finanziellen Wert (Ai soll mehrere hunderttausend Dollar dafür bezahlt haben), sondern war auch ein starkes Symbol der chinesischen Geschichte. Die mutwillige Entweihung eines historischen Artefakts wurde von einigen als unethisch bezeichnet, woraufhin der Künstler mit einem Zitat von Mao Zedong antwortete: „Der einzige Weg, eine neue Welt zu errichten, ist die Zerstörung der alten“. Diese Idee greift Ai immer wieder auf, indem er ein ähnliches Gefäß mit dem Coca-Cola-Logo oder bunten Bonbonfarben bemalt, während die Leute darüber diskutieren, ob er echte Antiquitäten oder Fälschungen verwendet. In jedem Fall hat sein provokantes Werk zu anderen Zerstörungsaktionen inspiriert, wie zum Beispiel, als ein Besucher einer Ausstellung von Ais Werken in Miami ein bemaltes Gefäß in einem illegalen Akt des Protests zertrümmerte, der Ais eigenen widerspiegelte.

10. Chris Ofili, „The Holy Virgin Mary“, 1996

Es ist kaum schockierend, dass eine Ausstellung mit dem Titel „Sensation“ Aufsehen erregt, aber genau das geschah, als sie 1997 in London mit einer Reihe kontroverser Werke der so genannten Young British Artists eröffnet wurde: Marcus Harveys Gemälde der Mörderin Myra Hindley, Damien Hirsts Hai-in-Formaldehyd-Skulptur, eine Installation von Tracey Emin mit dem Titel „Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995)“ und Marc Quinns Selbstporträt-Skulptur aus Blut. Als die Ausstellung zwei Jahre später im Brooklyn Museum gezeigt wurde, erntete „The Holy Virgin Mary“, eine Madonna von Chris Ofili, den meisten Spott. Die glitzernde Collage enthielt pornografische Zeitschriftenausschnitte und mit Harz überzogenen Elefantenmist, der laut Medienberichten fälschlicherweise über das Werk „gespritzt“ war. Der New Yorker Bürgermeister Rudy Giuliani drohte damit, den 7-Millionen-Dollar-Zuschuss der Stadt für die Ausstellung zurückzuziehen, und nannte die Ausstellung „krankes Zeug“, während sich religiöse Führer und Prominente den Protesten auf beiden Seiten anschlossen. Zwei Jahrzehnte später hat Ofilis umstrittenes Gemälde einen festen Platz in der Kunstgeschichte – und in der ständigen Sammlung des Museum of Modern Art – gefunden.