Modefotografering

Grevinden på et foto af Pierre-Louise Pierson (ca. 1863/66)

Modefotografering har eksisteret siden fotografiets tidligste dage. I 1856 udgav Adolphe Braun en bog med 288 fotografier af Virginia Oldoini, grevinde di Castiglione, en toscansk adelsdame ved Napoleon III’s hof. Fotografierne viser hende i hendes officielle hoftøj, hvilket gjorde hende til den første fotomodel.

I det første årti af det 20. århundrede gjorde fremskridt inden for halvtonetryk det muligt at bruge modefotografier i magasiner. Modefotografier optrådte for første gang i franske og amerikanske magasiner som La mode pratique og Harper’s Bazaar. I 1909 overtog Condé Nast magasinet Vogue og bidrog også til modefotografiens begyndelse. I 1911 blev fotografen Edward Steichen “udfordret” af Lucien Vogel, udgiveren af Jardin des Modes og La Gazette du Bon Ton, til at promovere mode som en kunstart ved hjælp af fotografi. Steichen tog derefter billeder af kjoler designet af couturier Paul Poiret. Disse fotografier blev offentliggjort i aprilnummeret af 1911 af tidsskriftet Art et Décoration. Ifølge Jesse Alexander er dette “…nu anset for at være det første moderne modefotograferingsfotografi nogensinde. Det vil sige at fotografere tøjet på en sådan måde, at det giver en fornemmelse af dets fysiske kvalitet såvel som dets formelle udseende, i modsætning til blot at illustrere objektet.” Steichens høje anseelse som fotograf førte ham ikke kun til Vogue som cheffotograf, men også til Vanity i fjorten år.

Et moderne modefotografi af Inez van Lamsweerde

Vogue blev efterfulgt af sin rival, Harper’s Bazaar, og de to selskaber var førende inden for modefotografi i hele 1920’erne og 1930’erne. Husfotografer som Steichen, George Hoyningen-Huene, Horst P. Horst og Cecil Beaton forvandlede genren til en fremragende kunstform.

I midten af 1930’erne, da Anden Verdenskrig nærmede sig, flyttede fokus til USA, hvor Vogue og Harper’s fortsatte deres gamle rivalisering. I 1936 lavede Martin Munkacsi de første fotografier af modeller i sporty positurer på stranden. Under den kunstneriske ledelse af Alexey Brodovitch introducerede Harper’s Bazaar hurtigt denne nye stil i sit magasin.
Husfotografer som Irving Penn, Martin Munkacsi, Richard Avedon og Louise Dahl-Wolfe kom til at præge modefotografiets udseende i de følgende årtier. Richard Avedon revolutionerede modefotografiet – og omdefinerede modefotografens rolle – i tiden efter Anden Verdenskrig med sine fantasifulde billeder af den moderne kvinde.

Fra 1939 og fremefter stoppede det, der tidligere havde været en blomstrende og betydelig branche inden for modefotografi, næsten helt på grund af den begyndende Anden Verdenskrig. USA og Europa adskilte sig hurtigt fra hinanden. Det, der tidligere havde været et sammenhold og et inspireret arbejdsforhold, skiltes ad med Paris besat og London under belejring. Paris, som var tidens største modeindustri, blev hurtigt isoleret fra USA – især med Vogue Paris, som lukkede ned for en kort pause i 1940. Med disse ændringer fik fotografiet med udgangspunkt i USA en tydelig americana-agtig stemning – modellerne poserede ofte med flag, amerikanske mærkebiler og opfyldte generelt bare det amerikanske ideal. Det, der var tilbage af de franske og britiske modefotografier, havde på den anden side ofte et overlejret krigstidsaspekt i indholdet. Cecil Beatons “Fashion is Indestructible” fra 1941 viser en velklædt kvinde, der ser på de murbrokker, der engang var Middle Temple i London. På samme måde begyndte Lee Miller at tage billeder af kvinder i Paris og London, der stod model til de nyeste design af gasmasker og cyklede med krøllejern i håret, da de ikke havde elektricitet til at krølle deres hår med. Billeder som disse er stadig indskrevet i datidens modefotografi og viser en fælles følelse blandt modefolket og offentligheden. Selv modefotografer arbejdede på at dokumentere problemerne omkring og arbejde hen imod en dokumentation af tiden – selv om det var inden for rammerne af moden. Disse billeder er en særlig god indikation af tidens fashionable følelser. Mange mente, at modefotografering, især i krigstid, var useriøst og unødvendigt. Alligevel gjorde de få, der arbejdede for at bevare branchen, det på nye og opfindsomme måder i hele krigens varighed.

I efterkrigstidens London var John French pioner inden for en ny form for modefotografi, der egnede sig til reproduktion på avispapir, og som involverede naturligt lys og lav kontrast.

I de seneste år har modefotografier vundet endnu større popularitet på grund af internettets og e-handelens udbredelse. Ren produkt-, knolling- og ghost mannequin-fotografering er blevet en almindelig praksis i modebranchen.Efter Anden Verdenskrig gennemgik stilen dramatiske forandringer, og forskellige nye planlæggere opstod i løbet af 1950’erne og 1960’erne.