7 japanske musikere, der har påvirket verden

Den japanske musik har, uanset om resten af verden er klar over det eller ej, længe haft en enorm indflydelse på verdens musikalske tendenser. Fra Japans misundelsesværdige undergrundsscene efter krigen til dette århundredes ustoppelige fremgang for J-pop har japanske kunstnere stået i spidsen for bevægelser, der har udløst revolutionære chokbølger over hele kloden, og i 2019 har deres indflydelse aldrig været så bred eller så åbenlys.

Opdagelsen af japanske musikeres arbejde er kommet langt siden John Zorns New Japan-label og de berygtede labyrintiske J-pop-blogs fra internettets tidlige dage. Faktisk har de sidste 20 år været præget af en hidtil uset stigning i forbruget af japansk musik, revolutioneret af streamingtjenester og samarbejdsplatforme på nettet som Reddit og RateYourMusic (RYM).

At være indflydelsesrig er at være mere end blot populær. Og alligevel er der et utal af japanske musikere, populære og ikke-populære, som uigenkaldeligt har ændret banen for et utal af genrer verden over. Der findes tydeligvis et uoverskueligt katalog af kunstnere, der opfylder dette kriterium, en liste, der uden tvivl kunne fylde flere bind (tænk blot kort på de store stilforskelle mellem Yoko Ono og Merzbow, Hikaru Utada og Toru Takemitsu, Boris og Cornelius). Denne liste vil, uden nogen præferenceorden, kondensere dette antal ned til syv favoritter, som jeg mener er mest samtidsrelevante og repræsenterer bredden af japanske musikeres indflydelse på forskellige stilarter og genrer.

Boredoms

Beskrevet af Bonnie C. Wade som “manisk ekstrem kakofoni”, kan Boredoms’ album og liveshows kun beskrives som “spirituelle happenings” eller “kulturelle begivenheder”. De stammer fra Osaka og har i løbet af de sidste 30 år produceret album med aggressiv støj, hurtig punk, støjrock, krautrock, psykedelisk rock, postrock, turntablism og minimalisme (for at nævne nogle få).

Boredoms’ nuværende liveshows har været kendt for at dreje sig om ekstrem abstrakt performancekunst, latterligt mange trommeslagere (ved to lejligheder 77 og 88) og fortryllende spiritualitet. Det er svært at tro, at de er det samme band, som turnerede med Sonic Youth og Nirvana i slutningen af 90’erne og endda spillede på hovedscenen på Lollapalooza i 1994.

Så længe man ser tilbage på disse optrædener, er det stadig forbløffende, at de nød en sådan popularitet. Det er ikke så meget, at de ikke var gode – Boredoms har faktisk altid været ret konsekvent utrolige – men at de næppe var popradioegnede. Men frontmanden Yamataka Eyes konstante flirt med galskaben og den oftest tilbagevendende trommeslager Yoshimi P-Wes naive, improviserede tilgang til trommespil åbnede mange uden for Japan, især i USA, øjnene for Japanoise.

Boredoms infiltrerede den amerikanske undergrund og blev ikke blot involveret med giganterne Sonic Youth, Nirvana og Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots blev opkaldt efter Yoshimi P-We og indeholdt hendes bidrag), men fik også et ry som ærværdige, mytiske kunstnere. Albummer som Super æ (1998) og Vision Creation Newsun (1999) har kun bidraget til myten, og deres indflydelse kan høres i en lang række forskellige bands, lige fra støj- og eksperimenterende rockbands som Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles og Black Midi til det psykedeliske popband Animal Collective.

Selv om det er næsten et årti siden Boredoms’ længste indflydelsesområde, har de nydt godt af den nye globale fandom i de digitale mediers tidsalder; de er blandt de mest efterlignede og kendte japanske musikere.

Fishmans

Helt enkelt, der har aldrig været et andet band som Fishmans. Fishmans blev dannet i 1987 som et simpelt dub-band, før de til sidst forvandlede sig til titaner af eksperimenterende drømmepop og neo-psykedelia, og Fishmans blev styret af Shinji Sato (vokal), Kin-Ichi Motegi (trommer) og Yuzuru Kashiwabara (bas).

Få diskografier fortæller så tilfredsstillende historien om et band som Fishmans’, og det gælder især på grund af de svimlende højder, som deres sidste fire plader har nået. Kūchū Camp, Long Season (begge beskrevet af The Japan Times som “ubestridte milepæle i den japanske rockkanon”), Uchū Nippon Setagaya og 98.12.28 Otokotachi no Wakare er banebrydende i den forstand, at ingen, hverken før eller efter, har lydt som dem.

Det er ingen overdrivelse at sige, at Fishmans er mere populære nu, end de nogensinde var i hele deres levetid i 90’erne. Alligevel, usædvanligt populære som de er på både Reddits /mu/ og RYM, skulle man næsten tro, at Fishmans for længst havde været et kendt navn. Tusindvis af fans falder i svime over Satos charmerende nørdede vokal og Kashiwabaras smittende basgange, og mange forbinder sig med den tragiske baggrund i Otokotachi no Wakare. For mange ændrer tragedien omkring Satos død med tilbagevirkende kraft den måde, de lytter til pladen på, og kun få diskussioner om de største plader i moderne musikhistorie udelukker Fishmans. Alt dette til trods for, at Fishmans’ katalog først var tilgængeligt til streaming fra sidste år, og at Otokotachi no Wakare – generelt deres mest roste værk – aldrig har fået en udgivelse uden for Japan.

Mere end nogen anden kunstner på denne liste ligger Fishmans’ indflydelse ikke så meget i, hvad de har inspireret musikalsk (eller ikke endnu, i hvert fald), men i det omfang, de har gennemsyret bevidstheden og diskursen hos en hel generation af globale musikfanatikere. Bands som Fishmans findes kun én gang i en generation. Tyve år senere er det tydeligt, at de endelig er tæt på at få den anerkendelse, de fortjener.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono har været en af omdrejningspunkterne i japansk popmusik lige siden sine tidlige dage i Apryl Fool og Happy End. Hosonos Yellow Magic Orchestra (1978-84), sammen med Ryuichi Sakamoto og Yukihiro Takahashi, krediteres for at have opfundet techno-kayo, og sammen med Kraftwerk og Giorgio Moroder anerkendes han jævnligt som en af gudfædrene til den elektroniske popmusik.

Hosono alene er dog blevet kendt for bredden af sine stilistiske eksperimenter, sin lange liste af produktionskreditter og sit selvorienterende, eksotiske soloværk. Han har sat et uudsletteligt præg på nogle af de mest populære popalbum i den moderne japanske musikhistorie, og alligevel er det først for relativt nylig, at hans indflydelse har bredt sig langt ud over hans dage med YMO. Hosonos karakteristisk legende, farverige popmelodier har lagt grunden til, at han er blevet idoliseret af slacker-indie- og weirdo-popnumre, hvoraf den mest berømte – og mest betydningsfulde – er Mac DeMarco.

Stilistiske ligheder til side har DeMarco offentligt anerkendt sit idol og endda udgivet en officiel coverversion af Hosonos “Honey Moon”. Tidligere i år gik han sammen med Hosono på scenen for at fremføre den, og han indrømmede også, at DeMarcos 2 (2012) var stylet efter Hosonos Hosono House (1973). Hosonos rolle i DeMarcos opstigning ville være ubetydelig, blot er DeMarco nemt en af de mest imiterede og definerende kunstnere i amerikansk indierock i dette årti.

Selv uden for sit arbejde med YMO siver Hosonos soloarbejde og hans aftryk på plader af Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki og Pizzicato Five, i høj grad gennem streaming, ind i en ny generation, der er ivrig efter at dykke ned i hans enorme katalog af udgivelser.

Keiji Haino

Keiji Haino er en mester i performance og en af avantgardens mest gådefulde og rastløst innovative figurer, og han erklærer, at hans musik er lige så kraftfuld som psykedeliske stoffer (som han i øvrigt påstår, at han aldrig har taget). Og med en musik af en sådan kraft er det ikke underligt, at han er en så legendarisk og indflydelsesrig avantgardemusiker.

Haino er umulig at fastlåse til en enkelt genre og er kendt for sit arbejde med fri improvisation, minimalisme, støj, drone, poesi og meget andet både i sit soloværk og i sit væld af andre musikalske projekter (især det psykedeliske band Fushitsusha og noise-aktuelle Nijiumu). På trods af at han blev forbudt fra NHK mellem 1973 og 2013 og generelt lavede plader på grænsen af, hvad man normalt kan betragte som “musik” overhovedet, fandt Haino et publikum i USA gennem John Zorns Tzadik-label i 90’erne som en mystisk og vild sonisk revolutionær. Haino er blevet en ærværdig figur blandt folk som Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O))))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, producer for Wilco og Stereolab) og Christian Marclay, og Hainos indflydelse viser sig ikke kun i hans samarbejdsprojekter med disse kunstnere, men også i deres bredere ethos.

Disse efterfølgere er gået videre til at skabe nogle af de vigtigste og mest respekterede tunge og eksperimenterende plader uden for Japan (samt nogle generationsdefinerende værker inden for den blødere genre); de har transformeret genrerne gennem hans samme radikale filosofi og grænsesøgende tilgang. Kort sagt, uden Haino ville plader som Sun O))))’s Monoliths and Dimensions, Jim O’Rourke’s Insignificance, Sonic Youth’s Murray Street eller Wilco’s Yankee Hotel Foxtrot måske aldrig have lydt som de gør.

Nujabes (Jun Seba)

Den idolisering af en kunstner efter dennes død er næppe et sjældent fænomen, men sjældent har den udbredte posthume påskønnelse været så velfortjent som med musikken af den instrumentale hiphop-pioner Nujabes (født Jun Seba). Siden Nujabes’ tragiske død i en trafikulykke i februar 2010 er hans arv stille og roligt vokset eksponentielt og er blevet til indbegrebet af en hiphop-stil, der er kendt over hele verden. Nujabes’ beatmaking tog jazzrappen fra amerikanske kunstnere som Pete Rock og A Tribe Called Quest og tilføjede træblæsere, horn og en intens gæld til spirituel jazz.

Med liveinstrumenter og samples fra en lang række kunstnere – herunder Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis og Jean-Michel Jarre blandt mange andre – bygger Nujabes’ beats behændigt bro over utallige genrer. Han er lige så kendt for sine to studieplader, Metaphorical Music og Modal Soul, som for sit arbejde med at levere soundtracket til Shinichirō Watanabes Samurai Champloo anime-serie. Nujabes’ arv, der er drevet af den voksende efterspørgsel i hiphop efter glattere og mere jazzede instrumentaler (samt af Samurai Champloo, der har fået et enormt internationalt publikum), er kun vokset siden hans død.

Mere end blot “Japans J Dilla” (selv om han tilfældigvis er født samme dag, den 7. februar 1984), er han af så forskellige kunstnere som den polske rapper Zeus og de amerikanske rappere SahBabii og Joey Bada$$$ blevet anerkendt som en væsentlig og tydelig forfader til den moderne hiphop. Med den yderligere fremtrædende Lo-fi Hip Hop Radio og de forskellige Nujabes Experience-arrangementer, der dukker op over hele verden, er det klart, at virkningen af Nujabes’ instrumentale hiphop kun vokser.

Perfume

Siden de først brød ind på J-pop-scenen i 2008, har det været klart, at Perfume ikke er en almindelig idolgruppe. Både deres enorme popularitet og det bemærkelsesværdige omfang, hvormed denne popularitet er blevet oversat så godt i udlandet, gør det klart, at de er et atypisk og ikke et rent japansk kulturelt fænomen. Hvis YMO introducerede den første bølge af technopop, så har Perfume indvarslet den anden bølge. Producer Nakata Yasutakas forkærlighed for fransk house og bossa nova skabte instrumentaler, der ikke lignede noget andet på det tidspunkt, mens Kashiyukas, A-chans og Nocchis vokal var abnormt mørk. Monoton og autotunet med en sci-fi, elektronisk kant; alle tre var en stærk kontrast til folk som Ayumi Hamasaki og Hikaru Utada.

Spillede på Texas-festivalen SXSW i 2015 og skabte engelsksprogede fanbaser på websteder som Perfume City, LiveJournal, AllMusic og YouTube, og man kunne se Perfume som Japans pendant til Cool Britannia. Tracks fra både Game (2008) og Triangle (2009) blev hverdagskost i indie-dj-sæt overalt og blev til sidst støttet af verdensturnéer. Naturligvis ligger Perfumes indflydelse i høj grad i popmusik og EDM. Madeon og Zedd, to af de mest berømte DJ’s inden for EDM, har begge erkendt Perfume og Yasutakas indflydelse på deres arbejde. Selv om Yasutaka senere producerede for Kyary Pamyu Pamyu Pamyu fra Harajuku, en anden unik og populær J-pop-eksport, var Perfume de oprindelige technopopop-revivalister.

Shiina Ringo

Avant-pop-dronningen Shiina Ringo er en af de få virkelig indflydelsesrige kunstnere, hvis arbejde formår at gå på tværs af både stratosfærisk popularitet og uhæmmet kreativitet. Hun er en af de mest populære kunstnere i Japan og bliver også tilbedt af kunstpopfans på websteder som RateYourMusic. I begyndelsen af 2000’erne var hendes fremgang ustoppelig; støttet af sit backingband Tokyo Jihen kombinerede Ringo mørkere, indadvendte, ofte surrealistiske tekster med vild instrumental eksperimentalisme, der blandede J-pop med elementer fra jazz, rock, støjpop, barokpop, enka og electronica.

Kalk Samen Kuri no Hana, det album, som mange ser som hendes største kunstneriske erklæring, blev af den asiatiske udgave af Time sammenlignet med Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Den sammenligning er helt berettiget: Det er et udansk, kaotisk stykke musik, der er solidt forankret i popmusikken, men som samtidig også ubevidst trækker genren fremad. Hyppige sammenligninger med Bjork vidner om hendes konsekvent banebrydende, helt karakteristiske stil og hendes højenergiske, ofte provokerende stemmeføring; selv om Bjork næppe lyder som Ringos selvudnævnte “Shinjuku-kei” (en leg med den ikoniske Shibuya-kei indiepopstil).

Trods et stadig større antal oversøiske lyttere, der konstant finder Ringos værk, er der kun få, der har indvendinger mod dens kritiske status. Hendes fans omfatter Lenny Kravitz, Courtney Love og endda Parfume’s Nocchi, mens folk som den fremadstormende London-baserede popstjerne Rina Sawayama nævner hende som en væsentlig indflydelse. Den japansk-amerikanske musiker Mitski nævnte hende bl.a. som en af de vigtigste indflydelser på sit seneste album, det anmelderroste Be the Cowboy fra 2018, som blev anmelderrost. Ringos arbejde har uden tvivl banet vejen for et bredere internationalt publikum for andre kvindeligt ledede, højintensive japanske numre som Midori, Tricot og Otoboke Beaver, og påskønnelsen af hendes indflydelse på art pop er ubestridelig og voksende.