7 japonských hudebníků, kteří ovlivnili svět

Japonská hudba má, ať už si to zbytek světa uvědomuje, nebo ne, dlouhodobě obrovský vliv na celosvětové hudební trendy. Od záviděníhodné poválečné japonské undergroundové scény až po nezadržitelný vzestup J-popu v tomto století stáli japonští umělci v čele hnutí, která rozpoutala revoluční vlny po celém světě, a v roce 2019 nebyl jejich vliv nikdy tak široký a zřejmý.

Objevování tvorby japonských hudebníků urazilo od dob labelu New Japan Johna Zorna a oněch nechvalně známých labyrintů J-popových blogů z počátků internetu dlouhou cestu. V posledních dvaceti letech došlo k nebývalému nárůstu konzumace japonské hudby, k němuž revolučně přispěly streamovací služby a kolaborativní online platformy jako Reddit a RateYourMusic (RYM).

Být vlivný znamená být víc než jen populární. A přesto existuje nespočet japonských hudebníků, populárních i nepopulárních, kteří nenávratně změnili trajektorii nespočetného množství žánrů po celém světě. Umělců, kteří splňují tato kritéria, je poměrně zjevně nepřeberný seznam, který by bezpochyby zaplnil několik svazků (ve zkratce uveďme obrovské stylové rozdíly mezi Yoko Ono a Merzbow, Hikaru Utadou a Toru Takemitsu, Borisem a Corneliusem). Tento seznam, bez pořadí preferencí, zúží tento počet na sedm favoritů, o nichž si myslím, že jsou nejrelevantnější v současnosti a reprezentují šíři vlivu japonských hudebníků na různé styly a žánry.

Boredoms

Alba a živá vystoupení Boredoms, které Bonnie C. Wadeová popsala jako „maniakálně extrémní kakofonii“, lze označit pouze jako „duchovní happeningy“ nebo „kulturní události“. Pocházejí z Ósaky a za posledních 30 let vyprodukovali alba agresivního noisu, rychlého punku, noise rocku, krautrocku, psychedelického rocku, post rocku, turntablismu a minimalismu (abychom jmenovali alespoň některé).

Současná živá vystoupení Boredoms jsou známa tím, že se točí kolem extrémního abstraktního umění performance, směšného počtu bubeníků (ve dvou případech 77 a 88) a uhrančivé spirituality. Je těžké uvěřit, že jde o stejnou kapelu, která na konci 90. let koncertovala se Sonic Youth a Nirvanou a v roce 1994 dokonce hrála na hlavním pódiu festivalu Lollapalooza.

Při pohledu na tato vystoupení je stále nepochopitelné, že se těšili takové popularitě. Nejde ani tak o to, že by nebyli dobří – ostatně Boredoms byli vždy spíše konzistentně neuvěřitelní -, ale o to, že byli sotva hodni popového rádia. Nicméně neustálé koketování frontmana Yamataky Eye s bláznovstvím a většinou opakovaný naivní, improvizovaný přístup bubeníka Yoshimiho P-We k bubnování otevřely Japanoise oči mnoha lidem mimo Japonsko, zejména v USA.

Boredoms pronikli do amerického undergroundu a nejenže se zapojili do spolupráce s velikány Sonic Youth, Nirvanou a Flaming Lips (album Yoshimi Battles the Pink Robots se jmenovalo podle Yoshimi P-We a obsahovalo její příspěvky), ale získali si pověst uctívaných, mýtických interpretů. Alba jako Super æ (1998) a Vision Creation Newsun (1999) tento mýtus jen budovala a jejich vliv je slyšet v tvorbě řady různých kapel od noiseových a experimentálních rockových kapel jako Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles a Black Midi až po psychedelický pop Animal Collective.

Přestože od doby, kdy Boredoms dosáhli nejzazšího vlivu, uplynulo téměř deset let, těží z nového globálního fandovství éry digitálních médií; patří k nejnapodobovanějším a nejznámějším japonským hudebníkům.

Fishmans

Jednoduše řečeno, nikdy tu nebyla jiná kapela jako Fishmans. Fishmans, kteří vznikli v roce 1987 jako přímočará dubová kapela, než se nakonec proměnili v titány experimentálního dream popu a neopsychedelie, řídili Shinji Sato (zpěv), Kin-Ichi Motegi (bicí) a Yuzuru Kashiwabara (baskytara).

Málokterá diskografie vypráví příběh kapely tak uspokojivě jako ta od Fishmans, což platí především díky závratným výšinám, kterých dosáhly jejich poslední čtyři desky. Kūchū Camp, Long Season (obě označil list The Japan Times za „neoddiskutovatelné mezníky japonského rockového kánonu“), Uchū Nippon Setagaya a 98.12.28 Otokotachi no Wakare jsou přelomové v tom smyslu, že nikdo před nimi ani po nich nezněl podobně.

Bez nadsázky lze říci, že Fishmans jsou nyní populárnější, než kdy byli po celou dobu své existence v 90. letech. Přesto si člověk při jejich výjimečné popularitě jak na /mu/, tak na RYM Redditu skoro myslí, že Fishmans už dávno zdomácněli. Tisíce fanoušků omdlévají nad Satovým okouzlujícím přitroublým vokálem a Kashiwabarovými nakažlivými basovými linkami a mnozí se spojují s tragickým pozadím Otokotachi no Wakare. Pro mnohé tragédie Satovy smrti zpětně mění způsob, jakým desku poslouchají, a jen málokterá diskuse týkající se nejlepších desek v moderní hudební historii vynechá Fishmany. To vše navzdory tomu, že katalog Fishmans je k dispozici ke streamování teprve od loňského roku a Otokotachi no Wakare – jejich obecně nejuznávanější dílo – se nikdy nedočkalo vydání mimo Japonsko.

Více než kterýkoli jiný umělec na tomto seznamu nespočívá vliv Fishmans ani tak v tom, co hudebně inspirovali (nebo zatím alespoň ne), ale v míře, v jaké pronikli do povědomí a diskurzu celé generace globálních hudebních fanatiků. Kapely jako Fishmans se objevují jen jednou za generaci. Po dvaceti letech je zřejmé, že jsou konečně blízko uznání, které si zaslouží.“

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono je oporou japonské pop music už od svých začátků ve skupinách Apryl Fool a Happy End. Hosonova skupina Yellow Magic Orchestra (1978-84), v níž působil společně s Ryuichim Sakamotem a Yukihiro Takahashim, je považována za vynálezce techno-kayo a vedle skupin jako Kraftwerk nebo Giorgio Moroder je pravidelně uznávána jako jeden z kmotrů elektronické pop music.

Sám Hosono se však proslavil šíří svých stylových experimentů, rozsáhlým seznamem producentských počinů a sebeironizující exotickou sólovou tvorbou. Zanechal nesmazatelnou stopu na některých z nejpopulárnějších popových alb v moderní historii japonské hudby, a přesto se jeho vliv teprve relativně nedávno pevně rozšířil za hranice jeho působení v YMO. Hosonovy výrazně hravé, barevné popové melodie položily základ pro jeho zbožňování ze strany slackerských indie a weirdo popových kapel, z nichž nejznámější – a nejvýznamnější – je Mac DeMarco.

Kromě stylistické podobnosti DeMarco veřejně uznal svůj idol a dokonce vydal oficiální coververzi Hosonovy skladby „Honey Moon“. Začátkem letošního roku se k Hosonovi připojil na pódiu, aby ji předvedl, a také přiznal, že DeMarcova deska 2 (2012) byla stylizována podle Hosonova alba Hosono House (1973). Hosonova role v DeMarcově vzestupu by byla nezanedbatelná, jenže DeMarco je snadno jedním z nejvíce napodobovaných a určujících umělců amerického indie rocku tohoto desetiletí.

I mimo spolupráci s YMO proniká Hosonova sólová tvorba a otisk na deskách Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki a Pizzicato Five, z velké části prostřednictvím streamingu, k nové generaci, která se touží ponořit do jeho rozsáhlého katalogu nahrávek.

Keiji Haino

Keiji Haino, mistr performance a jedna z nejzáhadnějších a nejnepokojněji inovativních postav avantgardy, prohlašuje, že jeho hudba je stejně silná jako psychedelické drogy (které mimochodem nikdy nebral). A protože jeho hudba má takovou sílu, není divu, že je tak legendárním a vlivným avantgardním hudebníkem.

Haino, jehož nelze zařadit do jednoho žánru, je známý svou prací s volnou improvizací, minimalismem, noisem, dronem, poezií a mnoha dalšími prvky jak ve své sólové tvorbě, tak v mnoha dalších hudebních projektech (zejména psychedelické skupině Fushitsusha a noisovém projektu Nijiumu). Přestože měl Haino v letech 1973-2013 zakázaný vstup do NHK a obecně vytvářel nahrávky na hranici toho, co by se obvykle dalo vůbec považovat za „hudbu“, našel si v 90. letech prostřednictvím labelu Tzadik Johna Zorna publikum v USA jako mystický a divoký zvukový revolucionář. Haino, který si vydobyl úctu mezi umělci jako Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O)))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, producent pro Wilco a Stereolab) nebo Christian Marclay, se projevil nejen ve společných projektech s těmito umělci, ale i v jejich širším étosu.

Tito následovníci pak vytvořili některé z nejvýznamnějších a nejuznávanějších těžkých a experimentálních nahrávek mimo Japonsko (stejně jako některá generačně určující díla měkčích žánrů); transformovali žánry díky jeho stejné radikální filozofii a přístupu posouvajícímu hranice. Jednoduše řečeno, bez Haina by desky jako Monoliths and Dimensions od Sun O))), Insignificance Jima O’Rourka, Murray Street od Sonic Youth nebo Yankee Hotel Foxtrot od Wilco možná nikdy nezněly tak, jak znějí.

Nujabes (Jun Seba)

Zbožštění umělce po jeho odchodu je sotva vzácným jevem, ale jen zřídkakdy si široké posmrtné uznání zaslouží takovou váhu jako v případě hudby průkopníka instrumentálního hip hopu Nujabese (narozen jako Jun Seba). Od Nujabesovy tragické smrti při dopravní nehodě v únoru 2010 se jeho odkaz nenápadně a exponenciálně rozrostl a ztělesňuje styl hip hopu známý po celém světě. Nujabesova beatmakingová tvorba převzala jazzový rap amerických umělců jako Pete Rock a A Tribe Called Quest a přidala k němu dechové nástroje, lesní rohy a intenzivní věrnost duchovnímu jazzu.

Spojením živé instrumentace se samply od obrovského množství umělců – včetně Pharoaha Sanderse, Franka Sinatry, Milese Davise a Jean-Michela Jarreho a mnoha dalších – Nujabesovy beaty obratně propojují nespočet žánrů. Je známý jak díky svým dvěma studiovým deskám Metaphorical Music a Modal Soul, tak díky soundtracku k anime seriálu Samurai Champloo od Shinichirō Watanabeho. Nujabesův odkaz, poháněný rostoucí poptávkou po hladších a jazzovějších instrumentálkách v hip hopu (a také tím, že si Samurai Champloo získal obrovské mezinárodní publikum), po jeho smrti jen vzrostl.

Je víc než jen „japonský J Dilla“ (i když se shodou okolností narodil ve stejný den, 7. února 1984), za zásadního a výrazného předchůdce současného hip hopu ho uznávají tak různí umělci jako polský rapper Zeus nebo američtí rappeři SahBabii a Joey Bada$$. S dalším rozmachem Lo-fi Hip Hop Radia a různými akcemi Nujabes Experience, které se objevují po celém světě, je jasné, že vliv Nujabesovy značky instrumentálního hip hopu jen roste.

Perfume

Od roku 2008, kdy poprvé prorazili na j-popovou scénu, je jasné, že Perfume nejsou průměrnou skupinou idolů. Jak jejich obrovská popularita, tak pozoruhodný rozsah, v jakém se tato popularita tak dobře přenesla do zámoří, jasně ukazují, že jsou netypickým a ne čistě japonským kulturním fenoménem. Jestliže YMO představila první vlnu technopopu, Perfume přivolala druhou. Záliba producenta Nakaty Yasutaky ve francouzském housu a bossa nově vytvořila instrumentálky, které se v té době nepodobaly ničemu jinému, zatímco vokály Kashiyuka, A-chan a Nocchi byly abnormálně temné. Monotónní a autotuningované se sci-fi elektronickým nádechem; všechny tři byly v ostrém kontrastu s takovými osobnostmi, jako jsou Ayumi Hamasaki nebo Hikaru Utada.

V roce 2015 hrály na texaském festivalu SXSW a vytvořily anglicky mluvící fanouškovské základny na stránkách jako Perfume City, LiveJournal, AllMusic a YouTube, takže by se Perfume daly považovat za japonskou obdobu Cool Britannia. Skladby z alb Game (2008) a Triangle (2009) se staly běžnou součástí indie DJ setů po celém světě a nakonec byly podpořeny světovými turné. Vliv Perfume spočívá samozřejmě hlavně v popové hudbě a EDM. Madeon a Zedd, dva z nejznámějších DJs v EDM, přiznali vliv Perfume a Yasutaky na svou tvorbu. Ačkoli Yasutaka dále produkoval pro Harajuku Kyary Pamyu Pamyu, další jedinečný a populární export J-popu, Perfume byli původními technopopovými revivalisty.

Shiina Ringo

Královna avant-popu Shiina Ringo je jedním z mála skutečně vlivných umělců, jejichž tvorba dokáže rozkročit jak mezi stratosférickou popularitou, tak nespoutanou kreativitou. Je jednou z nejpopulárnějších umělkyň v Japonsku a uctívají ji i fanoušci art popu na stránkách jako RateYourMusic. Na začátku roku 2000 byl její vzestup nezastavitelný; Ringo, podpořená svou doprovodnou kapelou Tokyo Jihen, kombinovala temnější, introspektivní, často surrealistické texty s divokým instrumentálním experimentalizmem, který spojoval j-pop s prvky jazzu, rocku, noise popu, barokního popu, enky a elektroniky.

Kalk Samen Kuri no Hana, album, které mnozí považují za její největší uměleckou výpověď, přirovnalo asijské vydání časopisu Time k albu Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Toto přirovnání je zcela oprávněné: je to obskurní, chaotické hudební dílo pevně zakotvené v popu a zároveň bezohledně táhnoucí tento žánr kupředu. Častá přirovnání k Bjork svědčí o jejím důsledně průkopnickém, zcela osobitém stylu a vysoce energickém, často provokativním vokálním projevu; ačkoli Bjork sotva zní podobně jako Ringovo sebeoznačení „Shinjuku-kei“ (hříčka s kultovním stylem indie popu Shibuya-kei).

Přestože Ringovu tvorbu neustále vyhledává stále větší počet zámořských posluchačů, málokdo má námitky proti jejímu kritickému statusu. Mezi její fanoušky patří Lenny Kravitz, Courtney Love a dokonce i Nocchi z Perfume, zatímco například nadějná londýnská popová hvězda Rina Sawayama ji uvádí jako zásadní vliv. Japonsko-americká hudebnice Mitski ji zejména uvedla jako jeden z nejdůležitějších vlivů na svém posledním albu Be the Cowboy z roku 2018, které bylo kritikou velmi dobře přijato. Ringova tvorba pravděpodobně vydláždila cestu širšímu mezinárodnímu publiku pro další ženské, vysoce intenzivní japonské kapely, jako jsou Midori, Tricot a Otoboke Beaver, a uznání jejího vlivu na art pop je nepopiratelné a roste.