10 uměleckých děl, která lidi opravdu rozzuřila

Umělci se v historii nikdy nevyhýbali kontroverzím – ve skutečnosti se mnozí z nich dokonce snažili ucházet o neslavu. (Potřebujete důkaz? Stačí se podívat na Banksyho, anonymního pouličního umělce, který nedávno vytvořil dílo, jež se samo zničilo v okamžiku, kdy bylo prodáno v aukci – za neuvěřitelných 1,37 milionu dolarů). I když je na kritice a historicích, aby diskutovali o technice a umělecké hodnotě, existují umělecká díla, která šokovala většinu lidí, kteří je viděli. Od obrazů považovaných na svou dobu za příliš oplzlé, hrubé nebo krvavé až po akty takzvaného znesvěcení a silná politická prohlášení – toto jsou některá z nejkontroverznějších uměleckých děl, která kdy vznikla.

1. Michelangelo, „Poslední soud“, 1536-1541

Přibližně 25 let po dokončení stropu Sixtinské kaple se renesanční polyhistor Michelangelo vrátil do Vatikánu, aby pracoval na fresce, o níž se bude diskutovat po staletí. Jeho vyobrazení druhého příchodu Krista v „Posledním soudu“, na němž pracoval v letech 1536 až 1541, se okamžitě setkalo s kontroverzí protireformační katolické církve. Náboženští představitelé se proti fresce ohradili, a to z několika důvodů, včetně stylu, jakým Michelangelo Ježíše namaloval (bez vousů a v klasickém stylu pohanské mytologie). Nejvíce šokující však bylo 300 postav na obraze, převážně mužů a většinou nahých. V rámci akce zvané fíkový list byly přes pohoršující anatomii později namalovány kousky látky a flóry, z nichž některé byly později v rámci restaurování ve 20. století odstraněny.

2. Caravaggio, „Svatý Matouš a anděl“, 1602

Život barokního malíře Caravaggia je možná kontroverznější než všechna jeho díla, vzhledem k tomu, že zemřel ve vyhnanství poté, co byl obviněn z vraždy. Jeho netradičně humanistický přístup k náboženským zakázkám však ve své době rozhodně vyvolával pozdvižení. Na dnes ztraceném obraze „Svatý Matouš a anděl“, vytvořeném pro Contarelliho kapli v Římě, Caravaggio převrátil konvence tím, že jako model světce použil chudého rolníka. Kritiky však nejvíce rozčilovaly špinavé nohy svatého Matouše, které jako by iluzionisticky vystupovaly z plátna (což byl umělcův opakovaný vizuální trik), a způsob, jakým obraz naznačoval, že je negramotný, jako by mu předčítal anděl. Dílo bylo nakonec odmítnuto a nahrazeno „Inspirací svatého Matouše“, podobným, ale standardnějším zobrazením této scény.

3. Thomas Eakins, „Grossova klinika“, 1875

Tato ikona amerického umění vznikla v očekávání stého výročí založení státu, kdy malíř Thomas Eakins toužil předvést jak svůj talent, tak vědecký pokrok filadelfské Jefferson Medical College. Realistický obraz staví diváka do středu chirurgického amfiteátru, kde lékař Dr. Samuel Gross přednáší studentům operujícím pacienta. Jeho věcné vyobrazení chirurgie však bylo považováno za příliš názorné a obraz byl na filadelfské výstavě ke stému výročí založení společnosti odmítnut (někteří viní zkrvavené ruce lékaře, jiní tvrdí, že to byla ženská postava, která si chrání oči). O sto let později byl však obraz konečně uznán jako jedno z největších mistrovských děl své doby, a to jak z hlediska uměleckého, tak i vědeckého.

4. Marcel Duchamp „Fontána“, 1917

Když ikonoklastický Marcel Duchamp anonymně předložil porcelánový pisoár s podpisem „R. Duchamp“, byl jeho obraz označen jako „Fontána“. Mutt 1917″ jako „readymade“ sochu Společnosti nezávislých umělců, skupině známé tím, že přijímá každého umělce, který sežene honorář‘, stalo se nemyslitelné: dílo bylo odmítnuto, přestože sám Duchamp byl spoluzakladatelem a členem představenstva skupiny. Někteří dokonce uvažovali, zda se nejedná o podvod, ale dadaistický časopis The Blind Man hájil pisoár jako umění, protože si ho umělec sám vybral. Dílo znamenalo posun od toho, co Duchamp nazýval „retinálním“ neboli čistě vizuálním uměním, ke konceptuálnějšímu způsobu vyjádření – a vyvolalo tak dodnes trvající dialog o tom, co vlastně představuje umělecké dílo. Ačkoli z originálu zůstala jen fotografie Alfreda Stieglitze (který dílo vyhodil) pořízená pro časopis, ve významných sbírkách po celém světě se nachází několik autorizovaných reprodukcí z 60. let 20. století.

5. Snímky z roku 1858. Robert Rauschenberg, „Vymazaný De Kooning“, 1953

V některých ohledech „Vymazaný De Kooning“ Roberta Rauschenberga předznamenal Banksyho sebedestruktivní malbu. V případě kresby z roku 1953 se však autor rozhodl, že původní dílo musí být důležité samo o sobě. „Když jsem jen vymazal své vlastní kresby, nebylo to ještě umění,“ řekl Rauschenberg v roce 1999 v SFMoMA. Obrátil se tedy na nejuznávanějšího moderního umělce té doby, rtuťovitého abstraktního expresionistu Willema de Kooninga, který po jistém přesvědčování dal mladšímu umělci kresbu se směsí kresby mastnou tužkou a uhlím, jejíž vymazání trvalo Rauschenbergovi dva měsíce. Trvalo asi deset let, než se zpráva o díle rozšířila, když se setkala se směsicí údivu (Uzurpoval si mladý génius mistra?) a znechucení (Je to vandalismus?). Jednou z osob, na kterou to neudělalo zvláštní dojem, byl sám de Kooning, který později řekl reportérovi, že mu tento nápad zpočátku připadal „kýčovitý“, a kterému se podle některých nelíbilo, že se o tak intimní interakci mezi umělci podělila veřejnost.

6. Yoko Ono, „Cut Piece“, 1964 / Marina Abramovic, „Rhythm 0“, 1974

Jak se performance jako umělecká praxe v poválečných letech objevovala, umělecká forma často směřovala k provokaci a dokonce k nebezpečí. V performanci Yoko Ono „Cut Piece“ z roku 1964 vyzvala umělkyně diváky, aby si vzali nůžky a ustřihli kus jejího oděvu, zatímco ona seděla bez hnutí a mlčela. „Lidé byli tak šokováni, že o tom nemluvili,“ vzpomínala později.

O deset let později se Marina Abramovic k tomuto konceptu nevědomky vrátila v projektu „Rytmus 0“, v němž umělkyně poskytla divákům 72 objektů, aby si dělali, co „chtějí“. Vedle nůžek Abramovičová nabídla celou řadu nástrojů: růži, pírko, bičík, skalpel, pistoli, kulku, kousek čokoládového dortu. V průběhu šestihodinového představení se diváci stávali stále agresivnějšími, jeden z nich jí z krku vytáhl krev („dodnes mám jizvy,“ řekla) a jiný jí přiložil pistoli k hlavě, čímž rozpoutal rvačku i uvnitř galerie („byla jsem připravena zemřít“). V publiku se strhla hádka o to, jak daleko se má zajít, a ve chvíli, kdy představení skončilo, vzpomínala Abramovičová, všichni utekli, aby se nemuseli konfrontovat s tím, co se stalo. Od té doby je Abramovičová označována za kmotru performativního umění a její často fyzicky extrémní díla stále polarizují diváky i kritiky.

7. Judy Chicago, „The Dinner Party“, 1974-79

Svým „Dinner Party“ se Judy Chicago rozhodla zasadit o uznání žen v celé historii – a nakonec se sama zapsala do dějin umění. Komplexní instalace se stovkami komponentů je imaginární hostinou, na níž se představuje 39 žen z celé mytologie a historie – mimo jiné Sojourner Truth, Sacajawea a Margaret Sangerová -, z nichž každá je u stolu zastoupena prostíráním, na němž jsou téměř všechny zobrazeny stylizované vulvy. Díky kombinaci anatomického zobrazování a řemeslných technik bylo dílo kritiky označeno za vulgární a kýčovité a bylo rychle satirizováno protivýstavou, která uctívala ženy „pochybné pověsti“. Navzdory kritikům je však dílo nyní považováno za mezník feministického umění a je trvale vystaveno v Brooklynském muzeu.

8. Maya Lin, „Vietnam Veterans Memorial“, dokončeno 1982

Maye Lin bylo pouhých 21 let, když získala zakázku, která odstartovala její kariéru – a celonárodní debatu. Její návrh památníku vietnamských veteránů byl vybrán slepou porotou, která neměla ani tušení, že vítězná autorka je studentkou architektury. Navržený návrh sice splňoval všechny požadavky, včetně začlenění 58 000 jmen vojáků, kteří se z války nikdy nevrátili, ale jeho minimalistická, nenápadná forma – dvě černé žulové desky, které vystupují ze země ve tvaru písmene „V“, jako „rána, která se uzavírá a hojí“, jak uvedla Lin – se okamžitě stala předmětem politické debaty těch, kteří měli pocit, že náležitě neheroizuje vojáky, které uctívá. Jeden z veteránů označil návrh za „černou ránu hanby“ a 27 republikánských kongresmanů napsalo prezidentu Ronaldu Reaganovi dopis, v němž požadovali, aby návrh nebyl postaven. Lin však svou vizi obhajovala a před Kongresem svědčila o záměru díla. Nakonec došlo ke kompromisu, kdy byl v blízkosti přidán druhý návrh v soutěži, na němž byli vyobrazeni tři vojáci, aby byla pocta dokončena (později byly přidány také vlajka a památník žen). S rostoucím odstupem od války kritika památníku slábla.

9. V roce 1952 byl památník postaven ve Washingtonu. Aj Wej-wej, „Dropping a Han Dynasty Urn“, 1995

Čínský umělec a aktivista Aj Wej-wej je jednou z nejprovokativnějších postav umění a jeho praxe často zpochybňuje představy o hodnotách a spotřebě. V roce 1995 umělec kývl Duchampovi dílem „Dropping a Han Dynasty Urn“, které nazval „kulturní readymade“. Jak název napovídá, dílo spočívalo v upuštění, a tedy zničení dva tisíce let staré obřadní urny. Nádoba měla nejen značnou finanční hodnotu (Aj za ni údajně zaplatil několik set tisíc dolarů), ale byla také silným symbolem čínské historie. Záměrné znesvěcení historického artefaktu někteří odsoudili jako neetické, na což umělec odpověděl citátem Mao Ce-tunga: „Jediný způsob, jak vybudovat nový svět, je zničit ten starý.“ K této myšlence se Aj vrací, když maluje podobnou nádobu s logem Coca Coly nebo zářivými barvami cukrovinek, zatímco lidé diskutují o tom, zda používá pravé starožitnosti, nebo padělky. Ať tak či onak, jeho provokativní dílo inspirovalo další akty destrukce – jako když návštěvník miamské výstavy Ajových prací rozbil namalovanou nádobu v nelegálním protestním aktu, který odrážel Ajovu vlastní.

10. září 2011. Chris Ofili, „Svatá Panna Marie“, 1996

Těžko může být šokující, že výstava s názvem „Sensation“ vyvolala rozruch, ale právě to se stalo, když byla v roce 1997 otevřena v Londýně s řadou kontroverzních děl takzvaných mladých britských umělců: Marcus Harvey namaloval obraz vražedkyně Myry Hindleyové, Damien Hirst vytvořil sochu žraloka ve formaldehydu, Tracey Eminová vystavila instalaci nazvanou „Všichni, se kterými jsem kdy spala (1963-1995)“ a Marc Quinn vytvořil autoportrét z krve. Když se o dva roky později výstava dostala do Brooklynského muzea, největší opovržení si vysloužila „Svatá Panna Marie“, Madona od Chrise Ofiliho. Třpytivá koláž obsahovala výstřižky z pornografických časopisů a kousky sloního trusu potaženého pryskyřicí, o nichž média mylně uváděla, že jsou „rozstříknuty“ po celém díle. Newyorský starosta Rudy Giuliani pohrozil, že stáhne sedmimilionový grant města na výstavu, a označil ji za „zvrácenou věc“, zatímco náboženští představitelé a celebrity se připojili k protestům na opačných stranách. O dvě desetiletí později si Ofiliho kontroverzní obraz vydobyl místo v oblouku dějin umění – a ve stálé sbírce Muzea moderního umění.