7 Músicos Japoneses que Influenciaram o Mundo

Música Japonesa tem, quer o resto do mundo a conheça ou não, há muito que teve uma tremenda influência nas tendências musicais mundiais. Da invejável cena underground japonesa do pós-guerra à ascensão imparável do J-pop neste século, artistas japoneses lideraram movimentos que desencadearam ondas de choque revolucionárias por todo o mundo e, em 2019, sua influência nunca foi tão ampla ou tão óbvia.

Descoberta do trabalho dos músicos japoneses percorreu um longo caminho desde os dias da gravadora New Japan de John Zorn e daqueles infames blogs labirínticos de J-pop dos primeiros tempos da internet. De fato, nos últimos 20 anos houve um aumento sem precedentes no consumo de música japonesa, revolucionado por serviços de streaming e plataformas colaborativas online como Reddit e RateYourMusic (RYM).

Ser influente é ser mais do que apenas popular. E ainda assim, há inúmeros músicos japoneses, populares e não, que alteraram irreversivelmente a trajetória de um número incalculável de gêneros no mundo inteiro. Há, obviamente, um catálogo assustador de artistas que preenchem este critério, uma lista que poderia, sem dúvida, preencher vários volumes (considere brevemente as vastas divergências de estilo entre Yoko Ono e Merzbow, Hikaru Utada e Toru Takemitsu, Boris e Cornelius). Esta lista não irá, em nenhuma ordem de preferência, condensar esse número até sete favoritos que eu acho que são mais relevantes contemporaneamente e representam a amplitude da influência dos músicos japoneses sobre estilos e gêneros diferentes.

Boredoms

Described by Bonnie C. Wade as “maniacally extreme cacophony”, Boredoms’ albums and live shows só podem ser descritos como “acontecimentos espirituais” ou “eventos culturais”. Oriundos de Osaka, nos últimos 30 anos eles produziram álbuns de ruído agressivo, punk rápido, noise rock, krautrock, rock psicodélico, post rock, turntablismo e minimalismo (para citar alguns).

Os atuais shows ao vivo de Boredoms têm sido conhecidos por girar em torno de arte de performance abstrata extrema, números ridículos de bateristas (em duas ocasiões, 77 e 88) e espiritualidade entranhável. É difícil acreditar que eles são a mesma banda que fez turnê com Sonic Youth e Nirvana no final dos anos 90 e até tocou no palco principal de Lollapalooza em 1994.

Lembrando dessas performances, ainda é desconcertante que eles desfrutaram de tanta popularidade. Não é tanto que eles não fossem bons – na verdade, os aborrecimentos sempre foram consistentemente incríveis – mas que dificilmente eram merecedores de rádio pop. No entanto, o constante flerte do frontman Yamataka Eye com a loucura e o baterista Yoshimi P- A abordagem ingênua e improvisada do baterista abriu os olhos de muitos fora do Japão, especialmente nos EUA, para a japonesa.

Os tédio infiltraram-se no underground americano, não só se envolvendo com os gigantes Sonic Youth, Nirvana and the Flaming Lips (Yoshimi Battles the Pink Robots foi nomeado em homenagem a Yoshimi P-We e contou com suas contribuições), mas ganhando a reputação de artistas venerados e míticos. Álbuns como Super æ (1998) e Vision Creation Newsun (1999) só foram incorporados ao mito, e sua influência pode ser ouvida no trabalho de uma série de bandas diferentes de barulho e rock experimental como Lightning Bolt, Pink & Brown, Battles e Black Midi para o Psychhedelic Pop Outfit Animal Collective.

Embora já tenha passado quase uma década desde que os Boredoms alcançaram o maior alcance de influência, eles se beneficiaram do novo fandom global da era da mídia digital; eles estão entre os mais imitados e conhecidos dos músicos japoneses.

Fishmans

Bastante simples, nunca houve outra banda como Fishmans. Formada em 1987 como uma banda de dublagem direta antes de finalmente se transformar em titãs de pop experimental e neo-psichedelia, os Fishmans foram liderados por Shinji Sato (vocais), Kin-Ichi Motegi (bateria) e Yuzuru Kashiwabara (baixo).

Poucas discografias tão satisfatoriamente narram a história de uma banda como a dos Fishmans, um fato em grande parte verdadeiro devido às alturas vertiginosas alcançadas pelos seus quatro discos finais. Kūchū Camp, Long Season (ambos descritos pelo The Japan Times como “marcos indiscutíveis no cânone do rock japonês”), Uchū Nippon Setagaya e 98.12.28 Otokotachi no Wakare são inovadores no sentido de que ninguém, antes ou depois, soou como eles.

Não é exagero dizer que os Fishmans são mais populares agora do que alguma vez foram durante toda a sua vida nos anos 90. No entanto, excepcionalmente populares como são na /mu/ e RYM da Reddit, quase se pensaria que os peixinhos são há muito tempo um nome doméstico. Milhares de fãs desmaiam sobre os charmosos vocais de Sato e as linhas de base infecciosas de Kashiwabara e muitos se conectam com o trágico passado de Otokotachi no Wakare. Para muitos, a tragédia da morte de Sato altera retrospectivamente a forma como ouvem o disco, e poucas discussões sobre os maiores discos da história da música moderna excluem os peixinhos. Tudo isto apesar do catálogo de Fishmans só estar disponível para ser transmitido a partir do ano passado e Otokotachi no Wakare – geralmente seu trabalho mais aclamado – nunca tendo visto um lançamento fora do Japão.

Mais do que qualquer outro artista desta lista, a influência de Fishmans não está tanto no que eles inspiraram musicalmente (ou não ainda, de qualquer forma), mas na medida em que eles permearam a consciência e o discurso de toda uma geração de fanáticos por música global. Bandas como os peixinhos só aparecem uma vez em uma geração. Vinte anos depois, é claro que eles estão finalmente perto de receber o reconhecimento que merecem.

Haruomi Hosono

Haruomi Hosono tem sido um linchamento da música pop japonesa desde os seus primeiros dias em Apryl Fool e Happy End. A Yellow Magic Orchestra de Hosono (1978-84), com Ryuichi Sakamoto e Yukihiro Takahashi, é creditada por ter inventado o techno-kayo e, entre os gostos de Kraftwerk e Giorgio Moroder, é regularmente reconhecida como um dos padrinhos da música pop electrónica.

Hosono sozinho, no entanto, tornou-se conhecido pela amplitude das suas experiências estilísticas, pela sua extensa lista de créditos de produção e pelo seu trabalho a solo auto-Orientalista e exótico. Ele deixou uma marca indelével em alguns dos álbuns pop mais populares da história da música moderna japonesa e, no entanto, só relativamente recentemente é que a sua influência se estendeu firmemente para além dos seus dias com a YMO. As melodias pop coloridas e distintamente lúdicas de Hosono lançaram as bases para a sua idolatria pelos indie slacker e pelos actos pop esquisitos, sendo os mais famosos – e mais significativos – Mac DeMarco.

Stylistic assemilarities à parte, DeMarco reconheceu publicamente o seu ídolo e até lançou uma versão cover oficial de “Honey Moon” de Hosono. No início deste ano, ele se juntou a Hosono no palco para interpretá-lo, admitindo também que o 2 de DeMarco (2012) foi estilizado após Hosono’s Hosono’s House (1973). O papel de Hosono na ascensão de DeMarco seria ignorável, apenas DeMarco é facilmente um dos artistas mais imitados e definidores do rock indie americano nesta década.

Even fora do seu trabalho com YMO, o trabalho a solo de Hosono e a impressão em discos de Akiko Yano, Miharu Koshi, Taeko Ohnuki e Pizzicato Five estão, em grande parte através de streaming, infiltrando-se numa nova geração ansiosa para mergulhar no seu vasto catálogo de lançamentos.

Keiji Haino

Um mestre da performance e uma das figuras mais enigmáticas e incessantemente inovadoras da vanguarda, Keiji Haino declara que a sua música é tão poderosa como as drogas psicadélicas (que, por acaso, ele é inflexível e nunca tomou). E com música de tal poder, não é de admirar que ele seja um músico lendário e influente.

Impossível de se fixar num único género, Haino é conhecido pelo seu trabalho com improvisação livre, minimalismo, ruído, zumbido, poesia e muito mais, tanto no seu trabalho a solo como na sua infinidade de outros projectos musicais (especialmente a roupa psicadélica Fushitsusha e o noise act Nijiumu). Apesar de ter sido banido do NHK entre 1973 e 2013 e de geralmente fazer discos à beira do que normalmente se poderia considerar “música”, Haino encontrou um público nos EUA através do selo Tzadik de John Zorn nos anos 90 como um revolucionário místico e selvagem da música sónica. Cortando uma figura reverenciada entre artistas como Thurston Moore (Sonic Youth), Stephen O’Malley (Sun O)))), Jim O’Rourke (Sonic Youth, produtor de Wilco e Stereolab) e Christian Marclay, a influência de Haino não é mostrada apenas em seus projetos de colaboração com esses artistas, mas também em seu etos mais amplos.

Estes seguidores continuaram a criar alguns dos mais importantes e respeitados discos pesados e experimentais fora do Japão (assim como alguns trabalhos de geração-definindo trabalhos de género mais suave); transformando géneros através da sua mesma filosofia radical e abordagem de empurrar fronteiras. Dito de forma simples, sem Haino, discos como Sun O))), Monoliths and Dimensions, Jim O’Rourke’s Insignificance, Sonic Youth’s Murray Street ou Wilco’s Yankee Hotel Foxtrot podem nunca ter soado como soam.

Nujabes (Jun Seba)

A idolatria de um artista após a sua morte dificilmente é um fenómeno raro, mas raramente a apreciação póstumo generalizada tem sido tão merecida como com a música do pioneiro do hip hop instrumental Nujabes (nascido Jun Seba). Desde a trágica morte de Nujabes em uma colisão de trânsito em fevereiro de 2010, seu legado cresceu tranquilamente, exponencialmente, incorporando um estilo de hip hop conhecido em todo o mundo. O beatmaking de Nujabes levou o rap de jazz de artistas americanos como Pete Rock e A Tribe Called Quest e acrescentou woodwind, cornos e um intenso endividamento ao jazz espiritual.

Merging live instrumentation com amostras de uma vasta gama de artistas – incluindo Pharoah Sanders, Frank Sinatra, Miles Davis e Jean-Michel Jarre entre muitos outros – as batidas de Nujabes fazem uma ponte habilmente incontáveis gêneros. Ele é igualmente conhecido pelos seus dois discos de estúdio, Metaphorical Music e Modal Soul, assim como pelo seu trabalho que fornece a banda sonora para a série anime Samurai Champloo de Shinichirō Watanabe. O legado de Nujabes, impulsionado pela crescente demanda no hip hop por instrumentos mais suaves e jazzier (assim como por Samurai Champloo ter conquistado uma imensa audiência internacional), só tem crescido desde a sua morte.

Mais do que apenas o “J Dilla do Japão” (embora, por coincidência, nascido no mesmo dia, 7 de Fevereiro de 1984), foi reconhecido por artistas tão diversos como o rapper polaco Zeus e os rappers americanos SahBabii e Joey Bada$$ como um antepassado essencial e distinto do hip hop contemporâneo. Com a eminência da Lo-fi Hip Hop Radio e vários eventos Nujabes Experience surgindo em todo o mundo, é claro que o impacto da marca Nujabes de hip hop instrumental está apenas crescendo.

Perfume

Desde que eles entraram na cena J-pop pela primeira vez em 2008, ficou claro que Perfume não é o seu grupo de ídolos médio. Tanto a sua imensa popularidade como a notável extensão com que essa popularidade se traduziu tão bem no estrangeiro deixam claro que são um fenómeno cultural atípico e não puramente japonês. Se a YMO introduziu a primeira onda de tecnopopop, o Perfume acenou para a segunda. O gosto da produtora Nakata Yasutaka pela casa francesa e pela bossa nova criou instrumentais diferentes de qualquer outra coisa na época, enquanto os vocais de Kashiyuka, A-chan e Nocchi eram anormalmente escuros. Monótono e sintonizado automaticamente com uma ficção científica e eletrônica; todos os três eram um forte contraste com Ayumi Hamasaki e Hikaru Utada.

Playing Texas festival SXSW em 2015 e desovando fanbases em sites como Perfume City, LiveJournal, AllMusic e YouTube, pode-se ver Perfume como o equivalente japonês de Cool Britannia. Faixas de ambos Game (2008) e Triangle (2009) tornaram-se comuns em sets de DJs indie em todo lugar e acabaram sendo suportadas por turnês mundiais. Naturalmente, a influência de Perfume está em grande parte na música pop e EDM. Madeon e Zedd, dois dos mais famosos DJs da EDM, reconheceram a influência de Perfume e Yasutaka no seu trabalho. Embora Yasutaka tenha continuado a produzir para Kyary Pamyu Pamyu Pamyu de Harajuku, outra exportação J-pop única e popular, Perfume foram os revivalistas da tecnologia original.

Shiina Ringo

Avant-pop queen Shiina Ringo é uma das poucas artistas genuinamente influentes cujo trabalho consegue pavonear tanto a popularidade estratosférica como a criatividade desenfreada. Uma das artistas mais populares no Japão, ela também é adorada por fãs de arte pop em sites como RateYourMusic. No início dos anos 2000, sua ascensão foi imparável; impulsionada por sua banda de apoio Tokyo Jihen, Ringo combinou letras mais escuras, introspectivas, muitas vezes surrealistas, com um experimentalismo instrumental selvagem que fundiu J-pop com elementos de jazz, rock, noise pop, pop barroco, enka e electronica.

Kalk Samen Kuri no Hana, o álbum que muitos vêem como sua maior declaração artística, foi comparado pela edição asiática do Time ao Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Essa comparação é inteiramente justificada: é uma peça de música estranha e caótica, firmemente consagrada dentro do pop, mas também sem prestar atenção ao gênero, arrastando para a frente. Comparações frequentes com Bjork são uma prova do seu estilo consistentemente inovador, inteiramente distinto e da sua alta energia, muitas vezes provocante; embora Bjork dificilmente soe algo como o autodenominado “Shinjuku-kei” de Ringo (uma peça no icónico estilo pop indie Shibuya-kei).

Embora o número cada vez maior de ouvintes estrangeiros encontre constantemente o trabalho de Ringo, poucos se opõem ao seu estado crítico. Seus fãs incluem Lenny Kravitz, Courtney Love e até mesmo Perfume’s Nocchi, enquanto a estrela pop de Londres Rina Sawayama a lista como uma influência essencial. O músico nipo-americano Mitski listou-a como uma das influências mais importantes no seu álbum mais recente, Be the Cowboy, aclamado pela crítica em 2018. O trabalho de Ringo abriu o caminho para um público internacional mais amplo para outros artistas japoneses de alta intensidade, liderados por mulheres, como Midori, Tricot e Otoboke Beaver, e a apreciação da sua influência sobre a pop artística é inegável e crescente.