10 Obras de Arte que Fizeram as Pessoas Realmente Loucas

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Artistas ao longo da história nunca se afastaram da controvérsia – de fato, muitos até tentam cortejar infâmia. (Precisa de provas? Basta olhar para Banksy, o artista de rua anônimo que recentemente criou uma obra que se autodestruiu no momento em que foi vendida em leilão – por um total de US$ 1,37 milhão). Enquanto cabe aos críticos e historiadores debater a técnica e o mérito artístico, há algumas obras de arte que chocaram a maioria das pessoas que as viram. Desde pinturas consideradas demasiado lascivas, demasiado rudes ou demasiado sangrentas para o seu tempo a actos de profanação e declarações políticas poderosas, estas são algumas das obras de arte mais controversas alguma vez criadas.

1. Miguel Ângelo, “O Juízo Final”, 1536-1541

Pelos 25 anos depois de completar o teto da Capela Sistina, Miguel Ângelo retornou ao Vaticano para trabalhar num afresco que seria debatido durante séculos. Sua representação da Segunda Vinda de Cristo em “O Juízo Final”, na qual ele trabalhou de 1536 a 1541, foi recebida com controvérsia imediata da Igreja Católica Contra-Reforma. Oficiais religiosos se pronunciaram contra o afresco, por uma série de razões, incluindo o estilo com que Miguel Ângelo pintou Jesus (sem ursos e no estilo clássico da mitologia pagã). Mas o mais chocante de tudo foram as 300 figuras do quadro, na sua maioria masculinas e na sua maioria nuas. Num movimento chamado campanha das folhas de figo, pedaços de tecido e flora foram posteriormente pintados sobre a anatomia ofensiva, alguns dos quais foram posteriormente removidos como parte de uma restauração do século XX.

2. Caravaggio, “São Mateus e o Anjo”, 1602

A vida do pintor barroco Caravaggio pode ser mais controversa do que qualquer uma de suas obras, dado o fato de que ele morreu no exílio após ser acusado de assassinato. Mas a sua abordagem pouco convencional e humanista das suas comissões religiosas certamente levantou as sobrancelhas no seu tempo. No agora perdido quadro “São Mateus e o Anjo”, criado para a Capela Contarelli, em Roma, Caravaggio mudou a convenção usando um pobre camponês como modelo para o santo. Mas o que mais perturbou os críticos foram os pés sujos de São Mateus, que ilusionisticamente pareciam saltar de uma tela (um truque visual recorrente para o artista), e a forma como a imagem o implicava ser analfabeto, como se fosse lido por um anjo. A obra foi finalmente rejeitada e substituída por “A Inspiração de São Mateus”, uma representação semelhante, mas mais padronizada, da cena.

3. Thomas Eakins, “The Gross Clinic”, 1875

Este ícone da arte americana foi criado em antecipação ao centenário da nação, quando o pintor Thomas Eakins estava ansioso para mostrar tanto o seu talento como os avanços científicos do Jefferson Medical College de Filadélfia. A pintura realista coloca o espectador no centro de um anfiteatro cirúrgico, onde o médico Dr. Samuel Gross dá palestras a estudantes que operam um paciente. Mas a sua representação factual da cirurgia foi considerada demasiado gráfica, e a pintura foi rejeitada pela Exposição do Centenário da Filadélfia (alguns culpam as mãos ensanguentadas do médico, outros argumentam que foi a figura feminina a proteger os olhos que a colocou no limite). No entanto, um século depois, a pintura foi finalmente reconhecida como uma das grandes obras-primas da sua época, tanto pelo seu mérito artístico como científico.

4. Marcel Duchamp “Fountain”, 1917

Quando o iconoclástico Marcel Duchamp submeteu anonimamente um urinol de porcelana assinado “R. Mutt 1917” como escultura “readymade” para a Sociedade de Artistas Independentes, um grupo conhecido por aceitar qualquer artista que conseguisse pagar a taxa’ o impensável aconteceu: a peça foi negada, embora o próprio Duchamp fosse um cofundador e membro do conselho do grupo. Alguns até se perguntavam se a peça era um embuste, mas o diário Dada O Cego defendeu o urinol como arte porque o artista a escolheu. A peça marcou uma mudança do que Duchamp chamou de “retinal”, ou arte puramente visual, para um modo de expressão mais conceitual – dando início a um diálogo que continua até hoje sobre o que de fato constitui uma obra de arte. Embora tudo o que resta do original seja uma fotografia de Alfred Stieglitz (que deitou fora a peça) tirada para a revista, várias reproduções autorizadas dos anos 60 estão em grandes colecções em todo o mundo.

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5. Robert Rauschenberg, “Erased De Kooning”, 1953

Em alguns aspectos, “Erased De Kooning” de Robert Rauschenberg pressagiava a pintura autodestrutiva de Banksy. Mas, no caso do desenho de 1953, o artista decidiu que a obra de arte original deve ser importante por si só. “Quando eu apaguei os meus próprios desenhos, ainda não era arte”, disse Rauschenberg ao SFMoMA em 1999. Então ele chamou o artista moderno mais reverenciado da época, o expressionista abstrato mercurial Willem de Kooning, que, depois de algum convencimento, deu ao artista mais jovem um desenho com uma mistura de arte a lápis de graxa e carvão que levou dois meses para Rauschenberg apagar. Demorou cerca de uma década para que a obra se espalhasse, quando foi recebida com uma mistura de maravilha (Era um jovem génio a usurpar o mestre?) e repugnância (É vandalismo?). Uma pessoa não particularmente impressionada foi o próprio de Kooning, que mais tarde disse a um repórter que inicialmente achou a ideia “pirosa”, e que alguns dizem ressentir-se de que uma interacção tão íntima entre artistas tivesse sido partilhada com o público.

Como a arte performativa surgiu como uma prática artística nos anos pós-guerra, a forma de arte muitas vezes empurrada para a provocação e até mesmo para o perigo. Em “Cut Piece” de Yoko Ono, uma performance de 1964, a artista convidou o público a pegar uma tesoura e cortar um pedaço de sua roupa enquanto ela se sentava imóvel e silenciosa. “As pessoas ficaram tão chocadas que não falaram sobre isso”, ela lembrou mais tarde.

Ten anos mais tarde, Marina Abramovic, sem saber, revisitou o conceito com “Ritmo 0”, no qual a artista forneceu ao público 72 objetos para fazer o que eles “desejavam”. Junto com uma tesoura, Abramovic ofereceu uma gama de ferramentas: uma rosa, uma pena, um chicote, um bisturi, uma arma, uma bala, uma fatia de bolo de chocolate. Ao longo das seis horas de actuação, o público tornou-se cada vez mais violento, com uma a tirar sangue do pescoço (“ainda tenho as cicatrizes”, disse ela) e outra a apontar-lhe a arma à cabeça, acendendo uma luta mesmo dentro da galeria (“eu estava pronto para morrer”). A platéia começou uma briga sobre até onde levar as coisas, e no momento em que a apresentação terminou, lembrou Abramovic, todos fugiram para evitar enfrentar o que havia acontecido. Desde então, Abramovic tem sido chamada a madrinha da arte performativa, com seu trabalho muitas vezes-fisicamente-extremo continuando a polarizar tanto os espectadores quanto os críticos. >

Stan Honda/AFP/Getty Images

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7. Judy Chicago, “The Dinner Party”, 1974-79

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Com o seu “Dinner Party”, Judy Chicago partiu para defender o reconhecimento das mulheres ao longo da história – e acabou fazendo ela própria a história da arte. Uma instalação complexa com centenas de componentes, a peça é um banquete imaginário com 39 mulheres de toda a mitologia e história – Verdade, Sacajawea e Margaret Sanger entre elas – cada uma delas representada à mesa com um cenário de lugar, quase todas retratando vulvas estilizadas. Com sua mistura de imagens anatômicas e técnicas artesanais, o trabalho foi apelidado de vulgar e kitschy pela crítica, e foi rapidamente satirizado por uma contra-exibição honrando mulheres de “distinção duvidosa”. Mas apesar dos detratores, a peça é agora vista como um marco na arte feminista, em exposição permanente no Museu do Brooklyn.

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8. Maya Lin, “Vietnam Veterans Memorial”, completou 1982

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Maya Lin tinha apenas 21 anos quando ganhou a comissão que iria lançar a sua carreira – e um debate nacional. Seu projeto para o Vietnam Veterans Memorial foi escolhido por um júri cego, que não tinha idéia de que a designer vencedora era uma estudante de arquitetura. Embora o projeto proposto se encaixasse em todos os requisitos, incluindo a incorporação de 58.000 nomes de soldados que nunca voltaram da guerra, sua forma minimalista e subestimada – duas placas de granito negro que surgem da terra em “V”, como uma “ferida que está fechada e cicatrizando”, disse Lin – foi imediatamente sujeita a debate político por aqueles que sentiram que não heroizavam adequadamente os soldados que ela honrava. Um veterano chamou o projeto de “corte negro da vergonha”, e 27 congressistas republicanos escreveram ao presidente Ronald Reagan exigindo que o projeto não fosse construído. Mas Lin defendeu sua visão, testemunhando perante o Congresso sobre a intenção por trás do trabalho. No final, chegou-se a um compromisso, quando um segundo colocado na competição com três soldados foi acrescentado nas proximidades para completar a homenagem (uma bandeira e o Women’s Memorial também foram acrescentados mais tarde). À medida que a distância da guerra foi aumentando, as críticas ao memorial foram desaparecendo.

9. Ai Weiwei, “Dropping a Han Dynasty Urn,” 1995

A artista e ativista chinês Ai Weiwei é uma das figuras mais provocativas da arte, e sua prática freqüentemente questiona idéias de valor e consumo. Em 1995 o artista acenou para Duchamp com “Droppping a Han Dynasty Urn”, uma peça que ele chamou de “readymade cultural”. Como o título implica, a obra consistia em largar, e assim destruir, uma urna cerimonial de 2.000 anos. Não só o vaso tinha um valor monetário considerável (a Ai teria pago várias centenas de milhares de dólares por ele), mas era também um símbolo poderoso da história chinesa. A profanação intencional de um artefato histórico foi decretada como antiética por alguns, ao que o artista respondeu citando Mao Tse Tung, “a única maneira de construir um novo mundo é destruindo o antigo”. É uma idéia à qual Ai volta, pintando um vaso semelhante com o logotipo da Coca Cola ou cores doces brilhantes enquanto as pessoas debatem se ele está usando antiguidades genuínas ou falsificações. De qualquer forma, seu corpo de trabalho provocativo inspirou outros atos de destruição – como quando um visitante de uma exposição de Miami do trabalho de Ai esmagou um vaso pintado em um ato ilegal de protesto que espelhava o próprio Ai.

10. Chris Ofili, “The Holy Virgin Mary”, 1996

Não é chocante que uma exposição chamada “Sensation” tenha provocado uma agitação, mas foi isso mesmo que aconteceu quando inaugurou em Londres, em 1997, com uma série de obras controversas dos chamados Young British Artists: A pintura da assassina Myra Hindley de Marcus Harvey, a escultura de Damien Hirst de tubarão em formaldeído, uma instalação de Tracey Emin intitulada “Todos com quem dormi (1963-1995)”, e a escultura de auto-retrato de Marc Quinn feita de sangue. Quando a exposição chegou ao Brooklyn Museum, dois anos depois, foi “The Holy Virgin Mary”, uma Madonna de Chris Ofili, que ganhou o maior desprezo. A brilhante colagem continha recortes de revistas pornográficas e pedaços de estrume de elefante revestido de resina, que os meios de comunicação social relataram erroneamente ter sido “salpicado” pela peça. O prefeito de Nova York, Rudy Giuliani, ameaçou retirar a doação de 7 milhões de dólares da cidade para o show, chamando a exposição de “coisas doentias”, enquanto líderes religiosos e celebridades se juntaram aos protestos em lados opostos. Duas décadas depois, a controversa pintura de Ofili ganhou um lugar no arco da história da arte – e na coleção permanente do Museu de Arte Moderna.